Ivan Nikolajevitsj Kramskoy (1837-1887)
Gedurende zijn leven, Ivan Nikolajevitsj Kramskoy probeerde kunst tot leven te brengen, zodat het een effectief hulpmiddel werd voor zijn actieve kennis. Een uitmuntend artiest, die een grote rol speelde bij de vorming van de nationale schilderschool, leidde de beroemde "rel van veertien", stond aan het hoofd van de Artel of Artists en de Association of Wanderers, was een van degenen wiens leven en werk steevast diende om de meest revolutionaire, meest geavanceerde ideeën van zijn tijd.
Foto's van Ivan Kramskoy
Scherp gevoel voor het leven
Ivan Nikolajevitsj schreef in zijn biografie:“Ik ben geboren in 1837, op 27 mei (volgens de senior art. V.V.), in de provinciestad Ostrogozhsk, provincie Voronezj., In de voorstedelijke nederzetting Novaya Sotna, van ouders die zijn toegewezen aan het lokale filistinisme. 12 jaar oud, Ik verloor mijn vader, een zeer strenge man, zoals ik me herinner. Mijn vader diende in de stadsdoema, als ik mij niet vergis, als journalist (dat wil zeggen een klerk - V.R.); mijn grootvader, volgens de verhalen... was ook een soort klerk in Oekraïne. Mijn genealogie komt niet verder. ”
In zijn dalende jaren, ironisch genoeg merkte de kunstenaar op dat er iets "van een soort" uit hem kwam. In zijn autobiografie, enige bitterheid wordt gevoeld, maar tegelijkertijd de legitieme trots van een man die is ontsnapt aan de 'lagere klassen' en in lijn is geraakt met de meest prominente figuren van zijn tijd. De schilder schreef over hoe hij zijn hele leven ernaar streefde om een opleiding te volgen, maar hij slaagde erin alleen de districtsschool van Ostrogozh af te maken, hoewel hij daar de "eerste student" werd. “… Ik ben nog nooit zo jaloers geweest op iemand… als een echt ontwikkeld persoon, ” merkt Kramskoy op, vermeldend dat hij na zijn opleiding dezelfde klerk in de stadsdoema werd als zijn vader.
De jonge man raakte al vroeg geïnteresseerd in kunst, maar de eerste die dit opmerkte en steunde, was de plaatselijke amateurkunstenaar en fotograaf Mikhail Borisovitsj Tulinov, aan wie Kramskoy zijn hele leven dankbaar was. Hij studeerde enige tijd iconen schilderen, dan, op zestienjarige leeftijd hij "had de kans om te ontsnappen uit een provinciestad met een Charkov-fotograaf." De toekomstige kunstenaar reisde met hem "drie jaar lang een grote helft van Rusland, als retoucheur en aquarellist. Het was een harde school ... ". Maar deze "zware school" bracht Kramskoy aanzienlijk voordeel, temperde zijn wil en vormde een volhardend karakter, alleen maar versterken van zijn verlangen om kunstenaar te worden.
Te oordelen naar zijn dagboekaantekeningen, de jonge Ivan Kramskoy was een enthousiaste jongeman, maar in 1857 was er al een man in Petersburg aangekomen die heel goed wist wat hij wilde en hoe hij dat kon bereiken. Het begin van het onafhankelijke pad van de toekomstige schilder kostte heel Rusland een moeilijke tijd. De Krimoorlog is net afgelopen, na de verpletterende militaire en politieke nederlaag van de autocratie, tegelijkertijd het publieke bewustzijn wekken van zowel progressieve mensen als de brede massa's van het volk.
Monoliet van de Keizerlijke Academie
De afschaffing van de gehate lijfeigenschap stond voor de deur, en vooruitstrevend Rusland leefde niet alleen van de verwachting van toekomstige veranderingen, maar heeft er ook op alle mogelijke manieren aan bijgedragen. Het alarm van de Herzen "Bell" klonk krachtig, de jonge revolutionairen-raznochintsy, onder leiding van N.G. Chernyshevsky, bereidden zich voor op de strijd voor de bevrijding van het volk. En zelfs zo ver van het praktische leven, de sfeer van de "hoge" kunst bezweek voor de charme van de wind van verandering.
Als lijfeigenschap de belangrijkste rem was op de ontwikkeling van alle aspecten van de samenleving, het bolwerk van het conservatisme op het gebied van kunst werd in het midden van de 18e eeuw gecreëerd door de keizerlijke kunstacademie. Als dirigent van officiële doctrines en esthetische principes die zichzelf al hadden overleefd, ze stond niet toe dat het gebied van het "mooie" iets gemeen had met de echte realiteit. Maar haar studenten in de tweede helft van de jaren '50 - begin jaren '60, steeds duidelijker voelde dat het leven totaal andere eisen aan de kunst stelt. Significante woorden van N.G. Chernyshevsky "schoonheid is leven" werden een programmatische setting voor alle progressieve Russische intelligentsia en jonge figuren van de ontluikende Russische democratische kunst. Vervolgens brachten ze nieuwe publieke stemmingen naar de Academie voor Beeldende Kunsten, hechte banden met studenten van de universiteit, de Medische en Chirurgische Academie, waarin de helden van de roman Chernyshevsky "Wat moet ik doen?" Dmitry Lopoechov en Alexander Kirsanov, zowel typisch raznochintsy, collega's I. Kramsky studeerde.
Aangekomen in St. Petersburg, Ivan Nikolajevitsj genoot al de faam van een uitstekende retoucher, die voor hem de deur opende in de studio van de beste grootstedelijke fotografen I.F. Alexandrovsky en A.I. Dener. Maar de carrière van een succesvolle ambachtsman kon hem niet bevredigen. Kramskoy dacht er steeds hardnekkiger aan om naar de Academie voor Beeldende Kunsten te gaan.
Kramskoi's tekeningen kregen onmiddellijk de goedkeuring van de Academieraad, en in de herfst van 1857 werd hij al leerling van professor A… T. Markov. Dus zijn gekoesterde droom kwam uit, en ik moet zeggen dat hij Kramskoy zeer ijverig bestudeerde, hard gewerkt aan de tekening, wiens cultuur zeer hoog was aan de Academie, hij werkte met succes aan schetsen voor historische en mythologische onderwerpen, alle prijzen in ontvangst nemen.
Maar de jonge schilder voelde geen echte voldoening. een doordachte, goed gelezen man, hij voelde steeds meer een fundamentele onenigheid tussen oude kunstdoctrines en het echte leven. Slechts een paar maanden na Kramsky's toelating tot de Academie, het werk van A. A. Ivanov "The Appearance of Christ to the People" werd vanuit Petersburg naar Italië gebracht. De terugkeer van de kunstenaar naar Rusland na bijna dertig jaar afwezigheid, de plotselinge dood die volgde, de indruk die zijn tijdgenoten maakten, dat het belangrijkste werk van het leven van de grote meester werd, speelde een grote rol bij het vormgeven van het bewustzijn van het ontluikende geavanceerde deel van de Russische intelligentsia.
De rel van veertien
Beste van alles, de opstand van 14 werd door Ivan Kramskoy zelf verteld in een brief aan zijn oude vriend M. B. Tulinov:"Mijn beste Mikhail Borisovitsj! Aandacht! De volgende omstandigheid vond plaats op de Academie op 9 november dat is, afgelopen zaterdag:14 van de studenten hebben een aanvraag ingediend voor de afgifte van diploma's voor de titel van klassekunstenaars. Op het eerste gezicht is er niets verrassends.
Mensen zijn vrij, vrijkomende studenten, kan, wanneer ze de lessen willen verlaten. Maar het feit is dat deze 14 geen gewone studenten zijn, maar mensen die moeten schrijven voor de eerste gouden medaille. Het was als volgt:een maand eerder, wij hebben een verzoek om toestemming ingediend om een perceel te kiezen, maar we weigerden ons verzoek ... en besloten een verhaal te geven aan historici en een plot aan genreschrijvers die oorspronkelijk hun eigen plots hadden gekozen. Op de dag van de wedstrijd, 9 november, we zijn op kantoor en hebben besloten samen naar de Raad te gaan om uit te zoeken wat de Raad heeft besloten. En daarom, op de vraag van de inspecteur:wie van ons zijn historici en wie zijn genreschrijvers? wij, zodat iedereen samen de vergaderruimte kon betreden, antwoordde dat we allemaal historici waren. Eindelijk, ze roepen de Raad op om naar de taak te luisteren. We komen binnen. FF Lvov las ons het verhaal voor:"Feest in Walhalla" - uit de Scandinavische mythologie, waar helden ridders voor altijd vechten, waar God Odin voorzit, hij heeft twee raven op zijn schouders, en twee wolven aan zijn voeten, en tenslotte, ergens in de hemel, tussen de kolommen, een maand gedreven door een monster in de vorm van een wolf, en nog veel meer onzin. Daarna, Bruni stond op, komt naar ons toe om de plot uit te leggen, zoals altijd het geval is. Maar een van ons, namelijk Kramskoy, scheidt zich af en zegt het volgende:“We vragen toestemming om een paar woorden te spreken in het aangezicht van de Raad” (stilte, en alle ogen staarden naar de spreker). “We hebben twee keer een verzoek ingediend, maar de Raad vond het niet mogelijk om aan ons verzoek te voldoen; "wij, onszelf niet meer in het recht te houden om aan te dringen en niet te durven nadenken over het veranderen van academische beslissingen, vraag ons om ons nederig te bevrijden van deelname aan de wedstrijd en geef ons diploma's voor de titel van artiesten."
Een paar ogenblikken - stilte. Eindelijk, Gagarin en Tone maken geluiden:“is dat alles?”. Wij antwoorden:“alles”, en wij vertrekken, en in de volgende kamer geven we petities aan de casemanager... En op dezelfde dag vroeg Gagarin Dolgorukov in een brief zodat er niets in de literatuur zou verschijnen zonder hem (Gagarin) te bekijken. In een woord, we zetten het in een dilemma. Dus, we hebben onze eigen retraite afgesneden en willen niet terugkeren, en moge de Academie gezond zijn door haar honderdjarig bestaan. Overal vinden we sympathie voor onze actie, zo een, verzonden door schrijvers, vroeg me hem de woorden te vertellen die ik in de Raad had gezegd voor publicatie. Maar voorlopig zwijgen we. En aangezien we elkaar nog steeds stevig vasthielden, zodat we niet verloren zouden gaan, we besloten om vast te houden aan het vormen van een artistieke vereniging, dat is, om samen te werken en samen te leven. Ik vraag u mij uw advies en gedachten te geven met betrekking tot de praktische structuur en algemene regels die passen bij onze samenleving... En nu lijkt het ons dat deze kwestie mogelijk is. Ons actieaanbod heeft een omhelzing:portretten, iconostase, kopieën, originele schilderijen, tekeningen voor publicaties en litho's, hout tekeningen, in een woord, alles wat met onze specialiteit te maken heeft… Hier is een programma dat verre van duidelijk is zoals je ziet… ".
In deze brief, de kunstenaar onthult niet alleen het wel en wee van de confrontatie tussen jonge kunstenaars en de Academie, maar ziet ook perspectieven voor de toekomst, die nog niet helemaal duidelijk zijn, maar zeer stoutmoedig en niet beperkt tot de egoïstische doelen van hun eigen overleving. Na dit voorval, heimelijk politietoezicht werd ingesteld boven Kramskoi en zijn kameraden, die vele jaren duurde. Hier zijn de namen van veertien deelnemers aan de "rel":schilders I. Kramskoy, A. Morozov, F. Zhuravlev, de heer Peskov, B. Wenig, P. Zabolotski, N. Sjoestov, A. Litovchenko, N. Dmitriev, A. Korzukhin, Een Grigoriev, N. Petrov, K. Lemoh en beeldhouwer V. Kreitan.
Ze kregen allemaal de opdracht om de werkplaatsen met spoed vrij te geven, maar de jeugd zonder levensonderhoud achtergelaten, toch een grote overwinning behaald, waarvan de betekenis destijds nauwelijks kon worden begrepen. Dit was de eerste verovering van de Russische democratisch realistische kunst. Spoedig, Kramskoj, samen met gelijkgestemden, begon met de praktische uitvoering van zijn idee - de oprichting van de eerste onafhankelijke "kunstvereniging" - Artels of Artists.
Kramskoy ogen Repin
Nadat hij van de Academie was verwijderd, Kramskoy regelde om les te geven aan de school van de Society for the Promotion of Arts, onder de studenten "was een getalenteerde jonge man die net vanuit Oekraïne in St. Petersburg was aangekomen", net zoals Kramskoy zelf ooit had gedroomd om naar de Academie voor Beeldende Kunsten te gaan - Ilya Repin.
Ilya Efimovich zelf beschrijft zijn eerste ontmoeting met Kramskoy als volgt:“Dit is zondag, twaalf uur 's middags. Er is een levendige opwinding in de klas, Kramskoy is er niet. We tekenen uit het hoofd van Milon Krotonsky... In de klas is het rumoerig... Plots was er volledige stilte... En ik zag een magere man in een zwarte geklede jas, met een stevige pas de klas binnenkomen. Ik dacht dat het iemand anders was:ik stelde me Kramskoy anders voor. In plaats van een mooi bleek profiel, deze had een dun brutaal gezicht en zwart glad haar in plaats van kastanjebruine krullen tot op de schouders, en alleen studenten en docenten hebben zo'n armoedig, vloeibare baard. - Wie is dit? fluister ik tegen een vriend. - Kramskoj! Weet je het niet? hij vraagt zich af. Dus hier is hij!.. Nu keek hij me aan; lijkt te hebben opgemerkt. Welke ogen! Verstop je niet, ook al zijn ze klein en zitten ze diep in verzonken banen; grijs, gloed... Wat een serieus gezicht! Maar de stem is aangenaam, eerlijk, spreekt met emotie… Maar ze luisteren er ook naar! Ze hebben zelfs hun werk opgegeven, ze staan met open mond rond; het is duidelijk dat ze elk woord proberen te onthouden. ”
Repin, zoals veel Russische kunstenaars (Kramskoy zelf schreef geweldig, net als Perov), Repin bleek een getalenteerde schrijver te zijn. In zijn essay "Ivan Nikolajevitsj Kramskoy (In Geheugen van de Leraar)", met zijn inherente impulsiviteit, hij creëert een zeer levendig, expressief literair portret. "Kramskoy's pagina's op Repin's pagina's zijn allemaal in beweging, in strijd, het is geen bevroren wassen beeld van een panopticum, het is precies de held van een fascinerend verhaal rijk aan afleveringen, ' schreef K. Chukovsky later.
Repin creëerde een beeld dat bijna tot in het kleinste detail samenvalt met het Zelfportret, geschreven door Kramsky in 1867 en gekenmerkt door een ongewoon objectieve karakterisering. Op de foto, niets leidt ons af van het belangrijkste - het gezicht van de held, met een strikte, doordringende blik van grijze ogen. Verstand, zullen, terughoudendheid - dit zijn de belangrijkste persoonlijkheidskenmerken van de kunstenaar, die duidelijk zichtbaar zijn op het doek. Trots zelfrespect manifesteert zich zonder tekenen of poseren. Alles is eenvoudig en natuurlijk in het uiterlijk van de schilder en op zijn eigen manier harmonieus in het interieur. De kleur van het portret is bijna monochroom, de penseelstreek is dynamisch, voor ons staat het erkende hoofd van de eerste St. Petersburg Artel of Artists.
Oprichting van Artel
Aan de gevel van huisnummer 2/10, staande op de hoek van Mayorov Avenue en Admiralteysky Prospekt in St. Petersburg, er is een gedenkplaat met het opschrift:“In dit huis, van 1866 tot 1870, een grote Russische kunstenaar Ivan Kramskoy woonde en werkte. De door hem georganiseerde Artel, het verenigen van de toonaangevende realistische kunstenaars van de jaren '60, was hier gevestigd. " Maar in werkelijkheid, de Artel of Artists kreeg niet meteen een kamer in het centrum van de hoofdstad, niet ver van het Paleisplein.
Het begon allemaal veel bescheidener. Herinnerend aan de organisatie van Artel, Kramskoy schreef voor zijn dood aan Stasov:"... toen was het allereerst nodig om te eten en te eten, aangezien alle 14 mensen twee stoelen en een tafel met drie poten hadden. Degenen die in ieder geval iets hadden, waren onmiddellijk verdwenen. “Na lang wikken en wegen, "Repin schreef, “ze kwamen tot de conclusie dat het nodig is om te regelen, met toestemming van de regering, de Artel der Kunstenaars - een soort kunstfirma, werkplaats en kantoor om bestellingen van de straat aan te nemen, met een bord en een goedgekeurd charter. Ze huurden een groot appartement in de zeventiende lijn van Vasilievsky-eiland en verhuisden (de meesten van hen) om daar samen te wonen. En toen kwamen ze meteen tot leven, opgewekt. Een gemeenschappelijke grote lichte kamer, comfortabele kamers voor iedereen, hun eigen huishouden, die werd uitgevoerd door de vrouw van Kramskoy, dit alles moedigde hen aan. Het leven is leuker geworden, en er zijn enkele bestellingen verschenen. De samenleving is macht. Zo was er de eerste kunstenaarsvereniging georganiseerd door Kramskoy. Hierdoor konden veel getalenteerde artiesten niet alleen overleven, maar om succes te behalen, erkenning en financiële onafhankelijkheid, die, uiteindelijk, verdere volledige desintegratie van de organisatie veroorzaakt.
Persoonlijk leven en interesse in psychologie
Ivan Nikolajevitsj was er altijd zeker van dat zijn uitverkorene zijn trouwe vriendin zou zijn, alle ontberingen van het leven van de kunstenaar met hem zou delen. Sofia Nikolajevna, die zijn vrouw werd, zijn dromen van persoonlijk geluk volledig verwezenlijkt. In een van de brieven van de kunstenaar aan zijn vrouw, lezen we:“… je stoort me niet alleen als artiest en kameraad van mijn kameraden, maar ook alsof je zelf een echte ambachtsman bent geworden…”. Kramskoy schilderde herhaaldelijk portretten van Sofia Nikolaevna. En hoewel het te brutaal zou zijn om haar de 'muze' van de kunstenaar te noemen, zij was ongetwijfeld het ideaal van een vrouw voor hem. De beste bevestiging hiervan zijn haar beelden gemaakt in portretten uit de jaren 60. De gemeenschappelijke kenmerken van alle schilderijen zijn de integriteit, onafhankelijkheid en trots van hun heldin, waardoor ze in haar een "nieuwe vrouw" konden zien, die tegelijkertijd haar ware vrouwelijkheid niet heeft verloren, poëzie en zachtheid.
Deze kwaliteiten zijn vooral merkbaar in haar grafische portret, behorend tot de Tretjakovgalerij (1860). een jonge, charmante en zachtaardige vrouw met een eigenzinnig karakter, zoals ons wordt verteld door een energieke hoofdwending en een strikte, maar open blik.
Het schilderij "Lezen. Portret van S. N. Kramskoy", geschilderd in 1863, doet denken aan de lyrische vrouwenportretten van het begin van de 19e eeuw. De kleur van de afbeelding is gebaseerd op een combinatie van tinten lichtgroen, lila en andere delicate kleuren. Een grote rol in het doek wordt gespeeld door het landschap en de weinige, zorgvuldig geselecteerde accessoires die helpen de overduidelijke aantrekkelijkheid van de heldin van het portret over te brengen. Een jong stel Kramsky's werd in 1865 gevangen genomen door hun wederzijdse vriend "artisan" N.A. Koshelev. Op de foto "Kramskoy met zijn vrouw" zien we een lyrische schets:Sofia Nikolaevna speelt piano, terwijl Ivan Nikolajevitsj in gedachten raakte onder begeleiding van haar muziek.
In de jaren 60, Kramskoy maakte veel grafische portretten van zijn vrienden:N.A. Koshelev, echtgenoten Dmitriev-Orenburg, M.B. Tulinov, I.I. Shishkin, steeds meer hun psychologisme versterken. Waar, de zich snel ontwikkelende foto, het lijkt erop, begon de artistieke grafische en dure picturale portretten te verdringen. Het leek erop dat de camera absoluut alles beschikbaar had dat hij niet alleen het uiterlijk van de pose nauwkeurig kon vastleggen, maar ook met voordeel de nodige details van het kostuum benadrukken, rijke sfeer, sieraden, enz. Maar, zoals de tijd heeft laten zien, hij kon niet één ding doen - in een persoon kijken, hem een bepaalde sociale en psychologische beoordeling geven. Dit bleef alleen haalbaar in het door de kunstenaar gemaakte portret.
Het was dit - de verbetering van het psychologische portret - dat veel meesters, inclusief NN jeetje, V.G. Perov en I.N. Kramskoj. De krachtige opkomst van het Russische realistische portret viel samen met het begin van het tijdperk van Wanderer en het einde van het Artel-tijdperk, die in de loop van de tijd zijn oorspronkelijke betekenis verloor.
Partnerschap van de Wanderers
Het geweldige idee om de TPHV te maken, die een grote rol speelde in het leven van de Russische kunst, behoorde tot een groep vooraanstaande kunstenaars uit Moskou en St. Petersburg, en de beroemde genreschrijver G. G. Myasoedov was de directe initiatiefnemer van het initiatief. Hij schreef een brief aan Artel, ontmoeting daar met alleen steun van individuele leden, voornamelijk - I.N. Kramskoj.
in toga, in 1870, een organisatie werd opgericht die Russische democratische kunst kon bevrijden van staatsvoogdij, het verzamelen van toonaangevende artiesten rond een vereniging gebaseerd op het principe van persoonlijk materieel belang van al haar leden. De belangrijkste doelstelling van het partnerschap was de ontwikkeling van kunst. De praktijk van reizende tentoonstellingen opende de mogelijkheid van directe communicatie tussen kunstenaars en een breed publiek, terwijl we de meest urgente problemen van onze tijd aan de orde stellen.
In de loop van enkele decennia, P.M. verwierf veel van de beste werken van de Wanderers in zijn collectie. Tretjakov. 28 november (12 december, volgens de nieuwe stijl), 1871, de eerste tentoonstelling van het Partnership vond plaats in St. Petersburg. Opgemerkt moet worden dat het voor Kramsky was, een man met zeer vaste principes en overtuigingen, dat het opgerichte Partnership of Travelling Art Exhibitions genoodzaakt was om zeer snel de taken van de tentoonstellingsorganisatie te ontgroeien en een echte school voor geavanceerde Russische kunst te worden.
Ivan Nikolajevitsj zelf, het organiseren van het partnerschap en het begeleiden van zijn creatieve leven, vond in hem die 'broedplaats' die hem in staat stelde zijn eigen artistieke hoogten te bereiken. De bloeitijd van de Vereniging van Zwervers viel samen met de bloeitijd van het werk van Kramskoy, en als schilder en als criticus-publicist, auteur van een aantal zeer serieuze artikelen waarin hij zijn gedachten uitte over het lot van de kunst en haar hoge maatschappelijke missie.
In talrijke brieven aan verschillende mensen, men kan veel interessante commentaren lezen van Kramskoy over de grote meesters uit het verleden en hedendaagse Russische en Europese kunstenaars. Het meest opmerkelijke moment in de kritische redenering van de kunstenaar was dat hij ze niet zozeer schreef om anderen te leren uitdrukking te geven aan dat enorme en voortdurende interne werk dat in hemzelf werd verricht.
Kramskoj, in zijn esthetische opvattingen, was een consequente aanhanger van de leer van de grote democraten V.G. Belinsky en N.G. Tsjernysjevski. Hij schreef, geloven dat alleen het leven zelf de basis kan zijn van artistieke creatie:"Het is slecht als kunst een wetgever wordt!.. De serieuze belangen van de mensen moeten altijd voorrang krijgen op de minder belangrijke."
Kramskoy betoogde dat “kunst niet anders kan zijn dan nationaal. Nergens en nooit was er andere kunst, en als de zogenaamde universele menselijke kunst bestaat, het is alleen te wijten aan het feit dat het werd uitgedrukt door een natie die voor universele menselijke ontwikkeling stond. En als Rusland ooit in de verre toekomst voorbestemd is om zo'n positie tussen volkeren in te nemen, dan Russische kunst, diep nationaal zijn, universeel zal worden. ”
Afbeelding van Christus
Tijdens de hoogtijdagen van de impressionistische kunst in Frankrijk, Repin, die in Parijs was en hun werk bewonderde, schreef dat "wij", d.w.z. Russen, "een heel ander volk, in aanvulling op, in ontwikkeling (artistiek - V.R.) zitten we in een eerdere fase." In antwoord op Kramskoy's opmerking dat Russische kunstenaars eindelijk "naar het licht moeten gaan, naar de kleuren, ” Repin zegt:“… onze taak is inhoud. Het gezicht, de ziel van de mens, het drama van het leven, de indrukken van de natuur, zijn leven en betekenis, de geest van de geschiedenis - dit zijn onze thema's... onze kleuren zijn een instrument, ze moeten onze gedachten uitdrukken, onze kleur is geen elegante vlekken, het moet de sfeer van de foto uitdrukken, haar ziel, hij moet het hele publiek positioneren en vangen, als een akkoord in de muziek. ”
Opgemerkt moet worden dat soortgelijke ideeën werden uitgedrukt door veel figuren uit de Russische cultuur van F.M. Dostojevski naar MP Moessorgski. Ze werden rechtstreeks belichaamd in de werken van I.N. Kramskoj.
Het belangrijkste werk in het werk van de kunstenaar was het schilderij "Christus in de woestijn" (1872), getoond op de tweede tentoonstelling van de Association of Wanderers (1872), waarvan het idee lang geleden is ontstaan. De kunstenaar zei dat ze de bewaarplaats werd van de belangrijkste ideeën voor hem:"Onder invloed van een aantal indrukken, een heel zwaar gevoel van leven vestigde zich in mij. Ik zie duidelijk dat er één moment in het leven van ieder mens is, geschapen naar het beeld en de gelijkenis van God, wanneer hij erover nadenkt - of hij nu naar rechts of naar links gaat?.. We weten allemaal hoe zo'n oscillatie meestal eindigt. De gedachte verder uitbreiden, de mensheid in het algemeen omarmen, L, uit eigen ervaring, van mijn kleine origineel, en alleen van hem alleen, kan het vreselijke drama raden dat zich afspeelde tijdens historische crises. En nu heb ik een vreselijke behoefte om anderen te vertellen wat ik denk. Maar hoe te vertellen? Hoe, op welke manier kan ik worden begrepen? Door de aard van de natuur, de taal van de hiëroglief is voor mij het meest toegankelijk. En toen ik op een keer... ik zag een figuur in diepe gedachten zitten... Zijn gedachte was zo serieus en diep dat ik hem constant in één positie bracht... Het werd me duidelijk dat hij bezig was met een belangrijk onderwerp voor hem, zo belangrijk dat hij ongevoelig is voor verschrikkelijke lichamelijke vermoeidheid... Wie was het? dat hij ongevoelig is voor verschrikkelijke lichamelijke vermoeidheid... Wie was het? dat hij ongevoelig is voor verschrikkelijke lichamelijke vermoeidheid... Wie was het? Ik weet het niet. Naar alle waarschijnlijkheid, het was een hallucinatie; Ik moet hem echt niet gezien hebben. Dit leek mij het meest geschikt voor wat ik wilde vertellen. Dan hoefde ik niet eens iets uit te vinden, Ik heb net geprobeerd te kopiëren. En toen hij klaar was, hij gaf hem een gewaagde naam. Maar als ik kon, toen ik hem zag, Schrijf het, is het Christus? Ik weet het niet…".
We kunnen beoordelen hoe lang en hard de kunstenaar heeft gewerkt aan het creëren van dat zeer "juiste" beeld door het enorme aantal tekeningen en schetsen dat ter voorbereiding van het hoofdwerk is gemaakt. De betekenis van deze foto voor Kramskoy kan worden beoordeeld door het feit dat hij zijn werk bleef afmaken, zelfs nadat het in de Tretyakov-galerij was geplaatst.
De kunstenaar schilderde Christus zittend op grijs, koude stenen, de woestijngrond is dood, het lijkt erop dat Jezus dwaalde naar waar de menselijke voet nog niet was gestapt. Een delicate balans van het niveau van de horizon die de werkruimte in tweeën deelt, Zijn figuur domineert tegelijkertijd de ruimte van het doek, een duidelijk silhouet tekenend tegen de lucht, en is in harmonie met de aardse wereld afgebeeld op het doek. Het helpt de kunstenaar alleen om het innerlijke drama van zijn held te verdiepen. Er is geen actie op de foto, maar de kijker lijkt het leven van de geest te voelen, het werk van de gedachten van de zoon van God, om voor zichzelf een belangrijk probleem op te lossen.
Zijn benen zijn gewond aan scherpe stenen, de figuur is gebogen, zijn handen zijn pijnlijk gebald. In de tussentijd, het uitgemergelde gezicht van Jezus verbeeldt niet alleen zijn lijden, maar ondanks alles, drukt enorme wilskracht uit, grenzeloze trouw aan het idee waaraan hij zijn hele leven ondergeschikt maakte.
“Hij zat zo toen de zon nog voor hem stond, zat moe, uitgeput, eerst keek hij naar de zon, merkte toen de nacht niet op, en bij het ochtendgloren, wanneer de zon achter hem zou opkomen, hij bleef roerloos zitten. En je kunt niet zeggen dat hij totaal ongevoelig was voor sensaties:nee, hij, onder invloed van het begin van de ochtendkou, instinctief zijn ellebogen dichter tegen zijn lichaam gedrukt, en alleen, echter, zijn lippen leken uit te drogen, aan elkaar geplakt na een lange stilte, en alleen zijn ogen verraden het innerlijke werk, hoewel ze niets zagen… ".
De auteur richt zich tot zijn tijdgenoten, in dit werk grote en eeuwige universele menselijke problemen doen ontstaan, hen de moeilijke vraag stellend om een levenspad te kiezen. In die tijd waren er in Rusland veel mensen die bereid waren zichzelf op te offeren voor de waarheid, goedheid en gerechtigheid. Jonge revolutionairen, die al snel helden werd van vele werken van democratische literatuur en schilderkunst, bereidden zich voor op “naar het volk gaan”. Het nauwe verband tussen de schilderijen van Kramskoy en het leven was duidelijk, maar de kunstenaar wilde een werkprogramma maken:“En dus, dit is niet Christus, dat is, Ik weet niet wie het is. Dit is een uiting van mijn persoonlijke gedachten. Welk moment? Overgang. Wat volgt hierop? Wordt vervolgd in het volgende boek. " Het eigenlijke "volgende boek" zou het canvas "Lachen" zijn ("Verheug je, koning van de Joden!”, 1877-1882).
in 1872, Kramskoy schreef aan F. A. Vasiliev:"We moeten ook "Christus" schrijven, dat moeten we zeker, dat is, hij eigenlijk niet, maar die menigte die uit volle borst lacht, met al de krachten van hun enorme dierlijke longen... Dit gelach word ik nu al zoveel jaren achtervolgd. Het is niet zo moeilijk dat het moeilijk is, maar het is moeilijk dat ze lachen. Christus voor de menigte, belachelijk gemaakt, bespuugd, maar "hij is kalm als een standbeeld, bleek als een canvas." "Terwijl we niet serieus over goedheid praten, eerlijkheid, we zijn allemaal in harmonie, probeer christelijke ideeën serieus in het leven te implementeren, zie hoe er gelachen wordt. Deze lach achtervolgt me overal, Waar ik ook ga, overal hoor ik hem. ”
"Het serieus nastreven van christelijke ideeën" betekende voor de kunstenaar helemaal niet de dogma's van de officiële orthodoxie te bevestigen, het was een verlangen om echte moraliteit te bepleiten, de mensheid. Het hoofdpersonage van "Lachen" was de personificatie van niet alleen de ideeën van Kramskoy zelf, het vatte de gedachten samen van vele eerlijk denkende vertegenwoordigers van die tijd, WHO, een directe ontmoeting met grofheid, alles vernietigend cynisme, hebzucht, duidelijk aangetoond dat abstract goed eenvoudigweg het echte echte kwaad niet kon verslaan.
Songtekst
In het leven van Kramskoy, midden in zijn leven, er was een zeker drama dat verband hield met het drama dat Ivanov meemaakte aan het einde van zijn reis. De kunstenaar begon te denken dat de creatieve mislukking die hem was overkomen (het werk "Lachen" werd nooit voltooid) een gevolg was van de onjuistheid van zijn gekozen ideologische positie als geheel. Deze twijfels werden veroorzaakt door het utopische maximalisme dat kenmerkend is voor veel van de beste vertegenwoordigers van de Russische intelligentsia. De kunstenaar slaagde erin de moeilijke taak op te lossen, die hij tevergeefs probeerde in de vorm van een cyclus van werken over Christus, in zijn prachtige portretten van de jaren 70-80, belichaamd in zijn grote galerij met afbeeldingen van geavanceerde Russische schrijvers, wetenschappers, artiesten en toneelfiguren persoonlijkheden met een hoge morele uitstraling.
In dezelfde jaren 70 Kramskoy schrijft eerder een aantal lyrische werken die hem niet eigen waren, een levendig voorbeeld hiervan is het schilderij "Inspectie van het oude huis" (1873), die vertelt over het verlaten en instortende "nobele nest", waarnaar de eigenaar terugkeerde, na vele jaren afwezigheid. “De oude volbloed heer, een vrijgezel, ” komt eindelijk “naar zijn familielandgoed na een lange, heel lang en vindt het landgoed in puin:het plafond stortte op één plek in, overal is spinnenweb en schimmel, aan de muren hangen een aantal portretten van voorouders. Twee vrouwelijke persoonlijkheden leiden hem onder zijn armen... Achter hen - de koper - een dikke koopman... ".
We zien een oudere man langzaam bewegen langs de enfilade van kamers van een verlaten familielandgoed. Dus ging hij de woonkamer binnen, behangen met portretten van zijn voorouders die van tijd tot tijd verduisterd werden, zag antieke meubels in grijze canvas hoezen, het lijkt erop dat zelfs de lucht in dit oude huis is geschilderd in rokerige stoftinten, de tijd heeft hier stilgestaan, en het timide licht van de ramen kan deze waas van het verleden niet verdrijven.
Zoals N.A. vermeldde in zijn brieven Mudrogel - een van de oudste medewerkers van de Tretjakovgalerij, hoogstwaarschijnlijk "op de foto" Inspectie van het oude huis "Kramskoy portretteerde zichzelf." Het bewijs van een tijdgenoot is ongetwijfeld van belang, Hoewel, zelfs als dit waar is, de kunstenaar probeerde niet alleen deze trieste lyrische situatie. Kramskoy investeerde in zijn imago en creëerde een brede poëtische en diepe sociale betekenis.
Zoals u weet, het beeld bleef onvoltooid. Misschien Kramskoy, als een actieve, actief, puur "publieke" persoon, liet zich gewoon niet ontspannen, ga naar het lyrische kanaal, het overwinnen van deze zwakte in zichzelf, om te werken aan werken van een geheel andere maatschappelijke betekenis, belangrijker, naar zijn mening, in een moeilijke sociaal-artistieke situatie in Rusland in de jaren 1870. "In essentie, Ik heb nooit van portretten gehouden, en als ik het redelijk deed, het was alleen omdat ik van de menselijke fysionomie hield en hield... Ik werd noodgedwongen portretschilder, ' schreef Ivan Nikolajevitsj. Het is duidelijk, echter, dat alleen "noodzaak" hem niet tot een uitstekende meester van portretkunst had kunnen maken.
Portret van Tolstoj
De noodzaak om dat te bewijzen, volgens de ideeën van Tsjernysjevski, “de menselijke persoon is de hoogste schoonheid ter wereld, toegankelijk voor onze zintuigen, ” wekte in Kramskoy een grote interesse op in “menselijke fysionomie”. Dankzij de interesse van de kunstenaar om de menselijke ziel te weerspiegelen, portretten gemaakt door de meester in dit tijdperk waren een onschatbare bijdrage aan de Russische beeldende kunst van de jaren 1860 en 80.
“De portretten die je nu hebt, IE Repin schreef hem in 1881, “ vertegenwoordigen de gezichten van de dierbare natie, zijn beste zonen, die positieve voordelen brachten aan hun onbaatzuchtige activiteiten, voor het welzijn en de welvaart van hun geboorteland, who believed in its better future and fighting for this idea… ”Ivan Nikolaevich Kramskoy became one of the founders of the gallery of portraits, thanks to which we can now see the faces of people who played a huge role in the history and art of Russia. Among the first of them was Leo Tolstoy, whose first portraits were painted by Kramskoy.
To get a portrait of the great Russian writer in the collection was Tretyakov’s cherished dream, but so far no one has managed to persuade Lev Nikolaevich to pose. Anderzijds, there was Kramskoy, who tried to persuade the collector to help the young talented artist F.A. Vasiliev, who was dying in the Crimea from consumption. Als resultaat, in 1873 Kramskoy, in order to pay Tretyakov’s debt for Vasiliev, persuaded Tolstoy to pose for him for two portraits:one was intended for a collector, the second for the writer’s house in Yasnaya Polyana.
Ivan Nikolaevich worked on both canvases in parallel, while trying to avoid absolute identity. Als resultaat, the writer’s family chose a portrait with a more intimate interpretation of Lev Nikolaevich, in which he is immersed in himself. Tretyakov got a portrait in which the writer, als het ware, addresses the viewer. So the artist managed to simultaneously create two fundamentally different artistic images.
Both portraits have a number of common features. Ten eerste, a neutral background, due to which the location of the figure in space ceases to play any role. Ten tweede, the hands of the model are written out only in general terms. Ten derde, the artist deliberately avoided expressive picturesqueness in color. Such restraint of the plastic decision made it possible to transfer all attention to the face of the forty-five-year-old Tolstoy - open, eenvoudig, framed by a broad beard and a manly cut hair.
The main thing in the created portraits is the eyes of the writer, expressing the intense work of the thoughts of an intelligent and educated person. From the picture of Kramskoy, Tolstoy looks at us “adamantly and sternly, even coldly… not allowing himself to forget at least for a moment about his task of observation and analysis. He becomes a scientist, and his subject is the human soul, ”the prominent Soviet art critic D.V. Sarabyanov described his impression. It was the comprehension of Tolstoy’s powerful intellect that became the main goal and, natuurlijk, represented the main difficulty that the artist encountered in this work.
Portraits of the great
Kramskoy painted many portraits commissioned by Tretyakov, paying tribute to this outstanding person. So in 1871, the artist writes from photographs a portrait of the great Ukrainian poet Taras Shevchenko. And in the winter of 1876, Ivan Nikolaevich became especially close to the family of the collector, working on portraits of Tretyakov’s wife Vera Nikolaevna, and Pavel Mikhailovich himself, in whom he always saw not a merchant, but an intellectual and a true patriot of Russian national culture, who firmly believed that “the Russian school of painting not the last will be. " In a small portrait of 1876, characterized by a certain "chamber" of artistic decision, Kramskoy tried to express the social significance of the person portrayed.
By order of Tretyakov, the artist created two images of the great Russian poet-democrat N.A. Nekrasov (1877-1878), the first of them is a portrait of Nikolai Alekseevich, the second is the painting "Nekrasov in the period of" Last Songs ". Work on these works was complicated by a serious illness of the poet. The artist managed to write it sometimes only ten to fifteen minutes a day, but by March 30, 1877, the portrait of N. A. Nekrasov was completed.
But the greatest value is not he, but the painting "Nekrasov in the period of" The Last Songs ", in which the selection of household details helped to create an accurate image of the poet. A pale, dressed in all white, seriously ill Nekrasov sits on the bed, completely lost in thoughts. And the photographs of N. A. Dobrolyubov and I. S. Turgenev, hung on the walls of his office, as well as a bust of V. G. Belinsky, an ideological mentor and great friend Nekrasov, convey the atmosphere of a rich, intense creative life, making you feel like a great poet immortal.
It is interesting that if you look closely at the surface of the canvas of the picture, it is easy to notice that several seams cross it. The image of the poet’s head is made on a separate fragment, the initial position of which is not difficult to establish. Blijkbaar, at first the master portrayed the terminally ill poet as lying down, then rebuilding the composition, for greater expressiveness. Nekrasov appreciated Kramskoy’s talent by presenting him with a copy of his book “Last Songs”, on the title page of which he wrote:“Kramskoy as a keepsake. N. Nekrasov April 3 ".
Kramsky’s work on the images of the outstanding satirist writer M.E. Saltykov-Shchedrin turned out to be even more complex, stretching for several years. One of the two portraits created by the artist was also intended for the Tretyakov collection and was created from 1877 to 1879, undergoing endless alterations. Having completed the picture, Kramskoy writes to Tretyakov that this portrait “came out really very similar”, speaking of his artistic features, the master emphasizes:“The painting… came out Murugha, and imagine - with intent.”
As in the portrait of Tolstoy, the coloring of the work is very deaf, gloomy. Dus, the artist puts in the spotlight Shchedrin’s face, his high forehead, the mournfully lowered corners of his lips, en, most importantly, the demanding questioning look inherent only to him. An important role in creating the image of a satirical writer is played by hands - closed, with thin interlocked fingers, they are emphasized aristocratic, but not at all gentle.
The unifying idea for the portraits of Leo Tolstoy, N.A. Nekrasov, M.E. Saltykov-Shchedrin, P.M. Tretyakova, became the idea of high citizenship. In hen, Kramskoy saw the spiritual leaders of the nation, advanced people of their time. This left an imprint on the manner of portraying the portrayed. The artist deliberately “narrowed down” the boundaries of their personality in order to emphasize their social significance. Nothing, according to Kramskoy, should have distracted the viewer from the main thing - the spiritual component of the heroes of his portraits, and therefore the color of the paintings is so deaf.
When the artist painted portraits of writers, artiesten, in his opinion, who did not accumulate the “spiritual charge” of the era so powerfully, he made the pictorial-plastic solution of the work more free, uninhibited, which made the images of people depicted by him lively and direct. To works of this kind can be attributed a portrait of Ivan Ivanovich Shishkin performed by the painter in 1873. This work, like the canvas "Nekrasov in the period of" The Last Songs ", belongs to the category of portraits, schilderijen, as it combines two principles at once - portrait and landscape.
The image of nature created in this work is not just a natural background for the image of the master of the landscape, but the element in which he lived and worked. The lyrical and at the same time majestic landscape (a clear blue sky with light clouds floating on it, the mysterious silhouette of a forest and tall grass at Shishkin’s feet), not only recreates the appearance of a particular area, but represents a generalized expression of Russian nature, as it was depicted in the 70s years, including I. I. Shishkin himself.
The artist sought to emphasize his indissoluble unity with the outside world. The slender but powerful figure of a landscape painter, his strong-willed open face, outward simplicity and at the same time the undeniable greatness of his appearance, the way he peers calmly and in a businesslike way to endless distances, all this accurately conveys Kramsky’s view of Shishkin as a “man-school” ", " Milestone in the development of the Russian landscape. "
Later, in 1880, Kramskoy will write another portrait of the great singer of Russian nature. In het, the artist will again be amazed at his physical strength, noting that with age, Shishkin’s personality became richer and more complex.
Extraordinary portraiture gift
Among the many portraits of Russian writers and artists painted in the 70s, most of which Kramskoy painted for P.M. Tretyakov, were I.A. Goncharova, I.E. Repin, I.P. Polonsky, P.I. Melnikov-Pechersky, M.M. Antokolsky, S.T. Aksakova, F.A. Vasiliev, M.K. Klodt and many others.
Two portraits can be especially distinguished - the writer Dmitry Vasilievich Grigorovich (1876) and the painter Alexander Dmitrievich Litovchenko (1878).
Creating a portrait of the author of the then popular Anton-Goremyk novel, the master vigilantly noticed Grigorovich’s usual bariness of posture and a kind of indulgence and complacency in his eyes, characteristic of a person who was not used to delving into the complexity of life around him. A stressed theatrical gesture of a hand with a gold-framed pince-nez between his thin fingers. “This is not a portrait, but just a scene, drama!.. So Grigorovich is sitting in front of you with all his lies, French feuilletonism, boasting and laughter, ” V.V. Stasov enthusiastically wrote to Kramskoy. Although the artist himself, after a few years wrote a letter to the famous publisher A.S. Suvorin, tried to deflect the accusation of obvious tendentiousness, asserting that he did not want to “do anything funny, except for a completely natural passion for the visible characteristic form, without underlining.”As far as this is true, we probably will never know, but one thing is clear:today we are attracted to the portrait of D. V. Grigorovich precisely by the artist’s fascination with the “visible characteristic form”, which was the key to creating a surprisingly vivid and vibrant human image.
This is even more pronounced in a large-format portrait of A. D. Litovchenko. Dressed in a dense dark brown coat, the artist is depicted on a light gray-greenish background. A little “eroding” the moving contour outlining the figure, Kramskoy emphasized the natural ease of his model. The position of Litovchenko is unusually expressive, the right hand of which is laid with his free movement behind his back, and the left hand gracefully holds a cigar with a usual gesture. Fingers are not drawn, only outlined by several precise, dynamic strokes. It was no coincidence that Kramskoy “smeared” the edge of the sleeve framing this arm and made it deliberately fuzzy. So he convincingly conveyed the natural instantness of the gesture, exactly corresponding to the lively, changeable expression of the face of the hero of the portrait, framed by a lush beard. One can only guess about the lip pattern, but black as embers, the eyes of the person portrayed look so piercingly sharp, in the best way expressing all the immediacy of his nature, that the whole image of Litovchenko is perceived "as alive." The artist uses stingy, but extremely expressive details with amazing accuracy:the cap of the conical shape perfectly completes the silhouette of the artist’s figure as a whole, as well as the light yellow gloves that casually peek out from the pocket of Litovchenko’s coat and complete his image.Litovchenko’s coat carelessly peeking out of his pocket completes his look.Litovchenko’s coat carelessly peeking out of his pocket completes his look.
The portrait of A. D. Litovchenko is without a doubt one of Kramskoi’s greatest creative successes. His image turned out to be so lively and brightly individual thanks to the high pictorial merits of this picture, “by fire, passion and vitality of quick execution, similar to impromptu” (V. Stasov).
Ivan Nikolaevich no longer “draws” with a brush, as it was in many of his paintings, how many he writes, widely, temperamentously, lining up a plastic form with color, anticipating the best portrait canvases by I.E. Repin. Struck by his powerful expression, M.P. Mussorgsky would respond so much about his work:“Going to the portrait of Litovchenko, I rebounded…” he wrote to V.V. Stasov. - What a miracle Kramskoy! This is not a canvas - it is life, kunst, stroom, sought in creativity! ”
We can see what the artist himself had become by this time, thanks to his 1874 Self-Portrait. A small format picture was clearly written "for myself." Saturated dark red background contributes to the creation of an atmosphere of emphasized concentration in the portrait. Kramskoy, peering into his own face, shows how over the years his composure and perseverance, developed by a difficult life and constant work, have increased. His gaze became much deeper and sadder than in the self-portrait of 1867, in which the master seemed to publicly declare his position as a wrestling artist. Nutsvoorzieningen, without retreating a single step from the chosen path, he confesses to himself how enormous spiritual strength this endurance and courage require.
“Until now, only portraits of men have been successful for Mr. Kramskoy, ” wrote one of the seventh mobile observers, “but the current exhibition has shown that a woman’s portrait, which is incomparably more difficult, is equally accessible to him.”
A true remark, especially considering that before Kramskoy such a democratic kind of female portrait, the merit of the development of which belongs entirely to him, did not exist in Russian painting.
The image of the Russian people
Kramskoy often wrote that, living in St. Petersburg, he felt the brunt of the oppressive public atmosphere, he even said that the "Petersburg climate", which he had always tried to resist, "kills Russian art and artists." In this sensation, he had many like-minded people. Let us recall A. Pushkin, who said that the “North is harmful” to him, K. P. Bryullov, WHO, returning from Italy, bathed in the glory of glory, but wrote that he was “moping, ” because he was “afraid of the climate and bondage.”
“He pulls me out of Petersburg, ” Kramskoy wrote, “it makes me sick!” Where is pulling, why sick?.. Where is peace? Ja, and that would be nothing if rich and unimaginably huge material did not lie outside the cities, there, in the depths of marshes, forests and impassable roads. What kind of faces, what kind of figures! Ja, the waters of Baden-Baden help the other, Paris and France to the other, and the third… suma, yes freedom! ” Responding vividly to the emerging “going to the people”, the artist wrote that “sitting in the center… you begin to lose the nerve of a wide free life; too far outskirts, and the people are something that can give! Oh my god, what a huge spring! Have only ears to hear, and eyes to see… It pulls me out, that’s how it pulls! ” It was among the people of Kramskoy who saw the main force of life, discovering in it a new source of creative inspiration.
The images of peasants in the works of I. N. Kramskoy are very diverse. This is the "Contemplator" (1876, Kiev Museum of Russian Art), a philosopher, a seeker of eternal truth, and a beekeeper living a life unified with nature ("Pasechnik", 1872), and "Little Man with a Hook" (1872, Tallinn Art Museum) - lived a long, joyless century, a clogged old peasant. There are other images, such as the hero of the painting “Village Warden” (“Miller”, 1873), or the mighty, stern man on the canvas of 1874 “The Head of the Peasant” (Penza Art Gallery of K. A. Savitsky).
But the most significant work on a folk theme was the picture of 1874 "Woodland". Regarding her, Kramskoy writes to P. M. Tretyakov:“… my sketch in a shot hat, according to the plan, should depict one of those types (they are in the Russian people) that understand much of the social and political system of folk life with their mind, and who deeply settled discontent bordering on hatred. Of these people, in difficult times Stenka Razina and Pugacheva gain their gangs, and in ordinary times - they act alone, where and how they will, but never put up. The type is unsympathetic, I know, but I also know that there are many, I saw them. ”
In de late periode van creativiteit, the artist also turned to the peasant theme. in 1882, a "study of a Russian peasant" was created - a portrait of Mina Moiseyev. In 1883, the painting “The Peasant with a Bridle” (Kiev Museum of Russian Art). In these two works, the master created two diametrically opposite images, written, echter, from the same model.
Late period of creativity
Despite the political defeat of democratic thought in Russia in the 70-80s of the 19th century, which was literally crushed by the regime, Russian democratic art was experiencing an unprecedented high rise. Significant changes were taking place in the life of the Partnership of Traveling Art Exhibitions; the work of such titans of Russian fine art as I. E. Repin and V. I. Surikov came to the fore. Ivan Nikolaevich Kramskoy continued to work hard and hard. Despite the high authority that the artist had among his contemporaries, it became increasingly difficult for him to work. Evidence of this is the unfinished picture "Laughter" for many years, the very idea of which no longer corresponded to the needs of the community. Als resultaat, Kramskoy had only portraits left.
Gedurende deze periode, de artiest, with his inherent skill and psychologism, paints portraits of I. I. Shishkin, the outstanding figure in Russian medicine S. P. Botkin and artist V. V. Samoilov. Bovendien, Kramskoy not only looked worthy next to younger portrait painters, such as I. E. Repin and N. A. Yaroshenko, but continued to play the role of a “teacher” for them. And their paintings, beurtelings, carried a reflection of Kramskoy’s art.
Hoe dan ook, the artist understood that he needed to grow somewhere, to look for new ways for his work. He is trying his hand at a ceremonial portrait, looking for new lighting and color solutions, panting at the same time, under the weight of constant orders. Hurrying to provide families as best as possible and realizing that his strength was running out, Kramskoy darted between time-consuming creative searches and fast work, which sometimes did not lead to the best result. The artist, who was highly respected and even honored, was hard on these failures.
The requirements that life itself presented to art changed, daarom, and the art system had to change. In 1883, a young artist K. A. Korovin, a student of A. K. Savrasov and V. D. Polenov, wrote a sketch “Chorus Girl” at the Moscow School of Music and Arts, taking for him an unusual motif and very bold painting techniques. Even Polenov, familiar with the work of the French impressionists, was struck by this bold experiment of the artist, deciding that he was far ahead of his time. Echter, soon a close friend of Korovin, V. A. Serov will write his “Girl with Peaches” (1887), turning the portrait of twelve-year-old Vera - the daughter of the famous Moscow industrialist S. I. Mamontov, into a radiant image of youth.
In an effort to capture the essence of new trends, Kramskoy writes his “Unknown” (1883) - one of his most mysterious paintings. Here is how the art historian N. G. Mashkovtsev describes the painting:“A young woman is depicted in a stroller against the background of the Anichkov Palace, painted in rusty red. This color is softened by winter fog, as well as the contours of architecture. With a greater clarity, the female figure comes to the fore. She is dressed with all the luxury of fashion. She sat back in the crew, upholstered in dark yellow leather. In her face is the pride of a woman conscious of her charm. In no portrait did Kramskoy pay so much attention to accessories - velvet, silk, fur. The dark glove, tightly covering the hand, like a second skin, thin and translucent, through which a living body is felt, is written with some special warmth. Who is she, this captivating woman, it remains unknown. ”
Many believe that Kramskoy portrayed Anna Karenina as a symbol of the new position of a woman in society, such as it should become. This version has both supporters and opponents, but it would be more correct to assume that the artist I.N. Kramskoy, and the writer L.G. Tolstoy, creating their female images, invested in them something more than a portrait of a specific woman, namelijk, their idea of the ideal of a modern woman. Like Tolstoy, Kramskoy, defending the human dignity of a woman, he set himself the task of trying to realize his idea of the moral and aesthetic category of beauty through the visible, “objective”, attractiveness of the model.
In 1884, the artist completed his painting "Inconsolable grief", conceived back in the late 70s. The plot of the canvas is inspired by the personal grief of the master - the death at an early age of his two younger sons. Through this work, which has an unusual number of sketches and sketches (showing how important it was for Kramskoy) for the artist, he transferred his own grief and grief to his wife, Sophia Nikolaevna. Investing in the picture a lot of personal, deeply hidden, the painter at the same time sought to maximize and deepen its content. Precisely and sparingly selected elements bring us into the atmosphere of the house, into which great grief came, transmitted, echter, very restrained, without melodramatic excesses, only the reddish glow of the funeral candles flickering behind the curtains suggests its cause.
The compositional and semantic center of the canvas is the image of a woman full of drama. Her strained straight figure, the mournful gaze of those who do not see eyes, the scarf brought to her lips, testifying to the barely restrained sobs, reveal the whole depth of her suffering. Such a psychological expressiveness of the image did not easily go to the artist. “I sincerely sympathized with maternal grief, ” Kramskoy wrote to P. M. Tretyakov. “I was looking for a long clean form and finally settled on this form…” It was the strict form, achieved without unnecessary theatricality, that allowed him to create the image of a strong-willed person, and the monumental structure of the canvas helped convey feelings and emotions, like a personality drama that the master is trying to raise to the level of a large social phenomenon.
It should be noted that in contrast to the portraits of the 70s, in which the feelings of the heroes of Kramskoy were more likely marked by the seal of high citizenship, the characters of later works live in a much more closed world of personal experiences.
Kramsky’s letters to his friends tell us how difficult the last period of his life was for him. In 1883 he writes P.M. To Tretyakov:“… I confess that circumstances are beyond my character and will. I am broken by life and have far from done what I wanted and what I should have… ". At the same time, a letter was written to the artist P. O. Kovalevsky:“I have been working in darkness for a long time. Near me there is already nobody who, like a voice of conscience or the trumpet of the archangel, would notify a person:“Where is he going? Is it a real road or lost? ” There is nothing more to expect from me; I myself have already stopped waiting for myself. ”
Echter, the master worked until his last day. For five hours a day, he conducted portrait sessions, constantly crying out in pain, but almost noticing this, he was so carried away by his creative process. So it was on the last day of the painter. Feeling a surge of vigor in the morning, he painted a portrait of Dr. Rauchfus. Suddenly, his gaze stopped and he fell right on his palette. It was March 24, 1887.
“I don’t remember the more cordial and touching the funeral!.. Peace be upon you, a mighty Russian man who has gotten out of the insignificance and dirt of the backwoods, ” wrote I. E. Repin subsequently about the wires to the last journey of his old friend.
In the same 1887, a large posthumous exhibition of the works of the great Russian master was organized, accompanied by the publication of a detailed illustrated catalog. Een jaar later, a book was published dedicated to the life and work of Ivan Nikolaevich Kramskoy.
