Claude Monet (1840-1926)
Op 14 november, 1840 in Parijs, een zoon genaamd Oscar Claude Monet werd geboren in de familie van de eigenaar van de supermarkt. Slechts vijf jaar later, de hele familie van de toekomstige kunstenaar verhuisde naar Normandië, naar Le Havre. Vanaf 14 jaar, Monet begon geld en roem te verdienen door tekenfilms te tekenen.
Schilderijen van Claude Monet
Hier, in Le Havre, een jonge man ontmoette een landschapsschilder en de originele Eugene Boudin, die voor die tijd op een heel vreemde manier werkte – hij maakte zijn schilderijen niet in het atelier, maar direct in de open lucht.
Monet realiseerde zich snel de voordelen van de Boudin-methode:de directheid en levendigheid van de overdracht van de natuur op canvas. Vanaf dat moment, dat is, sinds ongeveer 1856, de kunstenaar begon ook in de open lucht te schrijven. Zelfs dan, Claude Monet besloot voor zichzelf dat hij zijn leven aan het schilderen zou wijden, ondanks het feit dat zijn vader er zijn eigen mening over had.
Nadat hij zijn missie had besloten, Monet verhuisde naar Parijs, waar hij in 1859 naar de Suisse Academy ging. Daar ontmoet hij de realist Gustave Courbet, de grote romanticus Eugene Delacroix en de impressionist Camille Pissarro. Waar, na slechts een jaar opleiding, de kunstenaar werd voor militaire dienst naar Algerije gestuurd, maar hij keerde om gezondheidsredenen eerder dan gepland terug naar Le Havre, en van daaruit verhuisde hij onmiddellijk terug naar Parijs.
Creatieve experimenten en passie voor lichteffecten
Noodlottig voor Monet was de intrede in het atelier van de toen beroemde schilder Charles Gdeir, in 1862. Daar ontmoette hij zijn toekomstige vrienden – Auguste Renoir, Alfred Sisley en Frederic Bazil, met wie hij de impressionistische beweging zou initiëren. Het zoeken naar nieuwe wegen in de kunst is het doel en het belangrijkste vermaak van het hele bedrijf geworden.
Drie jaar later, Monet schreef het schilderij "Ontbijt op het gras", de inspiratie daarvoor was het schandalige werk van Edouard Manet onder dezelfde naam. Echter, Monet ging het publiek niet choqueren met het beeld van echte naakte personages, zoals Manet deed. De jonge kunstenaar was gewoon op zoek naar zijn stijl. Reeds op dit moment, hij begon de lijn te verwaarlozen en modelleerde alle vormen met behulp van kleurvlekken. De schilder, nog steeds in Normandië verslaafd aan schrijven in de natuur, was het meest geïnteresseerd in de effecten van natuurlijk licht. Het werk aan de bosrand gaf de jonge kunstenaar de kans om te observeren hoe de zonnestralen door het gebladerte gaan en op verschillende oppervlakken vallen, waarvan de kleur onmiddellijk verandert, dankzij deze reflecties en schittering van het gebladerte.
Monet gebruikte zijn geliefde Camille Donsier als model voor vrouwelijke personages op het werk, en de mannelijke personages op de foto zijn geschreven door Frederic Bazil. Dit bedrijf, die klaar staat voor het ontbijt in de schoot van de natuur, is alleen bezig met zijn gesprek en heeft geen contact met de kijker. De kunstenaar verschijnt hier, als een onopgemerkte waarnemer, heren en dames poseren niet voor hem. We kunnen alleen de plooien van damesjurken bewonderen, hun rug naar ons toegekeerd. Het gezicht van een zittende jonge man in de rechter benedenhoek van de foto is ook van de kijker afgewend. Monet volgt zijn eigen wetten, hij structureert de compositie niet duidelijk, als een theatrale mise-en-scène. De traditie breken dat het beeld op de voorgrond van een personage met zijn rug naar de kijker gewoon onmogelijk was, de kunstenaar creëert zijn eigen relaxte esthetiek, vrij van vooroordelen. Helaas, de foto is niet in zijn geheel bewaard gebleven, maar zijn schetsen wekten grote belangstelling van vele jonge kunstenaars. In het Moskouse Museum van de naam A.S. Pushkin is een van de opties voor werk, gemaakt in 1886.
Een ander voorbeeld van het afwijken van de klassieke schilderkunst is het schilderij “Dames in de tuin” (1866, Musée d'Orsay, Parijs), waarvan de indeling, met het knippen van damesjurken, zou me niet op een academische manier laten schilderen. En Monet was niet bang om de afbeelding vrijelijk bij te snijden, de indruk van fragmentatie wekken, vergelijkbaar met het effect van een foto.
Op het doek zien we een typisch genretafereel, waarvan het semantische centrum naar de linkerrand is verschoven. Het afwijken van de traditie komt hier tot uitdrukking in het feit dat dames die in de schaduw van bomen rusten een integraal onderdeel worden van het bloeiende landschap, als versiering dienen, als mooie bloemen. Vrouwenfiguren lijken te versmelten met het landschap, hun jurken passen zich aan de achtergrond van de schaduwen van boomstammen aan.
De schilder is niet zozeer geïnteresseerd in het overbrengen van de individualiteit van jonge vrouwen, hun outfits of activiteiten, maar in het overbrengen van het spel van licht en harmonie in de relatie tussen natuur en mens. Je kunt beoordelen hoe onbeduidend voor de kunstenaar de dames zelf waren door het voor de hand liggende feit dat alle vier de jonge dames van hetzelfde model waren geschreven - Camilla zelf. De kunstenaar probeerde dit te verhullen door ons het gezicht te laten zien van slechts één dame die op het gras zat. De figuur links is in profiel weergegeven, de dame naast haar bedekt haar gezicht met een boeket, en de vierde heldin, die reikt naar de bloeiende struiken, volledig van de kijker is afgewend.
In hetzelfde jaar, een van de beroemdste schilderijen van Claude Monet uit de jaren 1860 werd geschilderd - "Een vrouw in een groene jurk" (1866, Kunsthayle, Bremen, Duitsland). Op het doek, we zien weer Camilla Donsier. De schilder werkt op een realistische manier, hij gebruikt een donkere achtergrond, waarop het gezicht van een jong meisje, badend in de zon, springt er helder uit.
Het scherpe contrast van de verlichte en gearceerde gebieden lijkt op het clair-obscur van Caravaggio. Het lyrische beeld en tegelijkertijd zeer intiem, het is niet bedoeld voor algemeen kijken:de meester ontvouwt Camilla met zijn rug bijna naar de waarnemer, het model zelf zoekt niet naar spectaculaire poses, waardoor we alleen de gelegenheid hebben om de zoom van haar jurk en de bontjas die eroverheen is gegooid te onderzoeken. Het werk werd positief ontvangen door zowel critici als toeschouwers, die de jonge Monet bekendheid bracht.
Een jaar later, Monet schilderde een foto met een zeer vergelijkbaar thema. Men krijgt de indruk dat een vrouw in een licht wit gewaad op het schilderij “Lady in the Garden” (1867, het Staatsmuseum de Hermitage, St. Petersburg) heeft de kunstenaar alleen nodig als voorwendsel om de bezieling van de natuur te materialiseren om haar een bewoonbare staat te geven. De dame keerde weer bijna haar rug naar de kijker, en de kunstenaar is alleen geïnteresseerd in de schoonheid van het middaglandschap met zijn felle kleuren en lange schaduwen.
Het centrum van de compositie is een rond bloembed met rode bloemen, waarop een boom staat. De afgebeelde vrouw, WHO, in theorie, is het semantische centrum van het werk, wordt naast de uiterste rand van de afbeelding geplaatst. De dame dient als het meest linkse punt van waaruit de compositorische diagonaal van het werk begint, verder ondersteund door een boom in het bloembed en een andere boom rechts afgebeeld. Het ritme van de compositie wordt bepaald door de verticalen van de vrouwelijke figuur en beide bomen, evenals de smalle schaduwen die ze werpen op het groen van het gras.
in 1867, Camille Donsier, bevallen van de zoon van de kunstenaar, Jean, en even later werd hij zijn vrouw. In hetzelfde jaar, het schilderij “Jean Monet in de wieg” (privécollectie) werd geschilderd. Hier, in tegenstelling tot veel schilderijen van de auteur, het midden van de compositie is duidelijk gemarkeerd; het is een versierde wieg met een baldakijn dat boven het hoofdeinde van het bed hangt. We zien een moeder bij de wieg - hierdoor lijkt de foto op genretaferelen die populair zijn in de Nederlandse schilderkunst. Echter, Camilla's rechterschouder en -rug zijn afgesneden door de rand van de foto, wat de betekenis aangeeft van een ander karakter van het werk - een zoon bedekt met een deken.
Het genre van het stilleven was niet de favoriet van Monet, maar, hoe dan ook, hij sprak hem af en toe aan. Het schilderij "Stilleven met fruit en druiven" (1867, privécollectie) onderscheidt zich door een vlottere schrijfstijl dan landschapswerken van de meester. Een doffe donkere achtergrond is vrij zeldzaam op de doeken van Monet, maar erop, rijp, zelfs licht overrijpe vruchten zien er bijzonder levendig en geloofwaardig uit. In dit werk, de artiest, zoals gewoonlijk, is het meest geïnteresseerd in de natuur en de effecten van licht.
Maar de bloemen, de kunstenaar die hartstochtelijk van hen hield, schilderde het liefst in de natuur. Beeldsnijbloemen waren een zeldzame uitzondering, een voorbeeld hiervan is het schilderij "Flowers and Fruits" (1869, Paul Getty-museum, Los Angeles, Californië). Hier, de master gebruikte aanvankelijk een donkere achtergrond, maar heeft het toen opgegeven. Een stilleven hebben gebouwd, Monet snijdt gemakkelijk een goede helft van een rieten mand, fruit op tafel en zonnebloembloemblaadjes, die ook in strijd is met alle canons van de academische schilderkunst, wiens roeping altijd werd beschouwd als het beeld van het object van zijn beste kant.
Aan het begin van zijn carrière, Claude Monet leed zwaar onder financiële moeilijkheden, die hem bijna tot zelfmoord bracht. In de jaren 1860, de slechte financiële situatie van de kunstenaar dwong hem om constant van de ene plaats naar de andere te verhuizen. Vanaf 1869, Monet vestigde zich in de Parijse voorstad Bougival. Auguste Renoir kwam hier vaak naar hem toe, samen werkten ze veel in de natuur, het vastleggen van dezelfde standpunten en het ontwikkelen van hun eigen schildertechniek.
Vrienden tuurden in het gezicht van de natuur, merkten zelfs kleine veranderingen in verlichting en luchtbeweging op die hen het meest interesseerden. Het verlangen om de ogenblikkelijke toestanden van een steeds veranderende aard te vangen, leven volgens zijn eigen wetten, verenigde jonge kunstenaars. Ze keken aandachtig hoe dezelfde landschappen werden getransformeerd, afhankelijk van het tijdstip van de dag, atmosferische omstandigheden en de aard van de verlichting:schaduwen worden langer en dikker, schittering van de zon speelt op bladeren en water, en rimpelingen vormen zich op het stille oppervlak van de rivier.
in 1869, kunstenaars schilderden hun beroemde gelijknamige schilderijen met uitzicht op het café aan de Seine bij Bougival en het zwembad ernaast. De schilderijen werden "The Frog" genoemd (Metropolitan Museum of Art, New York). In zijn versie van het werk Monet werkte een individuele schrijftechniek uit, een nieuwe manier om streken toe te passen, wat het mogelijk maakt om de sensaties van wat hij zag snel op het doek over te brengen, die critici als zeer nalatig beschouwden. Inderdaad, vanuit het oogpunt van de salonschilder, het doek wekt de indruk van een onvoltooide, vlot uitgevoerde schets, waarin objecten alleen zijn gemarkeerd, en behoorlijk grof. Er is geen idealisering die kenmerkend is voor academische kunst. Maar Monet vermeed dit volledig bewust. De kunstenaar schreef altijd wat hij op dat moment zag, proberen de bevroren realiteit te 'vangen' die slechts een ogenblik bevroren was, en voor zo'n taak had hij snel materieel nodig.
Zoals de meeste impressionisten, Monet schreef in pure kleur, zonder toevlucht te nemen tot het mengen van kleuren op een palet. Hij vermeed de tinten en middentonen die in de traditionele schilderkunst worden gebruikt. In plaats daarvan, de kunstenaar bracht streken van bepaalde kleuren dicht op het doek aan, en in combinatie, ze gaven verschillende tinten aan de waarneming van het menselijk oog. Het idee van zo'n schilderij was gebaseerd op de ontdekkingen van de Franse natuurkundige Eugene Chevreul op het gebied van optica. Vooral, bleek dat de kleur van objecten geen zeker objectief feit is, maar hangt veeleer af van het licht waarvan de stralen erdoor worden weerkaatst. Dit diende als rechtvaardiging voor de volledige afwijzing door de impressionisten van zwart en hun creatie van "gekleurde" hooglichten en schaduwen op de lichte oppervlakken van hun doeken.
Het schilderij “Terras bij St. Andress” (1867, Metropolitaans kunstmuseum, New York) onderscheidt zich door het ontbreken van een veelbelovende constructie van een gemeenschappelijke ruimte voor Europese kunst. Daarom, het lijkt alsof de zee boven een zonnig terras hangt. Het idee om te proberen het vooruitzicht van Monet op te geven kwam van de traditionele Japanse schilderkunst die populair werd in Europa. Op de voorgrond van de foto is een bloeiend terras, waarop dames en heren zich verstoppen voor de hete zomerzon onder een baldakijn of parasols flaneren of gewoon relaxen, zittend in rieten stoelen.
Heldere bloemen verschijnen herhaaldelijk op de doeken van Monet, worden, uiteindelijk, een zelfstandig motief in zijn latere werk. Op de achtergrond is de zee, talrijke zeilboten waarop de horizon wordt benadrukt. De zeilboot die bij het terras is afgebeeld, dient als een belangrijke gids voor de ogen. Zonder het, de eerste en tweede plattegronden van de foto zouden er te gefragmenteerd uitzien, wat zou leiden tot het uiteenvallen van de compositie in twee onafhankelijke en niet-verwante delen. Duidelijke verticale pilaren, ruzie met de horizontale constructie van de compositie, een beetje buitenlands overkomen. Maar dit is slechts een oppervlakkige indruk, in feite, zij zijn het die al het werk "verzamelen", de aandacht van de kijker op het centrale deel richten.
Met het begin van de Frans-Pruisische oorlog in 1870, Monet ging naar Londen, waar hij datzelfde jaar trouwde met Camille. In Londen, de kunstenaar blijft vrienden en gelijkgestemden ontmoeten en schrijft stedelijke visies met Camille Pissarro.
Stijl persoonlijkheid
Twee jaar later, de kunstenaar maakt zijn beroemde werk "Impression. Zonsopgang” (1872, Marmottan-Monet-museum, Parijs). In het, de schilder heeft niet geprobeerd de werkelijkheid te reproduceren, probeerde niet de natuur te imiteren, maar gaf alleen zijn persoonlijke indruk van de schoonheid ervan.
De figuren van mensen op de foto zijn weer nauwelijks omlijnd, wat ongebruikelijk was voor de kijker, gewend aan de academische schrijfstijl. Maar de coloristische relatie van zuiver stralend water en zonsopgang, die zich manifesteert in heldere reflecties op het oppervlak van de zee, wordt prachtig overgebracht.
De kunstenaar presenteerde dit werk op de eerste impressionistische tentoonstelling, gehouden in 1874. Toen, Monet en zijn kameraden noemden zichzelf nog steeds "Anonymous Society of Artists, Schilders en graveurs." Het schilderij kreeg zeer negatieve recensies van critici en toeschouwers, en de naam (“Impressie”) gaf aanleiding tot een ironische definitie ten tijde van de nieuwe richting van de schilderkunst – het impressionisme. De tentoonstelling verwierf alleen bekendheid vanwege zijn oorverdovende mislukking.
We zullen terugkeren in 1872, toen Monet en zijn gezin naar de stad Argenteuil verhuisden, nabij Parijs. Vrienden kwamen hier weer naar hem toe – Sisley, Eduard Manet en Renoir. De schilderijen van de kunstenaar waren nog steeds niet te koop, maar de erfenis die hij van zijn vader had geërfd, kon het materiële welzijn van zijn gezin enigszins vergroten. Hier, in Argenteuil, Monet zette voor zichzelf een 'drijvende werkplaats' op. Hij reisde in een boot op de Seine, vrijelijk de uitzichten vastleggen die hij leuk vond en doorgaan met het bestuderen van de effecten van verlichting door de reflexen van zonlicht op het water.
in 1873, Monet maakt het schilderij "Veld van klaprozen in Argenteuil" (Museum d'Orsay, Parijs), met een afbeelding van Camille en de kleine Jean Monet die verdrinken in veldgras. De diagonale opbouw van de compositie zorgt voor een gevoel van beweging. Op de voorgrond en op de achtergrond twee paar bestaande uit een moeder en een kind, die zich op de diagonaal bevinden, ondersteund door een nauwelijks waarneembaar pad, alleen onderstreept door een strook klaprozen. Beide paren zijn geschreven vanuit dezelfde modellen. Het werk demonstreert perfect de bekwame compositie van de compositie met behulp van kleur.
In hetzelfde jaar, het schilderij “Kaputsin Boulevard” (1873, Pushkin Staatsmuseum voor Schone Kunsten, Moskou) werd ook geschilderd, waarin de invloed van de fotografiekunst duidelijk voelbaar is. De foto, het overbrengen van een moment uit het leven gevuld met voorbijgangers en bemanningen van de stadsboulevard, lijkt op een momentopname. Mensen daarin spelen slechts een ondergeschikte rol, en de belangrijkste is toegewezen aan de sfeer van de hedendaagse kunstenaar van de stad.
De duidelijke invloed van fotografie is merkbaar in de compositorische constructie van het schilderij "Saint-Denis Street on the National Day" (1878, Kunstmuseum, Rouaan). Het ritme van de compositie wordt bepaald door blauw-wit-rode streken van vele nationale spandoeken, tentoongesteld, zoals bajonetten, van balkons en raamopeningen van huizen. Het werk, als een reportage-opname, het leven van de stad tijdens de vakantie vastgelegd.
Bovendien, de schilder is helemaal niet geïnteresseerd in het vieren van mensen. In tegenstelling tot Delacroix en zijn werk Freedom on the Barricades, Monet portretteerde de groep niet in een spectaculaire setting. De kunstenaar had de stad zelf nodig, zijn gezicht en sfeer heersen op een vakantie. De straten worden alleen bewoond door personeelsfiguren - geschetste donkere silhouetten onderdrukt door stenen muren.
Maar de meest geliefde modellen voor de kunstenaar bleven zijn aanbeden vrouw en zoontje. Borstels Monet bezit een prachtig werk "Camille Monet met haar zoon Jean" (alternatieve naam "Dame met een paraplu", 1875, Nationale kunstgalerie, Washington). Ondanks de statische poses van de helden, het beeld is vol beweging:wolken vegen langs de lucht, en een lichte jurk en een sluier op de hoed van een jonge vrouw ontwikkelen zich in de wind.
Een treffend voorbeeld van de invloed van oosterse kunst op het werk van de kunstenaar is zijn wereldberoemde schilderij "Japans meisje" (1876, Museum van fijne kunsten, Boston). Ben ermee bezig, Camilla, gekleed in een felrode kimono, staat tegen een grijze muur versierd met Japanse papieren waaiers. Het werk is uiterst decoratief, de traditionele Japanse kleding verbergt de lichaamsvorm van een vrouw volledig, en de compositie is totaal verstoken van diepte en benadert een vlakke tekening. Zoals gewoonlijk, Monet mijdt de duidelijke contouren van objecten:de figuur van zijn vrouw, een Japanner, afgebeeld op de stof van een kimono en een waaier aan de muur achter de rug van de vrouw, zijn meer in kleur dan in een lijn geschreven, wat een extra indruk van vlakheid van het werk geeft. Een interessant punt in de compositorische oplossing is dat de figuren van de Japanners op de kimono en de heldin van de afbeelding in precies tegenovergestelde richtingen zijn opgesteld, elkaar in evenwicht houden.
De belangrijkste plaats voor de hedendaagse kunstenaar van Parijs was het station Saint-Lazare. De meester droeg verschillende schilderijen aan hem op, geschreven in 1877. Het station schiep het lot van mensen, het verbinden van de hoofdstad van Frankrijk met andere steden en zelfs landen. Het leven was hier altijd in volle gang:passagiers kwamen aan en reden weg, locomotieven zoemden, treinen kwamen op snelheid en werden in de verte weggevoerd.
Het was deze opwindende sfeer van het nieuwe industriële leven die de kunstenaar in zijn doeken wilde weergeven. “Station Saint-Lazare. Aankomst van de trein” (1877, Fogg-kunstmuseum, Harvard) weerspiegelt perfect het dagelijkse leven van het station. Het werk maakt gebruik van bijna monochrome schilderkunst, de geselecteerde ongebruikelijke hoek, brengt perfect de kenmerken van de oplossing van de architecturale kluis van het station over.
Spoedig, twee van de belangrijkste gebeurtenissen voor de kunstenaar vonden plaats in zijn familie:in 1878, zijn geliefde vrouw beviel van zijn tweede zoon, michel, waarna Camilla zelf ernstig ziek werd. Monet kampt opnieuw met ernstige financiële problemen. Noch het publiek, noch de critici zijn nog "gerijpt" tot de juiste perceptie van zijn stijl in de kunst. De schilder werd gedwongen Argenteuil te verlaten en zich in Vetej te vestigen, waar zijn buurman zakenman Ernest Goshede en zijn vrouw Alice was, die later voorbestemd was om de tweede vrouw van de schilder te worden.
De kunstenaar bracht zijn indrukken van de verhuizing over in het schilderij "De weg naar Vethey in de winter" (1879, het kunstmuseum, Göteborg), waar hij een typisch winterlandschap in Frankrijk afbeeldde:een onverharde weg bedekt met sneeuw, heuvels met bruinbruine grond die zichtbaar is door losse sneeuw en bevroren groen gras, een kerk, huizen met twee verdiepingen gebouwd in de glooiende hellingen van de heuvels aan beide zijden van de weg. Alleen de figuren van de twee reizigers verlevendigen het landschap een beetje.
Het schilderij "Aan de oevers van de Seine bij Vetheya" (1880, Nationale Galerij, Washington), geschilderd in de zomer van volgend jaar, is zowel eenvoudig als lyrisch. De hele voorgrond van de foto wordt ingenomen door bloeiende weidegrassen, waarachter je het spiegeloppervlak van de rivier kunt zien. De kunstenaar bracht meesterlijk de lucht weerspiegeld in de rivier met wolken die erop drijven en de bomen die aan de overkant staan. De kuststruiken en afzonderlijk groeiende bomen op de achtergrond van de foto zijn als gehuld in een blauwgrijze waas van grijze wolken die hen in de schaduw stellen.
Het ongewoon heldere en zonnige landschap op het doek "Blossoming Apple Trees" (1879, Museum van fijne kunsten, Boedapest) maakt indruk met de lichttransmissie van de werkplaats - het afgebeelde landschap lijkt te baden in de zonneschijn die de hele omringende ruimte overspoelt.
De compositie van de foto is weer heel eenvoudig, op de voorgrond bloeiende bomen van de appelboomgaard en gras eronder, in de tweede zien we huizen met rode daken half verborgen achter de takken van bomen, en de achtergrond wordt ingenomen door een stijgende heuvel. Een paar appelbomen, dicht tegen de onderrand van het werk geduwd, dienen als de rechter zijtaferelen en de enige verticale op de horizontale compositie, alsof ze al het werk "verzamelen".
In dezelfde 1879, op de leeftijd van slechts tweeëndertig jaar, De geliefde vrouw van Monet stierf aan een ernstige ziekte. Een verdrietige kunstenaar, ze schildert haar portret van Camille op haar sterfbed, waarin hij zijn vrouw op zijn eigen manier portretteerde, met kleur benadrukkend hoe haar gezicht zijn vitale kleuren verliest.
Langverwacht succes
Paradoxaal genoeg, het is in dit jaar van verlies in zijn persoonlijke leven dat professioneel succes naar de kunstenaar komt. Positieve commentaren en commentaren verschenen in de Parijse pers over de tentoonstelling van zijn werken, die onmiddellijk begon te worden verkocht. Dit verbeterde de financiële situatie van de schilder.
In 1883, hij gaat een klein maar heel gezellig huisje huren in Giverny bij Parijs, waarnaast een prachtige tuin is aangelegd, geverifieerd als een schilderij, rekening houdend met de individuele kleur en bloeitijd van elke plant. Later, Monet koopt extra territorium in de buurt van het huis om er nog een prachtige tuin op te maken, waarin een vijver met waterlelies was en een Japanse brug met kronkelende paden ernaartoe. Deze plek zal het onderwerp zijn van zijn schilderijen tot aan zijn dood, samen met het idee om veel afzonderlijke series werken te maken waarin de kunstenaar zijn jarenlange studie van de visuele mogelijkheden van kleur in de transmissie van verschillende verlichting belichaamde. In deze werkcycli de schilder heeft duidelijk weergegeven hoe hetzelfde motief verandert afhankelijk van hoe het wordt verlicht. Moet zeggen, alle series genoten enorm succes bij het publiek.
Een pretentieloos landelijk uitzicht op het schilderij "Hooiberg in Giverny" (1886, het Staatsmuseum de Hermitage, St. Petersburg) is een van de favoriete motieven van de kunstenaar geworden. Het landschap, waarvan het compositorische middelpunt een hooiberg was die op de voorgrond stond, wordt aangevuld met huizen en bomen die zichtbaar zijn in de verre velden.
In 1888, Monet zal een serie van 25 werken maken die aan deze soort zijn gewijd. Bovendien, het omringende landschap op de doeken wordt steeds willekeuriger, de indeling in compositieplannen zal praktisch verdwijnen, en de hooiberg krijgt een zelfstandige rol, alsof het in zichzelf zo'n conceptueel centrum van zijn concentreert. De hoofdrol in alle schilderijen wordt gegeven aan de kleur, die het hele spectrum van variabel licht wil overbrengen. Tijdens de Dag, de kunstenaar werkte aan verschillende doeken die verschillende lichtomstandigheden weergeven:ochtend, middag en avond – dit was de originaliteit van de schildersmethode, die de basis legde voor een andere serie - "Poplars". Spiegel symmetrie, volgens het principe waarvan de compositie van het werk “Poplars at Ept” (1891, de Nationale Galerie van Schotland, Edinburgh) is gebouwd, biedt de kijker twee realiteiten:een echt populierenbos aan de oevers van de rivier en de weerspiegeling ervan in het spiegeloppervlak van het water, slechts licht gerimpeld door rimpelingen. De rivier bevat volledig alle kleuren waarmee de bomen vol zijn, de lucht met roze wolken die erop drijven. De schroom van het wateroppervlak wordt benadrukt door de aard van de streken van de schilder.
De grootste cyclus gewijd aan de kathedraal van Rouen werd gestart door Claude Monet in 1892. Twee jaar lang, de kunstenaar voltooide 50 schilderijen, die consequent de gotische gevel van de kathedraal op verschillende tijdstippen van de dag afbeeldde:van de vroege ochtend tot de late avond. Zonlicht zorgt niet alleen voor prachtige metamorfosen met de kleur van de kathedraal, maar ook met zijn stenen essentie. De muur die eeuwenlang heeft gestaan, dankzij het licht dat het overspoelt en de gotische architectuur van het opengewerkte, lijkt bijna gewichtloos en wonderbaarlijk. De stralen van de zon lijken de stenen kracht van de kathedraal op te lossen, met verschillende intensiteiten erin doordringen.
Dankzij de beheersing van Monets penseel, de kathedraal lijkt op te houden een materiële substantie te zijn en wordt luchtig en vluchtig. Het is alsof het ophoudt een aardse schepping te zijn en opgaat in de hemel. Was dit het effect van de architecten uit de verre middeleeuwen, het stenen kant van kerkmuren naar de hemel optillen? Misschien drong Monet door tot het hart van het conceptuele idee van de gotische kunst. De cyclus "Kathedraal van Rouen" werd in 1895 door de kunstenaar tentoongesteld en was zeer succesvol.
Gelijktijdig met de start van de werkzaamheden aan de cyclus, Claude Monet gaat trouwen met Alice Goshed. De schilder begint veel te reizen, hij werkt in Italië, waarvan hij de gotische kathedralen ongelooflijk impressionistisch vindt, Normandië, Zwitserland en Nederland.
In Normandië, de meester baarde prachtige zeegezichten, zoals het schilderij Mannport (1883, Metropolitaans kunstmuseum, New York), alsof ze de grootsheid van het waterelement verheerlijken. Ook, de kunstenaar werkte vaak aan het beeld van pittoreske rotsen in de buurt van de stad zilverreiger, die de belangrijkste attractie van dit gebied waren, vanwege zijn unieke vorm gecreëerd door de grillen van de golven.
Mannport is misschien wel de meest bekende rotsboog. Om de schaal van rotsformatie over te brengen, de schilder schetst snel met enkele streken een paar figuren onder de bogen van een stenen boog, waarvan het grootste deel, krachtig uitsteken vanaf de linkerrand van het beeld, is letterlijk klaar om ze te verpletteren. De compositie van het werk draagt bij aan het creëren van een dergelijke indruk:het effect van de oneindigheid van het stenen oppervlak wordt door de kunstenaar benadrukt doordat de hele rots niet in het kader van het beeld past.
Een rel van kleur en zinloosheid
Het expressieve vermogen van kleur, gedurende de carrière van de kunstenaar, was het belangrijkste middel van zijn artistieke taal. Claude Monet bleef zichzelf tot het einde trouw, nooit het gekozen pad verlaten en alleen de expressiviteit van de technieken van zijn individuele stijl verbeteren en aanscherpen. Het enige verschil in de late periode van zijn werk was het verlangen naar zinloosheid, het concept van een specifieke plot en vorm vervagen. De kunstenaar beschouwde een van zijn beste creaties helemaal niet als een schilderij, maar de tuin die hij creëerde bij het huis in Giverny, waar hij talloze soorten en variëteiten bloemen oppakte en plantte zodat de tuin constant zou bloeien, het oog van de schilder verrukken met een verscheidenheid aan tinten. De schitterende tuin, in feite, ook een kunstwerk is een favoriet object geworden van het schilderij van de meester, zijn ontelbare weerspiegelingen vinden op het doek.
Het doek "Tuin van Irissen in Giverny" (1899, Yale University Art Gallery) toont ons opnieuw een zeer eenvoudige compositie. Een canvas in vierkant formaat toont een pad dat de diepte van de tuin in loopt, half verborgen door overwoekerde struiken van irissen, en daarboven zie je stammen van tuinbomen die een langetermijnperspectief creëren.
De kunstenaar zet op het doek jubelend, zuiver, felle kleuren, de kijker zijn gevoel van geluk en volheid van leven overbrengen, geboren uit contact met de natuur. De mooie en delicate bloemen van irissen op de voorgrond lijken ons in de ogen te kijken. De bekwame hand van de meester lijkt hen ziel in te blazen, en de schoonheid van de omringende natuur wordt het grootste wonder, de personificatie van de kroon van goddelijke scheppingen. Het is deze houding ten opzichte van de natuur, dat in de werken van Claude Monet een voldoende object is om te schilderen, onderscheidt de kunstenaar van aanhangers van de academische stijl, waarin alleen de mens altijd de “kroon van de schepping” is geweest.
Een van Monets beroemdste series "Waterlelies" werd gelanceerd in 1899. In de loop van de cyclus, de schilder stelt waterlelies (nenufara's) voor die in de vijver van zijn tuin in Giverny drijven. De kunstenaar kweekte deze delicate bloemen zelf in zijn vijver en bewonderde ze lange tijd, genietend van de schittering van de zon op fragiele bloemblaadjes en de weerspiegeling van wolken in het water. Het lijkt ongelooflijk, maar de waterlelies bezaten het hart van een getalenteerde kunstenaar tot zijn dood, ongeveer twintig jaar. De serialiteit van het werk is gebaseerd op de variatie van dit motief onder verschillende lichtomstandigheden.
Gemaakt in 1903, het werk “Waterlelies. Clouds” (particuliere collectie) geeft een opvallend vrolijke indruk. Het canvas is verzadigd met zonlicht, ondanks het feit dat de lucht alleen aanwezig is in zijn weerspiegeling in het water. Het lijkt alsof waterlelies en wolken langzaam op hetzelfde oppervlak drijven, alsof hij wordt aangedreven door een lichte teug lucht.
De vierkante vorm van het doek in het werk “Een vijver met waterlelies” (1908, prive collectie, St. Gallen, Zwitserland) vergroot het beeld visueel in de ruimte, de indruk van oneindigheid geven. Monet gebruikte het effect van fotografie, alsof je een apart fragment uit het wateroppervlak van een vijver kerft en het in close-up schrijft. Alleen de uitgestrektheid van water met bladeren, bloemen van waterlelies en weerspiegelde wolken, schilderachtig verspreid op het oppervlak, viel in het frame.
Hier, de meester ging weer uit van de perspectiefconstructie van het schilderij, waardoor de waterlelies in de rechterbovenhoek van de compositie dichter bij de kijker staan dan de voorgrondplanten van het schilderij. Dankzij deze techniek, het schilderij verliest zijn diepte en, als het ware, ontvouwt zich in een vliegtuig, decoratiever worden.
Sinds de jaren 1870, Claude Monet heeft Engeland herhaaldelijk bezocht, hij hield van Londen vanwege de unieke mistige atmosfeer. En vanaf ongeveer 1900, de schilder begon hier vaker te komen. Hij creëert hier een reeks werken gewijd aan het parlementsgebouw.
Het schilderij "Het parlementsgebouw in Londen" (1904, d'Orsay Museum, Paris) beeldt een architectonisch object af alsof het gehuld is in dichte mist. Slechts op sommige plaatsen breekt de geelrode zon door de kleine gedachte, fragmenten van de majestueuze contouren van neogotische architectuur benadrukken en de brede Theems kleuren met roodpaarse gloed. De stijl van schilderen is erg willekeurig, de kunstenaar beeldt niet specifieke elementen af, maar een kortstondig beeld van de stad zelf, zoals hij het net zag.
Het impressionisme van Monet is niet bedoeld om de objectieve realiteit over te brengen; hij herkent de constantheid van de eigenschappen van objecten niet. Hun hele uiterlijk, kleur en vorm zijn alleen afhankelijk van het licht, die nauwelijks doorbreekt, dan overstroomt de hele buurt, of zelfs uitgaat, schemering worden. In het voorjaar van 1908, Claude Monet en zijn familie gingen naar Venetië. De heerlijke sfeer van deze stad, zijn watervlakten, verrassend succesvol verslagen door Venetiaanse architecten, de reflecties van het licht op het water en de monumenten die erin weerspiegeld worden, fascineerde de schilder. Zo ontstond een reeks Venetiaanse landschappen, direct tijdens de reis geschreven.
Het werk “Palazzo da Mula in Venetië” (1908, Nationale Galerij, Washington), daar geschreven, nauwelijks een geleid of architectonisch landschap te noemen. Liever, het is, figuurlijk spreken, een "portret" van een middeleeuws Venetiaans gebouw, "kijken" in de spiegel van de gracht ervoor. Bovendien, dit “portret” is in close-up geschilderd, de zijkanten van het paleis worden afgesneden door het frame van de foto, only the middle part of the building without a roof fell on the canvas.
Such an unusual composition is explained very simply, Monet was not going to copy an architectural monument at all, he was as unimportant for him as the figures of people on most of his canvases. The artist was captivated by the surprisingly harmonious unity of architecture and landscape, designed by a brilliant architect who conceived the palace, as if emerging from the water. A horizontal composition with a clear division into the front (space of water) and rear (walls of the palazzo, dotted with numerous arches of door and window openings) plans are balanced by a pair of thin silhouettes of gondolas.
Venice impressed the artist with the unity of life of the buildings and canals on the banks of which they were erected. Impressionistic harmony, formed by stone walls reflected in the water, which the same water that absorbs sunlight, paints with numerous reflections of heavenly shades, won the heart of the painter. It was this state that he tried to convey on his Venetian canvases.
Loneliness and loss
The second decade of the new century was marked for the artist by a series of losses. 1911, Alice’s second wife died, three years later, in 1914, zijn oudste zoon, Jean, dies. Monet was faithfully looked after only by Alice’s daughter from her first marriage, who was Jean’s wife.
Together with a series of deaths of relatives, the painter suffered another misfortune – double cataract. Evil rock took away from the artist the main thing that he devoted his whole life to being able to see and study the lighting effects, glare and reflexes of the sun’s rays, seen in nature. Echter, Monet did not stop, he continued to create his work. Four years later, after his diagnosis, the artist conceived a new series of impressive panels measuring 2x4 meters with images of his garden.
The panel “Water Lilies” (“Nenufaras”, 1920-1926, the Museum of the Greenhouse, Paris) gives the impression of the flatness of an endless space, as if extending far beyond the frames of the picture. Juicy, large strokes of the master only outline the shape of the leaves and flowers, the whole picture is executed using the technique of color spots.
A little earlier, in 1917, Claude Monet wrote his "Self-Portrait" (Museum of the Greenhouse, Parijs). The picture is a person’s self-esteem reproduced through reflection in the mirror of one’s own consciousness. Tired eyes of the master do not look at the viewer, although he turned to face him. The artist is not looking for "dialogue." At first glance, the work seems unfinished:only the artist’s head is depicted, and the shoulder line is outlined schematically. Echter, the thick shadow that borders the portrait saturates the image with drama and leaves no doubt about its completeness.
At the end of his career, Monet began to mix subject and non-objective art. In his 1918 work, The Japanese Bridge (Institute of Arts, Minneapolis), one can only read the outline of the artist’s favorite bridge, twisted with wisteria and thrown over a pond with water lilies, a low bush in the foreground and a tree at the right edge of the canvas. Everything else is just an extravagant riot of colors, beauty and fullness of life.
The painting “Garden with a Pond in Giverny” (circa 1920, the Museum of Fine Arts, Grenoble) presents us with a mysterious corner of the artist’s garden, hidden in dense thickets. Het werk, natuurlijk, is substantive:a clearly constructed composition is visible here, the outlines of the branches are clearly distinguishable. It seems that in the work the color plays an independent, it is emphasized decorative in the refraction of the dying view of the painter. Thanks to unrealistic conditional color rendering, the picture makes a dramatic impression. Color is unusually expressive. This is no longer impressionism in its purest form, the writing technique and artistic conception are more likely a reflection of the inner world of an aging person.
The great artist, one of the founders of Impressionism, who conquered the world, Claude Monet died in December 1926 in his house in Giverny. Cezanne at one time exclaimed:"Monet is just an eye, maar, my God, what a thing!" The painting of the French artist is an endless enthusiastic admiration for nature, the beauty and perfection of which he was able to convey in a special, uniek, subtle and sensual style.
Zhuravleva Tatyana
