Edgar Ilère Germain Degas (1834-1917)
Edgar-Germain-Hilaire de Ga of Edgar Degas, zoals de hele wereld hem kent, werd geboren in Parijs in een rijke aristocratische familie. De kindertijd van de toekomstige kunstenaar werd gehouden in een sfeer van liefde en rust. Van jongs af aan, Edgar toonde liefde en het vermogen om te tekenen, en ondanks het feit dat zijn vader wilde dat hij advocaat werd, niets kon de jongeman ervan weerhouden de schilderkunst te gaan studeren. De mentor van de jonge Degas aan de Parijse School voor Schone Kunsten was de toen beroemde kunstenaar Lamot. Waar, na slechts een jaar onderwijs, in 1856 verlaat Degas onverwacht Parijs voor iedereen en vertrekt hij voor bijna twee jaar om in Italië te gaan wonen.
Edgar Degas-schilderijen
De formele reden voor de reis was de wens om zijn vaderlijke familieleden te zien. Maar zij waren het niet die hem naar Italië trokken, maar de mogelijkheid om in contact te komen met de opmerkelijke kunstwerken van de grote kunstenaars van de Renaissance.
De kunstenaar reisde veel, bezocht hij alle belangrijke culturele centra van het land – Florence, Rome en Napels. In elke stad, hij bestudeerde met grote aandacht het werk van de grote schilders uit het verleden. De Degas waren het meest onder de indruk van de doeken van Paolo Veronese en Andrea Mantegna, wat zijn ideaal werd.
De eerste creatieve experimenten
Twee jaar later, de jonge kunstenaar ontmoet Gustave Moreau, die later voor hem niet alleen een kameraad werd, maar ook een mentor. Moreau studeerde hartstochtelijk schilderen, het al zijn tijd geven. Proberen de essentie van harmonie te begrijpen, hij was hartstochtelijk geïnteresseerd in de werken van Titiaan, Leonardo da Vinci, Rafaël, Caravaggio en Veronese, proberen hun systeem van het creëren van kleur te voelen. Moreau gaf er de voorkeur aan zijn eigen kleurrijke composities uit te voeren in aquarellen of pastels. De jonge Degas was zo getroffen door het werk van een oudere kameraad dat hij ook zijn aandacht op deze technieken richtte. Opgemerkt moet worden dat Moreau een sterke invloed had op de jonge kunstenaar, maar als Gustave de belangrijkste kleurplaats toewees, toen beweerde Edgar Degas (vooral aan het begin van zijn werk) het primaat van de tekening, er zeker van zijn dat het een "vruchtbaarder werkterrein" was.
Het is in Italië dat de schilder op zoek gaat naar zijn eigen individuele manier van artistieke expressie. Als basis van zijn eigen stijl, Degas kiest voor de constructieve opbouw van de vorm, door zijn realistische interpretatie. Daarom, de vroege werken van de kunstenaar onderscheiden zich door een scherp en nauwkeurig patroon.
Veel van Degas' werken die betrekking hebben op deze periode hebben een bijzondere zeggingskracht die voortkomt uit de exacte reproductie van de werkelijkheid. Dit blijkt duidelijk uit zijn schilderij "Romeinse bedelaar" (1857, Kunstmuseum, Birmingham). Het beeld van de heldin zelf op dit doek krijgt een ongelooflijk realistische, en zelfs moeilijke interpretatie, terwijl de ruimte om haar heen nogal willekeurig wordt afgebeeld. Een vermoeide oude vrouw zit op de drempel van het oude huis, in gedachten verzonken, en tuurt met enige nieuwsgierigheid in de verte. Niet alleen haar versleten kleding, maar ook schijnbaar achteloos geplaatste objecten op de voorgrond van de foto vertellen over het moeilijke leven van de heldin:een stuk brood en een oude pot met half opgegeten etenswaren met een afgebroken randje. Degas voerde de compositorische constructie van het canvas uit volgens de principes van de oude meesters, maar als zijn model koos hij geen verfijnde mooie dame, maar een eenvoudige vrouw wiens beeld helemaal niet geïdealiseerd is.
Ondanks het feit dat het beeld wordt gekenmerkt door een bepaalde grafische structuur van de compositie, het heeft een subtiele kleurmodellering en tonale uitwerking die op de meest nauwkeurige manier is geverifieerd. In feite, met slechts vier kleuren, de kunstenaar slaagde erin een verrassend harmonieus en expressief type Italiaanse bedelaar te creëren.
In het werk is veel aandacht besteed aan het ornament, alsof ze de hele omringende ruimte "revitaliseren". Op dit schilderij, Degas slaagde erin om zeer vakkundig het fundamentele artistieke probleem op te lossen dat de schilder tijdens zijn studies in de klas van Louis Lamot zorgen baarde - de verhouding tussen de figuur van de held en de omringende ruimte.
In het voorjaar van 1859, Edgar Degas keerde terug naar Parijs. Een beetje in het ouderlijk huis gewoond, de kunstenaar verhuist naar een grote werkplaats in het 9e arrondissement aan de Rue de Laval. Daar begint hij te scheppen, in de eerste plaats een historisch thema. Degas probeert haar een nieuwe interpretatie te geven, niet kenmerkend voor de vroege werken van dit genre.
Een voorbeeld is het schilderij "Young Spartans Calling the Spartans to Compete" (1860, Nationaal Museum, Londen). Hier ontgas, volgens de klassieke canons van de beeldende kunst, probeerde ze te vernieuwen met levendige en nauwkeurige observaties uit het echte leven. De meester negeerde de voorwaardelijke idealisering van het antieke perceel volledig, de personages die hij afbeeldde, lijken meer op moderne tieners die uit de Parijse straten zijn gehaald. Dit is vooral merkbaar in enkele hoekige bewegingen van de door hem afgebeelde personages, geplaatst in een enigszins gestileerd landschap.
De figuren van jongeren zijn evenwijdig aan de onderrand van het doek geplaatst in een enkele ruimte van het eerste plan, wat de scène een grote overtuigingskracht geeft, zonder het decoratieve ritme te verliezen. Statische poses van jonge mannen spreken over de invloed van neoklassieke kunst. De kunstenaar benadrukt het realisme van de scène met behulp van een subtiele psychologische interpretatie van de gezichten van elk personage. Tegelijkertijd, de belangrijkste expressieve middelen op het canvas, zoals in eerdere werken, is een elegante musical – plastic lijn. De kleur van de foto, gebouwd op een beperkte combinatie van kleuren, geeft het canvas een gevoel van strikte helderheid en evenwicht.
Creatie van een eigenaardige portretstijl
Aan het begin van zijn carrière, Degas maakt veel portretten. Dit werd mede beïnvloed door de invloed van de vader van de kunstenaar, die geloofde dat juist het bekwame bezit van de vaardigheden van de portretschilder de jonge man een comfortabel leven kon bezorgen. Op de eerste doeken in dit genre, Degas schilderde voornamelijk zelfportretten en portretten van familieleden, maar wendde zich al snel tot het beeld van zijn vrienden. In deze werken de karakteristieke kenmerken van de individuele stijl van de schilder kwamen duidelijk tot uiting, die vasthielden aan traditionele compositietechnieken, waarin gemakkelijk een verband is te vinden met het werk van oude meesters.
Een voorbeeld is het werk van 1855 "Zelfportret" (Museum d'Orsay, Parijs) waarin de kunstenaar een donkere achtergrond gebruikte die kenmerkend was voor de Spaanse schilderschool, vertegenwoordigd door grote meesters als Diego Velazquez en Francisco de Goya. Bij zelfportret, hij verschijnt voor ons in een natuurlijke pose, met een houtskoolpotlood in zijn rechterhand - een symbool dat hij tot de kunst behoort. Opgemerkt moet worden dat dit werk, zoals veel andere vroege portretten van Degas, onderscheidt zich door het monochrome kleurenschema.
Geleidelijk, zijn werk wordt meer verzadigd met licht en kleur. Op het schilderij Zelfportret met zachte hoed (1857, Stirling Institute of the Arts en Frappsn Clark, William Sgown), de kunstenaar weigert al een neutrale, gedempte achtergrond te gebruiken. Hoewel de achtergrond van het schilderij donkerblauw is, het wordt verlicht door het constante zonlicht dat uit het raam komt dat de meester buiten het kader van zijn doek heeft gelaten. Degas portretteert zichzelf in een casual pak, zijn belangrijkste expressieve accessoire is een roodoranje sjaal om zijn nek. Deze felle kleurvlek speelt de rol van een stemvork voor de coloristische opbouw van het portret.
Hoe dan ook, hier, zoals op eerdere doeken, bijvoorbeeld, "Portret van René de Ga" (1855, Smith Museum of Art College, Northhamton), een uitgesproken statische houding blijft. Waar, Degas realiseerde zich deze fout snel en begon te experimenteren met beweging en hoeken in zijn portretten, die als resultaat zijn werken “opnieuw leven ingeblazen” en ze dynamiek gaven. Het was dankzij de ongewoon scherpe visie op de natuur en de nieuwe compositorische constructie van schilderijen dat de schilder niet alleen emotionaliteit in zijn doeken bracht, maar ook een uitgesproken diep psychologisme.
Het echte hoogtepunt van de vroege stijl van Edgar Degas, als portretschilder, was het werk “De familie Bellelli” (1858-1867, Museum d'Orsay, Parijs). De modellen voor dit doek waren de oom van de kunstenaar Gennaro, zijn vrouw Aura, en hun twee dochters - Giovanna en Julia. De compositie van de foto is gebaseerd op het principe van een bepaalde genrescène. In het midden van het doek staat de figuur van de barones, gekleed in een rouwende zwarte jurk zonder accessoires. De oom van de kunstenaar, Gennaro, is vanaf de achterkant afgebeeld; hij zit in fauteuils bij de open haard. De figuren en gezichten van beide echtgenoten drukken hun desinteresse uit in wat er om hen heen gebeurt. Giovanna, naast haar moeder staan, Integendeel, kijkt de kijker aandachtig aan. De jongere Julia, comfortabel in een stoel, ze, alsof je een rustig gesprek voert, wendde zich tot haar vader.
De kunstenaar dicteerde zijn modellen nooit in welke positie ze moesten zijn. In tegenstelling tot veel schilders van zijn tijd, Degas schilderde bij voorkeur "portretten van mensen in typische natuurlijke poses voor hen, meestal geven ze absolute vrijheid, zowel in lichaamshouding als in gezichtsuitdrukking."
Ondanks het feit dat de poses van alle modellen rustig zijn, de asymmetrische opstelling van de figuren zorgt voor een soort onverwachte scherpte in de compositie. De kleur van het canvas is zeer exquise gekozen, een combinatie van blauw, zilver, zwarte en witte tinten, een perfect kleursysteem bouwen. Waar, zelfs ondanks dit, het tafereel dat de kunstenaar liet zien was niet geïdealiseerd te noemen. Degas vulde het familieportret met drama:hij portretteerde een echtpaar, behoorlijk moe van elkaars gezelschap. Hun poses benadrukken het verschil in karakters en emotionele ervaringen van de echtgenoten. Het wordt de kijker duidelijk dat kinderen de enige eenheid blijven die hen verenigt. Dit doek, gekenmerkt door diep psychologisme, meesterschap in het doorlaten van licht en de nauwkeurigheid van de tekening, is een van de beste werken in zijn genre gemaakt in het midden van de 19e eeuw.
De individuele stijl van de kunstenaar evolueerde voortdurend, in zijn latere werken vermeed de schilder de stationariteit in de compositie en de frontale opstelling van de modellen door de dynamiek van de compositie te versterken. Hiertoe, Degas gebruikte vrij vaak de constructie van de compositie op de diagonaal, verschuivingen en onverwachte hoeken, waardoor hij nieuwe, meer expressieve effecten.
Bijvoorbeeld, een zeer gewaagde compositieoplossing, gekozen door Degas voor het schilderij “Een vrouw zittend bij een vaas met bloemen” (1865, Metropolitaans kunstmuseum, New York), wat op het eerste gezicht een vreemd, verontrustende indruk. Het grootste deel van het schilderij wordt ingenomen door een prachtig boeket bestaande uit chrysanten van verschillende kleuren. De heldin zit naast een tafel waarop bloemen staan, maar haar gezicht is een beetje van hen afgewend, ze kijkt weg. Het lijkt erop dat de heldin per ongeluk in het beeld van een stilleven viel. Hoe dan ook, een dergelijke oplossing verslechtert de psychologische kenmerken van het model niet, maar, Integendeel, benadrukt en benadrukt zijn individualiteit. De vrouw is ver weg, peinzend gezicht leek verscheurd door een waas van droevige herinneringen. De verbazingwekkende flair waarmee de kunstenaar elke eigenschap weergeeft die kenmerken van haar karakter overbrengt, is opvallend. Studies van deze foto, de afgelopen jaren uitgevoerd, geven aan dat Margaret Claire Brunkan (die later barones Valpinson werd) op het doek is afgebeeld.
Bij het tekenen van portretten, Degas bevatte vaak attributen die het beroep of de sociale status van de held onthullen. Een levendig voorbeeld van een dergelijke interpretatie van het beeld is het schilderij "Portret van James Tissot" (1867, Metropolitaans kunstmuseum, New York), waarin Degas, een Franse kunstenaar, is afgebeeld in zijn atelier.
in 1869, de kunstenaar maakt nog een van zijn meesterwerken – een portret van mademoiselle Hortense Valpinson (Instituut voor Schone Kunsten, Minneapolis), waarin de schilder de negenjarige dochter van zijn vriend Paul Valpinson vastlegde. Het meisje is afgebeeld leunend op een tafel bedekt met een donker tafelkleed met een gekleurd geborduurd patroon. Aan de andere kant van de tafel staat een mand met onafgewerkte ambachten. Jonge Hortense kijkt aandachtig naar de kijker, alsof hij verrast was.
Deze compositietechniek hielp de kunstenaar de levendige, directe aard van het kind. De achtergrond van de foto, geschreven in brede sonore slagen, versterkt deze indruk nog meer. De kleur van het werk is gebaseerd op een combinatie van warme oker-gouden tinten, evenals zwart-wit tinten, waardoor het hele werk een zeer majestueuze klank krijgt.
Een ander werk, verrassend in zijn expressieve compositie, is “Portret van burggraaf Lepik met zijn dochters” (alternatieve naam “Concord Square”, 1876, Staatsmuseum de Hermitage, St. Petersburg). Een dynamische compositie lijkt op een foto met zijn scherpe uitsnede van alle kanten van het doek, wat niet kenmerkend is voor het schilderij van die tijd. De horizonlijn wordt sterk overschat, die de Place de la Concorde verandert, die snel wordt doorkruist door de burggraaf Lodewijk Napoleon Lepic, alleen naar de achtergrond voor de personages in de afbeelding.
Het was alsof iemand die was begroet door de dochters van een edelman, gestopt, draaide in de tegenovergestelde richting ten opzichte van de beweging van zijn vader. Het canvas heeft een interessante smaak. Terwijl de hoofdpersonen van het schilderij Degas gekleed zijn in lichte kostuums, bijna versmelten met de achtergrond, de kleding van de andere deelnemers aan de compositie is gemaakt in het donker, bijna zwarte kleuren. Deze “zwarte” figuren, met wiskundige precisie op het doek gelokaliseerd, creëer een geweldig "muzikaal" ritme van het hele werk.
Afkomstig uit een adellijke familie en geen behoefte aan geld, Edgar Degas kon het zich veroorloven niet te voldoen aan de eisen van nobele modellen, het maken van aangepaste portretten. Onder de posers waren veel personages uit de high society, maar nooit begon de kunstenaar ze te portretteren in de stralende pracht van luxueuze outfits. Ongeacht de status van de helden van zijn schilderijen, Degas probeerde altijd de karakteristieke kenmerken van elk van hen zo nauwkeurig mogelijk weer te geven. Gewend aan vleierij, seculiere leeuwen en leeuwinnen verlieten hem vaak, beledigd voelen.
Levenservaring en reizen
Een belangrijke gebeurtenis in het leven van Edgar Degas was de kennismaking met Edward Manet, wat in 1862 gebeurde. Al snel, de kunstenaar begon regelmatig Cafe Gerbois te bezoeken - een populaire ontmoetingsplaats voor jonge kunstenaars. Daar bespraken ze de zoektocht naar nieuwe onderwerpen in de kunst, originele expressieve middelen en hun eigen visie op de werkelijkheid. Onder de stamgasten van het café waren grote artiesten als Claude Monet, Alfred Sisley, Auguste Renoir en vele anderen.
Beïnvloed door deze gemeenschap van impressionisten, aan het eind van de jaren 1860 richtte Degas zich op het maken van grote series - Wasvrouwen, Paardenracen, Balletscènes, en Modistiki. Al zijn schilderijen onderscheidden zich door een zeer nauwkeurige onthulling van de diepte en complexiteit van de innerlijke wereld van hun helden. In tegenstelling tot de meeste impressionistische kunstenaars, Degas zocht nooit inspiratie in de natuur, hij zag de werkelijkheid als een dynamisch element, en het was deze voortdurende beweging die de belangrijkste plaats in zijn werk innam. Zijn ideaal was het drukke leven van een moderne stad. Van nature zeer opmerkzaam, ontgassen, wandelen door de drukke straten van Parijs, merkte alle kenmerkende expressieve kenmerken op en bewaarde lange tijd wat hij zag in zijn geheugen. Vervolgens, het ritme van het stadsleven overbrengen, de kunstenaar creëerde fotografisch nauwkeurige en onpartijdige beelden.
Dankzij het aanvankelijke materiële welzijn kon Edgar Degas al zijn tijd besteden aan creatieve experimenten. Hij kon het zich veroorloven om moedig alle kanonnen te verwerpen, alle afgezaagde kneepjes van het construeren van de compositie, om zijn eigen onverwachte standpunt te vinden, een nieuwe visie, waardoor men de indruk van frisheid en spontaniteit van het werk kon bereiken.
Als resultaat van creatieve zoekopdrachten, de kunstenaar was in staat om een nauwkeurige aanpassing van de compositie van schilderijen te bereiken, waarin niets toevallig was en alle elementen waren ontworpen om de algemene betekenis van de plot te benadrukken. De schilder zelf typeerde zijn werk als volgt:"Mijn werk is het resultaat van reflectie, geduldige observatie, inspiratie, karakter en de studie van grote meesters." Degas legde al zijn helden vast in natuurlijke en relaxte poses, zijn best doen om hun karakter en stemming over te brengen.
Wanneer, in 1870, de Frans-Duitse oorlog uitbrak, de kunstenaar bood zich aan om zich bij het infanterieregiment aan te sluiten. Plotseling, op de eerste schietbanen, het werd duidelijk dat zijn rechteroog slecht wordt gezien. De diagnose van de artsen was deze:netvliesloslating veroorzaakt door diabetes. Zoals later bleek, dit was slechts het begin van de ziekte van Degas, wat hem uiteindelijk tot bijna volledige blindheid bracht. Hoe dan ook, hij bleef achter in de gelederen van het Franse leger, over te gaan naar het artillerieregiment. in 1871, de oorlog was al voorbij, en Degas maakten een korte trip naar Londen, waarna hij naar zijn Amerikaanse familieleden in New Orleans ging, waar hij de winter van 1872 – 1873 doorbracht.
Aan het begin van zijn verblijf in de Verenigde Staten, Degas maakt veel schetsen en schilderijen, waaronder een aantal portretten van zijn familieleden. Maar al snel verliest hij zijn lont. De aanleiding hiervoor was zijn conclusie:“De kunst van Parijs kan niet zonder onderscheid hetzelfde zijn als de kunst uit Louisiana. Want anders wordt het alleen maar een geïllustreerde wereld. " Vanaf nu, de kunstenaar houdt op met schetsen en schetsen, die hij eerder in grote aantallen creëerde tijdens zijn vele omzwervingen.
Degas zorgde ervoor dat alleen langdurige observatie van het leven in een bepaald land "een kans kan bieden om de gewoonten van de mensen te leren kennen en hun charme te voelen". Hoe dan ook, in tegenstelling tot zijn eigen stellingen, de kunstenaar maakt het schilderij "Office for the Sale of Cotton in New Orleans" (1873, Museum van fijne kunsten, Poe). De meercijferige compositie van het werk is gebaseerd op het contrast van contrasterende kleuren – zwart en wit, door de afwisseling ontstaat er een duidelijk ritme van het hele doek.
In het voorjaar van 1873, Degas keerde terug naar Parijs, waar hij spoedig wachtte op een reeks verliezen en problemen. In minder dan een jaar, de vader van de kunstenaar sterft, enorme schulden achterlatend. Zoals later bleek, de overledene was in volledige wanorde. De bank beheerd door Auguste de Ga, astronomische bedragen verschuldigd aan schuldeisers. Om zijn familiereputatie te behouden, de kunstenaar betaalde een deel van zijn schulden uit van hem geërfde gelden, maar dit was niet genoeg. Om de eindjes aan elkaar te knopen, de schilder verkoopt het familielandgoed en een collectie schilderijen van grote meesters, verzameld door zijn vader.
Dit alles leidde tot een dermate stand van zaken dat de schilder voor het eerst in zijn leven erover nadacht om zijn schilderijen te verkopen. Een van de effectieve manieren om kopers aan te trekken, de kunstenaar beschouwde de tentoonstelling van impressionisten, die hij vaak hielp organiseren. In de periode van 1874 tot 1886, acht van dergelijke tentoonstellingen werden gehouden, aan zeven waarvan Degas deelnam. Het is vermeldenswaard dat zijn werken succesvol waren en zeer goed werden verkocht, in tegenstelling tot de werken van andere impressionisten.
Tijdens de jaren 1870, Degas verfijnde zijn artistieke stijl verder. De ruimtelijke opbouw van zijn werk heeft een ongekende scherpte gekregen, nog meer vrijheid en dynamiek. De kleur in zijn schilderijen kreeg een zelfstandige betekenis, erg ingewikkeld geworden, alsof het gevuld is met licht.
Degas vereenvoudigde en zuiverde zijn tekening zo dat hij het spel van de spieren van het menselijk lichaam in beweging kon brengen met behulp van slechts één circuit. Geleidelijk, zijn werk kreeg een steeds meer sculpturaal karakter. Hij begon de contouren van figuren en objecten te benadrukken met een dikke koolstoflijn, roze, paarse en groenachtige tinten begonnen de overhand te krijgen in de kleur van de schilderijen, die het werk sonischheid gaven, en alle details werden geminimaliseerd.
Degas stopt praktisch met schilderen in olieverf, pastel is zijn favoriete materiaal. Het laatste portret, gemaakt door de meester, was het schilderij "Helene Roire in het kantoor van zijn vader" (1886, Nationale Galerij, Londen), afbeelding van de dochter van een vriend van de kunstenaar Henri Rouen - Helen.
Sinds het midden van de jaren 70 in de werken van Degas, de invloed van de Japanse gravure, die een grote invloed had op de hele beweging van de impressionisten, wordt steeds meer opgespoord. De kunstenaar begon veel technieken van deze kunst te gebruiken, bijvoorbeeld, originele ruimtelijke constructies, het gebruik van onverwachte hoeken en de frequente plaatsing van secundaire karakters in het midden van de compositie.
Liefde voor paardenraces
Een van de grootste passies van de kunstenaar waren paarden. Edgar Degas toonde interesse in deze sierlijke dieren tijdens zijn verblijf in Italië. Hij was gefascineerd door de traditionele Romeinse paardenraces op de Via del Corsa, waarin hij veel schetsen maakte. In Frankrijk zelf in de jaren 1860, zowel onder het bewind van Louis Philippe en Napoleon III, paardensport was ook erg populair. Bovendien, Degas was niet alleen geïnteresseerd in het natuurlijke plastic en de gratie van paarden, hij was meer geïnteresseerd in professionele gebaren en bewegingen van hun ruiters.
Het creëren van een reeks werken gewijd aan paardenraces, Degas vond vaak verschillende onconventionele compositiestructuren voor zijn doeken. Zijn favoriete trucs waren verschillende ruimtelijke verschuivingen, scherpe rand trimmen en verschillende "scherpe" hoeken. De essentie van alle technieken was om levendige dynamische beelden te creëren die een uniek gevoel van een steeds veranderende realiteit kunnen overbrengen. Een belangrijke plaats in deze werken is kleur. Het was met behulp van de kleur Degas dat het mogelijk was om een bonte verzameling jockeyfiguren te geven aan een specifieke georganiseerde vorm.
in 1860, de kunstenaar schreef een van zijn eerste schilderijen in een serie gewijd aan paardenraces. Het doek “Gentlemen at the races:before the start” (Fogg Museum of Art, Cambridge) karakteriseert perfect de stijl en het karakter van de kunstenaar, die gedurende zijn leven is veranderd. Feit is dat Degas twintig jaar later zijn eerste versie van dit werk herschrijft, waar de vage wazige figuren van de ruiters zijn afgebeeld tegen een volledig vlak landschap. Op dit late doek, de achtergrond van het schilderij was heuvels en fabrieken in de voorsteden met schoorstenen die zwarte rook uitstoten.
Het werk uit 1862 “Riders before the start” (Musée d’Orsay, Parijs), brengt heel nauwkeurig en oprecht de spannende emoties die mensen ervaren en de spanning van de paarden voor de start over. Op de voorgrond van de foto, vol spanning, innerlijke focus en dynamiek, worden getoond jockeys die zich voorbereiden op de start van de race. Het middelste plan is bezig met een luidruchtige seculiere samenleving, verlangend naar een bril. De verbazingwekkende authenticiteit waarmee de gebaren en het planten van jockeys, verstoken van enige poëzie van beelden, is fantastisch. Dankzij deze ontvangst de kijker wordt niet verrast door de scherpe fragmentatie van het doek, waarbij de rand van de afbeelding de helft van de figuur van een van de ruiters afsnijdt.
De Degas-serie, gewijd aan paardenraces, staat vol met mooie werken, opgelost met bijna verslaggever nauwkeurigheid. Een voorbeeld van zulke doeken is “Voor de start” (1878, Museum van E.G. Bgorl, Zürich), “Paardenraces in de provincie. Bemanning bij de Race "(circa 1872, Museum van fijne kunsten, Boston), "Racepaardrijden" (1894, Afhalen bij Webb, New York) en "Jockeys in Front of the Tribune" (1869-1872, Museum d'Orsay, Parijs) Op het laatste doek, Degas portretteerde het moment voorafgaand aan de race, toen het publiek alleen de paarden te zien kreeg die aan de races deelnamen. De kunstenaar componeert meesterlijk het beeld, het bereiken van de illusie van kalmte en evenwicht, bewaard door de helden. De innerlijke ervaringen worden overgebracht met behulp van lange schaduwen die subtiel het zand van racebanen sieren. Alle paarden op de foto zijn bijna statisch, met uitzondering van één. Degas stelde zich tot taak om de toestand van rust die vlak voor de start van de race heerste te weerspiegelen. Er zijn geen passies en opwinding die kenmerkend zijn voor dit evenement.
Ergens in 1873, de schilder nam zonder enige aandacht tijdelijk afstand van het onderwerp paarden en paardenrennen, daar pas een paar jaar later op terug, toen hij zanger Jean-Baptiste Fare de opdracht gaf om 'Horse racing' te schilderen. Jockeys – amateurs” (1876-1887, Museum d'Orsay, Parijs). Daarna, Degas schreef periodiek doeken gewijd aan paardenraces, tot ongeveer het einde van de 9s. Een van de laatste werken van deze serie was het schilderij “The Fallen Jockey” (1896-1898, het kunstmuseum, Offlätsche-collectie, Bazel). De compositie van het doek is vergelijkbaar met het eerdere werk van de kunstenaar, het laat ons een paard zien dat door de wei rent, waarachter zich een schijnbaar gevallen jockey bevindt die erdoor is gevallen.
De expressiviteit van het nachtleven van Parijs
De ziekte van de kunstenaar beïnvloedde zijn levensstijl. Degas begon zijn ogen te beschermen tegen fel zonlicht, en over het algemeen geprobeerd, zo zelden mogelijk, om overdag op straat te zijn. In tegenstelling tot de overgrote meerderheid van de impressionisten, de schilder werkte praktisch niet in de open lucht. Degas schilderde de meeste van zijn schilderijen onder gasverlichting, waarvoor hij de bijnaam 'de eerste impressionist van de nacht' kreeg. Dit zou ook een van de redenen kunnen zijn waarom het thema van Parijse cafés, goedkope cafés, actrices, zangers en 'halflichte' dames was zo aantrekkelijk voor hem.
Degas creëerde veel werken gewijd aan het onderwerp van dergelijke instellingen en hun bewoners, een van de meest bekende is het doek "Absinthe" (of "Lovers of Absinthe", 1875, Mray d'Orsay, Parijs). Het toont het interieur van het Nouvelle-Athenn etablissement, populair in Parijse kunstkringen. De compositie van het beeld is gebaseerd op het principe van een eenvoudige genrescène uit het dagelijkse leven van de bewoners van het café. Haar personages – een man en een vrouw – rusten schijnbaar gewoon uit aan tafel na de dagelijkse beslommeringen. Maar lege tafels op de voorgrond wekken de indruk door twee mensen in een hoek te worden gedrukt en in een hoek gedreven, en benadrukken ook hun leegte en wederzijdse onverschilligheid. Deze pretentieloze verhaallijn onderstreept het thema van Aliens opwinding over de mens van de wereld en zijn onvermijdelijke eenzaamheid, dat is de hoofdgedachte van het hele werk. De modellen voor de kunstenaar waren de graveur en kunstenaar Marcel Debuten en actrice Helene Andre. door kleur, de kunstenaar slaagt erin om innerlijke spanning en drama aan hun figuren te geven, praktisch bewegingsloos.
De subtiele vaardigheid van de schilder om het karakter van zijn modellen over te brengen met behulp van slechts één gebaar werd perfect onthuld in de doeken met de afbeelding van de zanger van verschillende cafeshantans. Een levendig voorbeeld is het schilderij "Captain Ambassador" (1876, Museum van fijne kunsten, Lyon), waarin het gebaar van de zanger twee delen van de compositie combineert:een optreden op het podium en een auditorium.
Wat dit werk betreft, de beroemde criticus J. Riviera schreef:“Hoeveel vrouwelijke figuren op de achtergrond, met hun mousseline jurken en waaiers, en toeschouwers die hun hoofd opheffen en letterlijk hun nek strekken, kijk enthousiast naar provocerende dansen en schurftig geschreven coupletten! Als ik me niet vergis, dan heeft deze zanger een alt doordrenkt met cognac... Het ongewone gebaar van de zanger, leunend naar het publiek, bevestigt zeker het succes van haar optreden. Zichzelf nooit herhalend als acteurs met uit het hoofd geleerde rollen, ze doet een beroep op het publiek, vraagt hen, wetend dat ze precies zullen antwoorden wat ze wil horen, omdat zij het is die de tiran controleert, wiens ondeugden sussen. ”
Geschreven in 1878, het doek “Singer from Cafesantan” (of “Singer with a Glove, Kunstmuseum Vogt, Cambridge), is ook een zeer levendige vertegenwoordiger van deze serie. Ellis Degrange, die model stond voor dit doek, is eigenlijk helemaal geen zanger, maar een zeer beroemde pianist in Parijse kringen die bereidwillig instemde om voor Degas te poseren. De figuur van de pianist, heel dicht bij de kijker, is nog steeds niet het compositorische middelpunt van het doek. Deze rol wordt gespeeld door haar hand, gekleed in een zwarte handschoen. Om het gebaar een nog groter geluid te geven, Degas portretteerde het tegen een lichte achtergrond. De kunstenaar slaagde erin de ruimte van het werk zeer meesterlijk te organiseren. Het scherpe gebaar van de hand van de zanger, haar open mond en enigszins vervormde gelaatstrekken brengen het beeld zelfs dichter bij de karikatuur. Om dit effect te verminderen, de meester introduceerde zachte lichte kleuren in de kleuring:zachtroze highlights op de jurk en het gezicht van de heldin, en een bloem in haar haar.
De serie gewijd aan cafeshantans en hun bewoners bleek heel helder en eigenaardig te zijn. Alle werken van de cyclus onderscheiden zich door een zeer gedurfde compositorische constructie, die gericht is op het onthullen van het hoofdidee van het canvas. De uitstraling van kleur en licht, in Degas-schilderijen, transformeert de werkelijkheid in een fantasiewereld gevuld met een speciale taart charme.
Ballet
Het tweede favoriete thema van Edgar Degas was het vloeiende en dynamische element van dans. Zeker is dat de kunstenaar bijna twintig jaar lang regelmatig een abonnement op de Parijse Opera sloot. Hij verdiepte zich in het thema ballet, het bijwonen van theaters en danslessen. Kijkend naar het harde werk van de ballerina's, de kunstenaar herschiep de betoverende wereld van de dans. Hij schreef veel schilderijen gewijd aan hun repetities, waarbij elke beweging van de dansers werd geperfectioneerd, de voorstellingen waarin ze in een feestelijke sprankeling van spotlights aan het publiek werden gepresenteerd, en tijdens zeldzame momenten van ontspanning. Het meeste werk is gedaan in pastelatelier Degas, waar hij zijn modellen uitnodigde. Pas vijftien jaar later, de directeur van de Opera van Parijs liet de kunstenaar direct achter de gordijnen van het theater werken.
Een van de eerste werken die Degas in het theater schreef, was het schilderij "The Orchestra of the Opera" (circa 1870, Museum l'Orsay, Parijs). Het is een canvas van een klein formaat, waarvan de compositie is alsof ze per ongeluk is genomen tijdens de presentatie van een foto. De meester nodigt de toeschouwer uit om vanaf de zijkant van de orkestbak naar het podium te kijken. De hele voorgrond wordt ingenomen door muzikanten gekleed in zwarte rokjassen. De centrale plaats onder hen behoort toe aan het beeld van een vriend van de schilderes Desiree Dio, die fagot speelt. Het canvas is zo gerangschikt dat we alleen het onderste deel van de voorstelling op het podium kunnen zien. Het eerste dat de aandacht van de kijker trekt, is de felroze en blauwe tutu's van dansers, en pas daarna trekt de witte vlek van het overhemd van de muzikant zijn ogen naar de hoofdpersoon van de foto.
De kunstenaar wijdde een groot aantal van zijn volgende werken aan de dansers. De vroegste schilderijen in deze serie dragen een groot deel van de zogenaamd fotografische onbewogenheid waarmee de meester ballerina's portretteerde.
In zijn doek "Dansklas" (1871, Metropolitaans kunstmuseum, New York), de kunstenaar brengt op meesterlijke wijze de opwinding van een jonge danser over voor een cruciale repetitie. Een jong meisje staat op de achtergrond van spiegels, waardoor haar figuur enigszins verschoven van het midden de hele ruimte van de klas in beslag neemt. Alleen aan de linkerkant van de foto was er een plek voor de zwarte piano en de oudere begeleider die naast hem zat, who was just getting ready to start playing a melody for the dance. The picture is filled with silence reigning in a spacious room. Dancers warm up before the rehearsal. All work is permeated with a clear and harmonious musical rhythm conveyed by the artist through color through the clear coloristic thoughtfulness of the canvas.
Several works of the series, among which was the canvas “Dance Class”, Degas presented to the public in 1874 at the exhibition of the Impressionists. After her, he gained fame as an “artist writing dancers. “
The painting “Dance Lesson” (1874, Museum d’Orsay, Parijs), striking with convincing realistic interpretation of images, belongs to the same period. Degas depicted a fragment of a rehearsal, during which an elderly teacher, stopping the rehearsal, gives instructions and recommendations to his students. Light white figures of dancers occupy almost the entire space of a large hall, the naturalness of their poses and gestures gives the canvas convincingness. In dit werk, Degas captured the famous French choreographer Louis Merant, next to whom is one of the best dancers of the time, Josephine Gogelen.
The color of the picture plays a special role in it, built on a harmonious combination of gray, green, bluish-white and ocher shades, with numerous dark accents that bring clarity and clarity, forming a smooth linear rhythm, as if repeating the movements of the dance. The entire composition of the “Dance Lesson”, built on the principle of fragmentation, as it removes the action from the viewer, isolates it inside the illusory space created by the artist. Echter, in later works, the master intentionally brings graceful heroines closer to the edge of the canvas, and sometimes even cuts off the image of their figures, bijvoorbeeld, in such works as “Dancers” (1883, Dallas Art Museum), or “Before the exam” (1880), Denver Art Museum).
Unlike other canvases, where the artist paid attention mainly to the transfer of lightness and grace of all the movements of his heroines, in the work “Before the Exam” Edgar Degas decided to pay attention to their emotional state. On the canvas we see young dancers who are preparing for a responsible performance. On the right side of the composition depicts a girl whose pose is relaxed. Her shoulders and head are lowered, as if she is praying before going to the examiners. The second heroine massages her leg, gracefully leaning forward. Behind the girls on the bench were two elderly ladies, who were having a quiet conversation. Here Degas set out to depict an important moment in the life of the ballerinas – the moment when they tune in to perform, right before they enter the stage, where they will shine in the luxurious spotlights.
The most famous work on the subject of dance is the painting “Blue Dancers” (circa 1898, the A. Pushkin State Museum of Fine Arts, Moscow), where the master was able to achieve special compositional and color expressiveness. In the work, the graceful heroines of which correct their costumes before the performance, the artist managed to use the artificial lighting effect so skillfully that the entire canvas turned out to be filled with radiance and sparkling threads of dance melody.
In the work of 1877, The Final Arabesque (Musee d’Orsay, Parijs), similar intonations can be noted. The canvas is arranged in such a way as to give the viewer the opportunity to peek behind the curtains from above, to watch how the ballerinas are preparing for the upcoming appearance on the stage. The foreground of the painting is a figure of prima, depicted on the darkened background of an empty scene. The ramp lights illuminate her face and light yellow suit, likening the girl’s figure to a graceful flower.
Almost all works on the theater and dancers Degas performed in pastel technique. The master, who knew how to go beyond the usual stereotypes, and here developed his own unique style. His methods of applying the paint layer, with distinctive separate strokes, more like strokes, seemed to combine drawing and painting.
Aesthetics of hard work
Throughout his work, the artist was distinguished by a genuine interest in the characteristic features of the behavior of people belonging to different sectors of society. Degas has always been interested in the features of their plastics, specific gestures and movements, in a word, everything that he could transfer to the canvas. Throughout his life, the painter remained steadfastly addicted to certain topics that contributed to the expression of his creative interests.
Degas was very fond of everyday scenes in which the main characters were the saleswomen of haberdashery and hats, laundresses and ironers. In all the plots, the artist was attracted by characteristic poses and professional movements. Dankzij dit, he was able to discover completely unexpected decorative effects associated with the rhythmic interaction of silhouettes and matching figures. Most of the paintings that make up this series, als een regel, were created outside the domestic environment, which helped Degas achieve a high level of social generalization.
Bijvoorbeeld, in the painting “Ironmaker” (circa 1869, New Pinakothek, Munich), the artist sought to convey the routine and monotony of the heroine’s daily work. The young girl depicted on the canvas holds the iron in his right hand, and moves the fabric with his left. To give greater dynamism, Degas made a double contour of the ironing skirt, emphasizing the efforts that she has to make. Immediately after returning from America, in 1873, Degas wrote another work under the same title, but with great expressiveness. On the new painting “Ironmaker” (Metropolitan Museum of Art, New York), the main character stands in profile, her dark silhouette stands out sharply against the background of a light-flooded window. Through this contrast and excellent transmission of the woman’s professional movements, the artist was able to masterfully reproduce the atmosphere prevailing in Parisian laundries.
The next canvas of the cycle – “Two Ironworkers” (Musee d’Orsay, Parijs), created much later, in 1884, is perhaps the most famous. The work is written with wide nerve strokes, perfectly conveying the fluctuation of air around working girls. The color scheme, based on a comparison of blue, brown-ocher, golden and white tones, is characterized by increased decorativeness, which distinguishes this work from the previous ones.
Degas was not the only outstanding Parisian artist who loved the theme of ironers and laundresses. His work on this subject was often compared with the canvases of Honore Daumier. The critic Armay Sylvester, in 1879 wrote about this in the newspaper “Modern Life”:“Let’s move on to something significant. Bijvoorbeeld, this is what is significant that appears on the rare canvases of Mr. Degas – always the same synthesis process conveyed to us with admirable artistic flair. Just look at how the ironer bent over hard work. If you look at the canvas from a distance, you might think that it was written by Daumier, but in a closer look it becomes obvious that this is more than Daumier. In this work there is a refined skill, the full power of which is difficult to convey. ”
Household scenes also include paintings depicting visitors to hat salons. Bijvoorbeeld, the painting “At the Fashionista” (circa 1882, Museum of Modern Art, New York), depicting a student of Degas Mary Cassatt. The compositional construction of the work is fragmented, built on the principle of photography. The girl trying on a hat is almost hidden behind the back of the chair depicted in the foreground. The modiste, who offers the visitor two more headdresses, is located on the left side of the canvas and is practically indistinguishable. The falling thick shadow makes the woman’s figure only a decorative element.
Dit werk, the plot of which seems unpretentious, was the fruit of much thought by the author. The artist attached great importance to the expressiveness and “melodiousness” of the line, it was with its help that he sought expression in the reflection of form. Daarom, to create a single rhythmic silhouette of the whole group, he specially simplified the volumes of the middle plan. Canvases dedicated to this topic have become a real pinnacle of Edgar Degas skill. In them, he managed to achieve a new expressiveness in displaying reality and give a monumental generalization to the ordinary everyday scene.
Nude work
Another type of everyday scenes that Degas devoted a lot of time to were naked women behind the toilet. Since about the 1880s, the artist began to create beautiful female images that do not fit into the generally accepted canons of that time. Degas rejected all conventions, the idealization of ideas about female beauty. “Beauty must be characteristic” – this postulate was taken by the master as the basis of his work. The artist argued that the nature of a naked body is best manifested in a variety of movements that can be natural only during bathing. So a series of works appeared, the heroines of which are busy with themselves:they wash themselves, wipe themselves, comb their hair and are so absorbed in their thoughts that they don’t think at all to accept graceful and graceful poses.
A vivid example of such a plot is the Taz pastel composition (1885, Hill Stead Museum, Farmington), whose main character just bent down to wet her sponge in water. Her smooth gesture is full of naturalness, and the composition is devoid of anything that could distract the attention of the audience from the girl. Volgend jaar, the artist wrote another work with the same name (Mray d’Orsay, Paris). In this picture, the heroine crouched in the center of the pelvis and, leaning on her hand, washes her neck. The figure of the girl is softly outlined by the light pouring from the window. To achieve greater expressiveness, Degas used contrasts, sometimes emphasizing the female body, then gently "merging" it with drapery. A third of the composition is a wide white shelf with toiletries:a jug with clean water, a comb and a hairpin. So the artist emphasized the depth of the room.
Constantly returning to the same topics, poses and gestures is explained by Degas’s uncontrollable pursuit of excellence. Friends joked about the artist, saying that "to make him stop redoing a picture, you can only select it." The painter was simply obsessed with the desire to truly capture any movement. A special place in the work of Degas is given to the images of women combing hair. Here, the artist never copied previously found compositional techniques, tirelessly looking for new ones.
One of the most famous pastels of this cycle, “A Woman Combing Her Hair” (1886, het Staatsmuseum de Hermitage, St. Petersburg), can serve as a perfect example of the artist’s constant search for an ideal pose and natural gesture. The work has several options, one of them is stored in a private collection of Morris (Philadelphia), and another at the Metropolitan Museum of Art (New York). In all versions, the heroine is depicted from the back, which allowed Degas to most convincingly convey her movements. The artist emphasizes the volume and depth of the shadow with elastic lines of the contour, creating expressiveness of the smooth movements of the heroine combing her red long hair.
Overuren, Edgar Degas develops his own aesthetics of motion transmission. The master sought not only to fix the position of the arms, legs and body with photographic accuracy, but to feel and convey with maximum expressiveness the complex interaction of all parts of the body. Working on the works of this series, the artist made an attempt to create his own system, which would allow him to depict the specific pose of a woman extremely accurately, but in the most generalized terms.
In later works by the artist, the movements of the heroines become sharper, the shape of the body began to be conveyed more simplistically and often outlined by a sharp contour. A vivid example is the painting “A Woman Leaving the Bath” (1900, private collection). It is very clearly visible on how the late style of the master gained sharpened expression, generalization of forms and decorativeness. The painter proved that the body can be even more expressive than the face, daarom, completely ordinary motifs in his art received a poetic expression of life energy, graceful grace and beauty.
The last years of the master
At the beginning of the 20th century, Edgar Degas’s disease worsens so much that it almost completely loses sight. Unable to express himself in any other way than art, the master begins to seriously engage in sculpture, which he calls the "craft of the blind."
The themes that Degas tried to embody in a new form of creativity remained the same as in painting:jockeys, dancers and bathers. He sculpted small sculptures for himself, so a very small number of them were brought to the end, such as “The Little Fourteen-Year-Old Dancer”.
Contemporaries of the artist noted that at the end of life, despite a sharp deterioration in physical condition, Degas’ interest in music, photography and poetry only intensified. In the circle of friends, he often began to sing Neapolitan songs, echter, somewhere from 1895, the painter almost completely stopped talking with friends and rarely left the house, continuing to communicate only with a very narrow circle of close people.
Already after 17 years, in 1912, Edgar finally quit working. By this time he is already blind and completely worn out. There were several reasons for this poor state of the artist, this year his sister Teresa dies, and the painter himself has to leave his beloved house because of the reconstruction, which could no longer be postponed.
27 september 1917 Edgar Degas died at the age of eighty-three years. The funeral was very modest – as the artist himself wished. Among the friends who came to take him on their last journey were Claude Monet, Leon Bonn, Mary Cassett, Henri Lerol, Jean-Louis Foren, Ambroise Vollard and many others. In his last will, Degas requested not to give mourning speeches during the funeral. Separately, he emphasized that if Foren really wants to say a few words, let them be very simple and concise, like:"He, like me, loved to draw most of all." Edgar Degas already became a recognized great painter during his lifetime, his paintings were bought up at fabulous prices, and although the artist’s last years were rather joyless, he still lived a rich and vibrant life and remained forever in the history of art.
Zhuravleva Tatyana
