Francisco de Goya en Lucientes (1746-1828)
De uitstekende vertegenwoordiger van de Spaanse schilderschool, Francisco José de Goya en Lucientes, is een unieke kunstenaar die in zijn kunst het tragische lot van het Spaanse volk wist te belichamen, zijn hoop en ontelbare lijden, duurzaam doorstaan met eindeloze vitaliteit. De inspiratie voor de kunstenaar waren de echte gebeurtenissen die in zijn land plaatsvonden. Geen andere macht hebbend dan de macht van de kunst, de kunstenaar uitte door middel van zijn schilderijen zijn persoonlijke houding ten opzichte van de realiteit om hem heen en wat er gebeurde in zijn geliefde thuisland.
Foto's van Francisco de Goya y Lucientes
De vroege jaren van de grote meester
De toekomstige grote kunstenaar Francisco Goya werd geboren in het kleine dorpje Fuentetodos, gelegen tussen de Aragonese rotsen in het noorden van Spanje, op 30 maart, 1746 in de familie van meester vergulder Jose Goya. De vader van de kunstenaar was geen gewone burger, hij kwam uit een familie van een rijke notaris die zijn specialiteit in Zaragoza ontving. Deze situatie stelde hem in staat te trouwen met een vertegenwoordiger van de laagste lagen van de Spaanse adel, Don Garcia Lucientes. Na een bescheiden bruiloft, het jonge gezin verhuisde naar het landgoed, geërfd en gelegen in Fuentetodos. Volgens de toenmalige Spaanse wet edelen konden alleen leven van het inkomen van hun bezittingen, en had geen recht op werk.
In deze stand van zaken, de familie Goya kon nauwelijks rondkomen. Dit dwong het hoofd van het gezin om zijn huishouden terug naar Zaragoza te vervoeren, waar hij zijn vak kon uitoefenen. Wat gebeurde er in 1759. Nadat hij zijn financiële situatie na de verhuizing enigszins had verbeterd, de familievader stuurde zijn drie zonen Thomas, Camillo, en Francisco naar de basisschool van Joaquins vader. Ik moet zeggen dat de opvoeding die de jongens daar kregen moeilijk goed te noemen is, Pater Joaquin gaf de voorkeur aan theologie boven geletterdheid, die tot uiting kwam in het hele verdere leven van de kunstenaar. Tot het einde van zijn leven, Goya schreef met fouten, en zijn uitspraak en vocabulaire verraden onmiskenbaar een gewone burger in hem. Waar, het moet worden opgemerkt dat aan het einde van de achttiende eeuw in Spanje een goede opleiding slechts beschikbaar was voor een handvol elite.
Na het verlaten van de school, Francisco gaat naar een jezuïetenschool in Zaragoza. Zijn mentor, Vader Pignatel, merkte onmiddellijk de uitstekende artistieke capaciteiten van de jongen op en raadde het zijn familielid Jose Lusana y Martinez aan, die ooit hofschilder was. Vader Francisco was niet tegen en betaalde zijn zoon gedurende vier jaar kunstlessen. Gedurende deze periode, Francisco Goya begreep niet alleen de basis van schilderen en tekenen, maar creëerde ook tal van gravures en etsen van het werk van uitstekende Spaanse meesters. Reeds op dit moment, Francisco toonde ongelooflijk doorzettingsvermogen en vastberadenheid. Om maximale expressiviteit van het beeld van verschillende bewegingen van het menselijk lichaam te bereiken, de jonge kunstenaar, naast de werkplaats van Lucian, bezocht ook de beeldhouwschool van Juan Ramirez. In het, hij maakte kopieën van sculpturen en maakte studentenstudies. Opgemerkt moet worden dat er in Spanje van deze periode een taboe was op afbeeldingen van een naakt lichaam, vooral een vrouw, daarom waren beeldhouwlessen voor Goya bijna de enige gelegenheid om de menselijke anatomie te bestuderen.
Dankzij zijn doorzettingsvermogen, Francisco vestigde zich al snel als een briljant kopiist, subtiel de kenmerken van de artistieke manier en stijl van illustere schilders begrijpen. Dankzij dit, in 1760, hij kreeg zijn eerste opdracht voor het schilderen van een reliekschrijn in een kerk in Fuentetodos. Helaas, dit werk werd in 1936 tijdens de Spaanse Burgeroorlog volledig verwoest. Maar het uiterlijk kan worden gereconstrueerd aan de hand van overgebleven foto's. De buitenzijden van de houten reliekschrijnvleugels waren versierd met de afbeelding "The Appearance of the Madonna del Pilar voor St. James", en aan de binnenkant waren afgebeeld "St. Franciscus van Paula' en 'Madonna met kind'. Volgens het overgebleven bewijs, tijdgenoten prezen het werk van de kunstenaar, hoewel Goya, wie heeft haar gezien, al op hoge leeftijd zijn, was verontwaardigd:"Zeg niet dat ik het heb geschilderd!".
in 1763, de zeventienjarige Goya, die uiteindelijk besloot zijn leven te verbinden met kunst, verliet Zaragoza en ging naar Madrid. De eerste jaren van het verblijf van de kunstenaar in de Spaanse hoofdstad zijn gehuld in geheimen en legendes. Uit betrouwbare informatie die ons heeft bereikt, het is pas bekend dat eind 1763, onmiddellijk na zijn aankomst in Madrid, Francisco vroeg een beurs aan bij de Royal Academy of Fine Arts in San Fernando, maar werd geweigerd. Wat Goya de komende twee jaar in Madrid deed, is volledig onbekend. in 1766, Francisco nam deel aan een door de Academie aangekondigde wedstrijd over een thema uit de Spaanse geschiedenis. De opdracht was als volgt geformuleerd:"Martha, de keizerin van Byzantium, arriveert in Burgos bij koning Alfonso de Wijze om hem te vragen om een deel van het bedrag dat de sultan heeft aangesteld om haar man vrij te kopen, de gevangene van keizer Boudewijn, en de Spaanse monarch beveelt haar dat bedrag te geven." Ramon Bayer ontving de gouden medaille van de wedstrijd, en Goya faalde, die slechts een van een reeks mislukkingen werd die hem in de eerste periode van zijn werk achtervolgden.
Maar deelname aan de wedstrijd bracht Goya enig voordeel, waar hij Ramon Bayeu en zijn broer Francisco ontmoette, lid van de academische jury, waar hij meteen de studenten binnenstapte. Ongeveer drie jaar lang, de jonge schilder woonde en studeerde in het huis van een nieuwe mentor, gedurende die tijd werd hij hartstochtelijk verliefd op zijn zus Josef. Goyal genegenheid weerhield Goya er niet van om in 1769 naar Rome te vertrekken, waar hij zijn opleiding voortzette.
Helaas, geen betrouwbare informatie over de twee jaar van Francisco de Goya's leven in Italië is bewaard gebleven. De enige overgebleven gegevens vermelden de deelname van de kunstenaar aan een wedstrijd van de Academie voor Schone Kunsten van Parma. Als onderdeel van de wedstrijd, maakte hij het schilderij "Hannibal, starend vanaf de hoogten van de Alpen in de velden van Italië." Het doek had enig succes bij de jury, echter, Goya had weer pech. Met een marge van slechts één stem, de gouden medaille van de wedstrijd ging weer naar een ander.
Erkenning van talent
in 1771, Francisco Goya keerde terug naar Zaragoza, teleurgesteld en moe van het falen. Na enkele maanden, de kunstenaar glimlachte eindelijk geluk, hij ontving zijn eerste bestelling. Het was nodig om een reeks religieuze schilderijen te voltooien in de kapel van het paleis van de plaatselijke graaf Gabard de Sobradiel. Goya deed zijn best, als resultaat, de fresco's bleken van zeer hoge kwaliteit en geliefd bij de klant. Dit was het eerste grote succes van de schilder in het professionele veld.
Spoedig, de kunstenaar kreeg de opdracht om een reeks schetsen te maken voor de fresco's van de koepel van de kathedraal van Madonna del Pilar in Zaragoza. Voor een maand werk, Goya slaagde erin werken te maken die de leden van de commissie voor de wederopbouw van de kathedraal troffen. Dit was het tweede succes dat aantoonde dat Francisco in staat was om prachtige muurschilderingen te maken. Hoewel, het moet worden vermeld dat een belangrijke rol in het feit dat Goye de bestelling kreeg, werd gespeeld door de prijs van de werken, tentoongesteld door de kunstenaar zelf met tienduizend reais minder dan de rest van de deelnemers. Hoe dan ook, tegen het midden van 1772 was de kunstenaar klaar met het schilderen van de koepel. de fresco, getiteld "Aanbidding van de engelen in de naam van de Heer", werd gemaakt in de barokstijl. Verzadigd met talrijke figuren van engelen afgebeeld in het beeld van mooie vrouwen, waarvan de verscheidenheid aan hoeken de dynamiek van de compositie benadrukt, gebouwd op continue beweging, het bracht de kunstenaar een langverwacht en welverdiend succes.
Deelname aan de creatie van de pittoreske decoratie van de kathedraal van de Madonna del Pilar was een keerpunt in de carrière van de kunstenaar. Naast respect voor medeburgers en materieel welzijn, Goya kreeg ook een constante stroom van bestellingen, wat zo belangrijk is voor elke artiest. Zijn volgende werk was de creatie van een hele cyclus van fresco's voor het klooster de Aul Dei en de kerk van di Menuel. Hierdoor kreeg Francisco een goede positie in de samenleving en werd hij de meest succesvolle artiest in Zaragoza. Er kwam een tijd dat Goya het zich eindelijk kon veroorloven om te trouwen.
In het vroege voorjaar van 1773, de kunstenaar ging met zijn leraar Francisco Bayeu naar Madrid om de handen van zijn zus Josefa te vragen. Alles is goed gekomen, en de gelukkige geliefden trouwden tijdens een prachtige ceremonie, gehouden op 25 juli van dat jaar. Onmiddellijk na de bruiloft, de pasgetrouwden gingen naar Zaragoza, waar Francisco talloze onvoltooide orders wachtte. Hoe vreemd het ook mag lijken, praktisch geen informatie is tot ons gekomen over de metgezel van het leven van de grote schilder, noch in haar privé-, noch in staatsarchief zijn er brieven of recensies van haar tijdgenoten, er is zelfs geen informatie over het aantal kinderen dat in bijna veertig jaar van hun leven samen is geboren. Het is algemeen aanvaard dat alle kinderen van de kunstenaar op jonge leeftijd stierven, en slechts een van zijn zonen, Francisco Javier Pedro, werd een echte steun voor zijn vader en de opvolger van zijn werk. Biografen en kunsthistorici kunnen alleen maar aannemen dat Josefa een toegewijde echtgenote en een zorgzame bewaker van de haard was, maar het was duidelijk dat ze weinig interesse had in het sociale leven. Alleen de datum van haar overlijden, 1812, betrouwbaar bekend is. Het is verrassend dat tijdens zijn lange gezinsleven, Francisco Goya schilderde slechts één portret van zijn vrouw.
Een baan vinden aan het koninklijk hof
Begin 1774, grootschalige werkzaamheden begonnen aan de reconstructie van wandtapijten van de koninklijke fabriek van Santa Barbara. De restauratiecommissie bestond uit Antoine Rafael Mengsu en Francisco Bayeu. De tweede was verantwoordelijk voor de distributie onder de pretenderende kunstenaars van orders voor het maken van schetsen van toekomstige wandtapijten. Dankzij dit, Goya en Ramon Bayeu ontvingen een grote order, waardoor ze een vaste en goedbetaalde baan kregen. Deze bestelling vergemakkelijkte de verhuizing van de kunstenaar naar Madrid met zijn hele familie.
De onderwerpen van de eerste schetsen in opdracht van de schilder waren jagen en vissen. Goya maakte snel schetsen van thematische scènes op karton. Ondanks de nogal droge en ingehouden stijl van schetsen, met praktisch geen uitgewerkte ruimte rond de personages, ze kregen de goedkeuring van de koning, en de kunstenaar kreeg een nieuwe opdracht, het thema was een scène uit het leven van gewone Spanjaarden.
Hier werd het ware talent van de schilder onthuld. Deze schetsen legden de basis voor een reeks ingenieuze werken die de kunstenaar eeuwenlang verheerlijkten. Hij koos fel geklede jonge vrouwen (mahi) en hun kleurrijke metgezellen (maho) als de helden van zijn karton. De composities zijn gebaseerd op verhalen uit het leven van de mensen:games, vakantie, straattaferelen. Geluidsrijke tonen van de schilderijen brengen op realistische wijze de zorgeloze sfeer van universeel plezier over. In zijn werken, de kunstenaar met grote observatie toonde een verscheidenheid aan volkstypen en levendige nationale kostuums, evenals vrije tijd en omgangsvormen van stedelijke jeugd. Volgens de smaak van zijn tijd, de meester idealiseerde enigszins de vormen van zijn personages. Maar het kleurenpalet van de kunstenaar wordt hier in al zijn glorie getoond - talrijke kleurnuances van verschillende tonen onderscheidden Goya onmiddellijk onder zijn tijdgenoten.
De meest opvallende werken uit deze periode zijn de schilderijen "Verkoper van gerechten" (1779, Prado-museum, Madrid), “Feesten op de dag van St. Isidorus” (1788, Prado-museum, Madrid), "Maha en haar fans" (1777), Prado-museum, Madrid) en anderen. Maar het beste werk onder hen is karton voor het Umbrella-tapijt (Prado Museum, Madrid), geschreven in 1776. De schets is een eenvoudige genreschets. Op de voorgrond zit een lieftallig meisje in een elegante pose, alsof ze zichzelf aan de kijker toont, een innemende glimlach op haar lippen. De jonge metgezel van het meisje staat links van haar, de jongedame tegen de zonnestralen blokkeren met een open paraplu. De samenstelling van het karton is doordrongen van de vreugde en zorgeloosheid van het leven. Het hoogtepunt van de foto was het complex, bijna fantastische verlichting, waarmee Goya een harmonieuze muzikale smaak creëert, gebouwd op pastelkleuren.
De verlichting van dit werk aan het koninklijk hof werd beïnvloed door de verlichting van de geest van de Franse Verlichting, met zijn vertrek uit de strikte kanunniken, zo vereerd eerder in Spanje. Dankzij dit succes onder de aristocratie, op 7 mei, 1780, Francisco Goya werd unaniem verkozen tot de nieuwe leden van de Royal Academy of Fine Arts van San Fernando. Al in 1785, hij werd de vice-directeur, na nog eens tien jaar – de directeur van de schilderafdeling van de Academie.
Tussen 1786 en 1791, een verandering van intonatie is gepland in het karton van de meester. Meer en meer in zijn werken, de wens om niet de externe aantrekkelijkheid van de plot over te brengen, maar de emotionele toestand van de personages, die meer "aards" werd door de uiterlijke glans en schoonheid te verliezen, zo kenmerkend voor het eerdere werk van de kunstenaar, wordt gemanifesteerd. Dit is duidelijk te zien in werken als The Blindfold Game (circa 1788-1790, Prado-museum, Madrid) en The Wounded Mason (1786 Prado Museum, Madrid), die een van de belangrijkste werken van deze periode werd.
Het beeld onderscheidt zich door een werkelijk dramatische plot:jonge arbeiders dragen in de armen van hun kameraad die van een hoogte is verscheurd. In hun poses en in hoe de kunstenaar de volumes van hun lichaam interpreteert, een zekere toewijding van de meester aan de tradities van het classicisme komt door. De koude kleur van de compositie is gebaseerd op een combinatie van blauwtinten, grijs en oker. Hoewel het werk nog niet die doordringende tragische klank heeft, zo kenmerkend voor veel van Goya's latere schilderijen, het weerspiegelt al volledig de basisintonaties van het volwassen werk van de meester.
Aan het einde van zijn werk voor de koninklijke fabriek, Goya creëert nog een eigen meesterwerk - "The Doll" ("The Game in the Pele", 1791-1792, Prado-museum, Madrid). Na ongeveer achttien jaar in de Santa Barbara-fabriek te hebben gewerkt, de kunstenaar maakte meer dan zestig kartons. Door de jaren heen, de meester heeft niet alleen invloedrijke vrienden en mecenassen verworven, maar ook veel jaloerse en slechte wensen.
De evolutie van de portretkunst van de kunstenaar
Werken aan schetsen voor wandtapijten, Goya schilderde veel aangepaste portretten tegelijk. Zijn vroege werken van dit genre spreken van het grote verlangen van de kunstenaar om koste wat kost te slagen, dit is vooral merkbaar in de manier waarop de schilder zijn edele modellen vleide.
Een voorbeeld is het ceremoniële "Portret van graaf Floridablanca" (1783, Bank van Urquijo, Madrid), waarin de almachtige premier ten voeten uit is afgebeeld, in zijn kantoor gekleed in alle regalia van macht en macht. De persoonlijke spullen rond de graaf getuigen van zijn hobby's, zijn figuur op de foto wordt geaccentueerd door lichtgevende felle kleuren, en staat in schril contrast met zijn omgeving. De premier is niet de enige afgebeeld - zijn secretaresse staat achter in de kamer, en links van graaf Goya heeft hij zichzelf afgebeeld op een van zijn werken. Op de foto, Floridablanc merkt anderen niet op en kijkt rustig voor zich uit, het gebeurde ook in het leven. De graaf reageerde koel op het werk van de kunstenaar en betaalde niet eens de schilder die hoge verwachtingen had van een ontmoeting met zo'n invloedrijk persoon, verwacht een beschermheer in zijn gezicht te zien.
De kunstenaar leerde een bittere les en later, in hetzelfde jaar, tijdens een bezoek aan de villa van de broer van de koning van Spanje - Infanta don Luis de Bourbon, waar hij zijn familieportret schilderde, hij probeerde zulke hooggeplaatste personen niet langer te vleien. In zijn werk op deze foto, de wens om de diepte van karakters en de individualiteit van elk model over te brengen is duidelijk getraceerd.
De compositie van het "Portret van de familie van de Infanta Don Luis de Bourbon" (1783, Magnani Rock Fonds Mamiano Foundation, Parma) is gebouwd op het principe van alledaagse genretaferelen. De hele familie van don Luis verzamelde zich rond een tafeltje waarop de infante solitaire neerlegde. Maar het echte middelpunt van de compositie is helemaal niet hij, maar zijn vrouw Maria Teresa, gekleed in licht, alsof glimmende kleren. Haar haar wordt gekamd door de kapper die achter haar staat. Aan de linkerkant van het doek, Goya beeldde zichzelf opnieuw af terwijl hij aan dit schilderij werkte. Een vrij groot doek (248 x 330 cm) toont goed de toegenomen vaardigheid van de kunstenaar. De kunstenaar slaagde erin de karakters van de helden op een tactvolle en tegelijkertijd zeer realistische manier over te brengen. De kleur van het werk is gebaseerd op een mix van donkere warme kleuren met lichte accenten van blauw en groen, het canvas een sonore muzikaal geluid geven.
Na het maken van dit portret, Goya vond eindelijk waar hij van droomde:kennismaking met de invloedrijke en machtige patronessen, die de hertoginnen Alameda Osuna en Alba werden. De kunstenaar slaagde erin om met hen op te schieten, ondanks het feit dat ze altijd en in alles gezworen rivalen waren. Een nieuwe fase begon in zijn leven, zijn carrière was nu gedoemd tot een snelle stijging.
Spoedig, de kunstenaar begon te werken aan een portret van de bruid van graaf Floridablanca. “Portret van de markiezin de Pontejos y Sandoval, hertogin van Pontejos” (1786, Nationale fotogalerij, Washington) is gemaakt in het strikte kader van het paradeportret. De stijl van het werk ligt zeer dicht bij de vroegste werken van dit genre. De figuur van de markiezin is afgebeeld tegen de achtergrond van een ideaal landschap (Goya zal deze techniek gebruiken voor vrouwenportretten tot het einde van de 18e eeuw), haar hele beeld is natuurlijk en kalm. De prachtige zijden jurk van de heldin, geschilderd door de kunstenaar met grote vaardigheid, leidt de kijker af van de droevige uitdrukking van haar gezicht.
Twee jaar later, Goya zal nog een van zijn beroemde groepsportretten schrijven - "De familie van de hertog van Osun" (1788, Prado-museum, Madrid). In dit werk, een nieuwe manier van de kunstenaar is al gemanifesteerd, die in de toekomst de meest opvallende manifestatie van zijn individuele stijl zal worden. Het belangrijkste kenmerk van zijn werk is de focus op de psychologische toestand van zijn helden. Tegelijkertijd, om de aandacht van de veeleisende blik van vooraanstaande klanten af te leiden van zijn eigen beoordeling van hun persoonlijkheden, Goya tekent zorgvuldig en meesterlijk de fijnste details van hun prachtige kleding en sieraden. De achtergrond van de portretten wordt monofoon, zodat niets de kijker afleidt van de beschouwing van modellen. De meest opvallende voorbeelden van portretten uit deze periode zijn het "Portret van Don Manuel Osorio de Zoonig" (1788, Metropolitaans kunstmuseum, New York).
Spoedig, Tenslotte, de droom van de kunstenaar kwam uit - in april 1789, Goya kreeg de door hem gewenste functie van hofschilder. Ik moet zeggen, succes draaide zijn hoofd zo erg dat hij de vervaardiging van karton voor wandtapijten begon te negeren. Dit leidde tot de woede van de kunstenaar van de directeur van de fabriek, die onmiddellijk een klacht bij de koning schreef. De oude mentor van de schilder Francisco Bayeu moest hard werken om het goed te maken voor zijn familielid en het schandaal de kop in te drukken. Gelukkig voor Goya, alles is gelukt, en hij begon rustig aan het hof te werken, portretten maken van machthebbers. Dus, in 1795 schrijft hij zijn beroemde "Portret van Maria Theresa Cayetan de Silva, Hertogin van Alba" (Prado Museum, Madrid). Het beeld van de hertogin is zeer effectief, een witte jurk in scherp contrast met een bos krullend zwart haar en rode accenten in de vorm van een brede satijnen riem, de dunne taille van de heldin strakker maken, en met rode strikken op haar borst en haar. Deze contrasterende kleurencombinatie geeft het hele doek een majestueuze klank.
Schilderij van de kerk van St. Anthony
Naast constante bestellingen voor etsen en portretten, de hofschilder Francisco de Goya ontving zeer eervolle en winstgevende opdrachten voor het maken van monumentale schilderijen. Dus in 1798, Koning Carlos IV gaf de kunstenaar de opdracht om de koepels en muren van de pas voltooide tempel van San Antonio de la Florida te schilderen.
De kerk werd gebouwd in opdracht van de koning door de beroemde architect van de tijd Fontana, die erin slaagde het werk in slechts zes jaar te voltooien, van 1792 tot 1798. De fresco's van de tempel moesten vertellen over het leven van St. Antonius van Padua, de monnik van de Franciscaan die in de XIII eeuw leefde. Voor zesendertig jaar die hem zijn toegewezen, St. Anthony verwierf bekendheid als een uitstekende redenaar. Verhalen en legendes en zijn deugdzame leven, wonderen en soulvolle preken waren bekend in het hele land, hij werd zelfs de "Lamp van de Orde" genoemd.
In het werk aan de fresco's, de kunstenaar kreeg volledige vrijheid van handelen, en Goya maakten van de gelegenheid gebruik om de traditionele canons van de kerkschilderkunst te heroverwegen.
Volgens traditie, de hele couponruimte bij het maken van fresco's moest worden ingenomen door afbeeldingen van engelen, een kruis of Christus. Goya besloot daar een complot te plaatsen gewijd aan het wonder van de opstanding van de doden door St. Anthony, uitgevoerd voor een verbaasd publiek. Met dit gebaar de kunstenaar verhief de heilige aan wie de tempel was gewijd. De schilder plaatste engelen en aartsengelen op de muren en ondersteunende bogen, en kleine engelen bezetten de zeilen.
Goya's opstandingsscène kreeg een volledig realistische interpretatie. St. Antonius wordt afgebeeld met zijn metgezellen, omringd door een divers publiek, die zijn daden nauwlettend in de gaten houdt. In een poging om het fresco maximaal realisme te geven, de kunstenaar concentreerde zich op het overbrengen van de beelden van gewone mensen, het afbeelden van de menigte alsof het hier rechtstreeks uit de straten van Madrid kwam. De circulaire compositorische oplossing geeft het werk het effect van continue beweging en dynamiek. In tegenstelling tot de realistische afbeeldingen van het centrale fresco, Goya schilderde de vertegenwoordigers van het hemelse leger af als geïdealiseerd en verfijnd verfijnd. Het schilderij van deze tempel wordt nog steeds beschouwd als een van de beste monumentale en decoratieve werken van Goya.
Afbeelding van menselijke ondeugden
De jaren 90 van de 18e eeuw werden een keerpunt in het bewustzijn en werk van Goya. Een ernstige ziekte die ertoe werd aangezet het leven en werk van de kunstenaar te heroverwegen, zoals vaak gebeurt. De eerste aanvallen van een onbekende ziekte overkwam de schilder in de herfst van 1792. Ernstige migraine, afgewisseld met duizeligheid, eindigde in gedeeltelijke verlamming. Bovenal, de ongelukkige kunstenaar was bang zijn gezichtsvermogen te verliezen. De ziekte verlamde de morele geest van Goya, hij was voortdurend in een sombere bui, en zijn dierbaren vreesden ernstig voor zijn leven. Gelukkig, deze aanvallen eindigden relatief goed, al in de lente van volgend jaar, de schilder voelde zich veel beter.
In de zomer, de kunstenaar herstelde bijna volledig van de ziekte, hoewel niet zonder verlies. De ziekte beroofde hem volledig van zijn gehoor, maar dit weerhield de meester er niet van om direct na herstel zijn penseel ter hand te nemen. Het ervaren lijden en de angst voor de dood wekten bij de kunstenaar een hartstochtelijke en oprechte interesse in het spirituele en sociale wezen van de mens. Hij keek met andere ogen naar de structuur van de Spaanse samenleving en herdacht zijn eigen waardensysteem. De levensvreugde en de uitstraling van de zon verlieten lange tijd het werk van de kunstenaar.
Dit alles bracht de schilder ertoe een reeks werken te maken met de titel "Caprichos" (Fads). Het omvatte tachtig etsen gemaakt tussen 1797 en 1799. In een fantastische groteske vorm, de kunstenaar weerspiegelde de gespannen sociale situatie en de hele onflatteuze kant van de feodale orde van Spanje.
Alle tekeningen maken menselijke ondeugden belachelijk:wreedheid, onwetendheid, lafheid, voorwendsel, egoïsme, goedgelovigheid, hebzucht en nog veel meer. Alle etsen in de serie zijn gebaseerd op het contrast van licht en schaduw, uitgedrukt door grote zwarte en witte vlekken. Goya toonde opmerkelijk symbolistisch talent en grote vindingrijkheid. Alle Caprichos-personages hebben een zeer levendige persoonlijkheid die de ondeugd uitdrukt die ze vertegenwoordigen. de poses, gebaren, gezichtsuitdrukkingen van de helden zijn zo expressief dat het onmogelijk wordt om te bepalen waar de waarheid is en waar de fictie.
De eerste werken uit de Capriccios-reeks zijn vooral gewijd aan ondeugden die vrouwelijke zielen verteren:verraderlijkheid, onstandvastigheid en bedrog. Op deze bladen jonge lieve vrouwen bedriegen hun heren gemeen, en de lelijke oude vrouwelijke procureurs houden zich bezig met de corruptie van onervaren meisjes.
Beginnend met blad 37, er zijn tekeningen gewijd aan onwetendheid:ze tonen afbeeldingen van ezels die genezen, speel muziek, leer elkaar, geef toespraken en poseer voor apen. Alle volgende etsen door het groteske laten ons duidelijk zien hoe de morele lelijkheid van mensen boze geesten voortbrengt. Op zwarte nachten, tovenaars en brownies voeren hun rituelen uit, lachen, grijns, op de sabbat bijeenkomen en hun ongelukkige slachtoffers kwellen. Maar als de zon opkomt, alle beesten verdwijnen of sterven niet, ze veranderen alleen hun uiterlijk, gewoon worden, uiterlijk respectabele mensen. En zo eindeloos.
Blad 43 - een gravure getiteld "De droom van de rede geeft monsters" - is een van de beroemdste geworden. Goya voorzag hem van interessante begeleidende opmerkingen:"De verbeelding die door de geest wordt verlaten, geeft aanleiding tot ongekende monsters, maar in combinatie met de geest, het wordt de moeder van alle kunsten en de bron van wonderen die ze creëren. " In feite, dergelijke opmerkingen werden gemaakt door de kunstenaar op elk blad van de collectie, maar, volgens tijdgenoten dergelijke beschrijvingen van de plot maakten zijn perceptie verder gecompliceerd, “zijn ogen sluiten voor iedereen die geen idee had. “
Volgens het plan van de schilder, "Caprichos" zouden landgenoten opfleuren en besluiten hun door de aristocratie opgelegde positie onder ogen te zien. in 1799, Goya drukte op eigen kosten driehonderd exemplaren van de serie. vier exemplaren, zelfs voordat ze in de uitverkoop gingen, werden gekocht door de hertogin van Osuna. Nog eens 27 werden verkocht in de komende jaren. Waar, na een tijdje, Capriccios won nog steeds aan populariteit onder romantische kunstenaars.
De evolutie van stijl en wereldbeeld Al die tijd, de meester stopte niet met werken in het portretgenre, die hij voortdurend werd bevolen door de hofaristocratie. Weg van het vorige, enigszins oppervlakkige interpretatie van de personages en plots, hij ging over tot strikt intellectueel realisme. De schilderijen die aan het begin van de 18e en 19e eeuw zijn gemaakt, onderscheiden zich door een subtiel expressief systeem van artistieke technieken waarmee de kunstenaar de innerlijke essentie van de personages volledig kon onthullen. Deze werken weerspiegelen al de nieuwe trends in de schilderkunst, dicht bij de visuele idealen van het tijdperk van de romantiek.
De meester begint steeds meer aandacht te besteden aan psychologie, hij probeert de tragische samendrukking van de persoonlijkheid onder het juk van externe omstandigheden te benadrukken. Goya lijkt het potentieel van een individu te waarderen, ongeacht zijn sociale status. Vaak, dit wordt uitgedrukt in bijtend sarcasme, duidelijk zichtbaar in een aantal portretten van de machtigen. Een ander onderscheidend kenmerk van de nieuwe periode van het werk van de kunstenaar was het rijke kleurenpalet en het benadrukte plastic volume, Zilver grijs, luchtige kleur van de jaren 1790 was voor altijd in het verleden.
Aan het begin van de 19e eeuw, Goya kreeg een grote opdracht van de koninklijke familie voor de uitvoering van een serie van haar portretten. Een van de meest opmerkelijke werken uit deze periode was het "Portret van de familie van koning Carlos IV" (1800, Prado-museum, Madrid). Tijdens de uitvoering van dit grootschalige doek (met een afmeting van 280 x 336 cm), de kunstenaar slaagde erin om afzonderlijke portretten te maken van elk lid van de gekroonde familie. Het werk aan het familieportret zelf duurde ongeveer een jaar.
Het eerste dat de aandacht trekt bij het kijken naar deze foto is de pracht van de kostuums van alle leden van de koninklijke familie, met grote vaardigheid geschreven. Luxe stoffen, gewichtloze sluiers, iriserende juwelen en machtsornamenten overschaduwen de beelden van de helden zelf. Dit effect werd gezocht door de kunstenaar. Omdat, als je goed kijkt naar de bevroren pompeuze gezichten van familieleden, je kunt het subtiele psychologische kenmerk opmerken dat Goya aan elk van hen gaf.
Bijvoorbeeld, het beeld van koningin Mary Louise werd geschilderd met fotografische helderheid. De schilder schilderde realistisch haar haakneus, dubbele kin en dun, lippen gestrekt in een glimlach. Maria Louise staat in het midden van het doek, jongere kinderen staan om haar heen, Links staat koning Carlos IV, en haar oudste zoon in een blauw zijden hemdje staat rechts van de koningin. Vervolgens, hij wordt een tiran Ferdinand VII (kijk naar zijn boze gezicht). Naast Ferdinand is zijn bruid, ze wendde zich af van de kijker, aangezien op het moment van schrijven van de foto, een overeenkomst over hun huwelijk werd niet bereikt. In de linkerhoek van de afbeelding, in de diepe schaduw, Goya schilderde zichzelf.
Het portret brengt heel subtiel de relaties binnen de familie over. Als u aandacht besteedt aan hoe de karakters van de afbeelding staan, het is opvallend dat ze eruit zien als een gefragmenteerd, bevroren menigte die het hele doek vulde. De kunstenaar benadrukt opzettelijk de inconsistentie van hun opvattingen en gebaren. En de kleur van de foto zelf is gebaseerd op een verspreide combinatie van ongewoon kleurrijke vlekken.
Ondanks het feit dat geen van de gekroonde familie ook maar een zweem van verontwaardiging toonde over het voltooide werk (de koningin maakte zelfs grapjes over haar "mislukte" uiterlijk), het doek was de laatste bestelling die de kunstenaar van de koninklijke familie ontving.
Maar de belangrijkste werken van de kunstenaar uit deze periode (1800 – 1803) waren de doeken “Dressed Swing” en “Naked Swing” (Prado Museum, Madrid). Vermoedelijk, deze twee werken zijn gemaakt in opdracht van premier Manuel Godoy. Volgens bronnen, de originele namen van de schilderijen waren "Gypsy Dressed" en "Gypsy Nude". Het vrouwelijke beeld dat de kunstenaar op deze doeken creëerde, belichaamde een levendige en sensuele schoonheid, in schril contrast met de koude canons van het academisme. Betrouwbare informatie over de identiteit van het meisje dat model stond voor deze werken is niet bewaard gebleven. Volgens een versie, het was de minnares van Godoy, volgens anderen – de hertogin van Alba, WHO, volgens geruchten, had een vrij lange relatie met de kunstenaar zelf. Waar, hier is geen echt bewijs voor gevonden.
In de komende twee jaar zal van 1804 tot 1806, de kunstenaar creëert een aantal interessante vrouwelijke beelden. Deze omvatten Portret van Francisco Sabas y Garcia (1804, Nationale kunstgalerie, Washington), Portret van Dona Teresa Sured (1804-1806, Nationale fotogalerij, Washington) en Portret van Dona Isabel Cabos de Porsel (circa 1805, Nationale Galerij, Londen). Alle doeken zijn op een vrije manier geschreven, anders dan zijn vroege low-key werken. De meester, door delicaat vele verwante tinten te mengen, weet tot een zeer realistische interpretatie van de modellen te komen. De gezichten van jonge vrouwen zijn gevuld met een romantische impuls, en de poses en looks zijn vol vastberadenheid. Donkere doeken zijn een eerbetoon aan de gevestigde traditie van die tijd, maar, ondanks dit, de kunstenaar slaagt erin om het rijke geluid van alle kleuren en ongelooflijk realistische overdracht van jonge meisjes te bereiken. Een ander kenmerk van portretten is dat de schilder zijn outfits en accessoires niet selecteert, zoals het geval was in zijn eerdere werk, en de persoonlijkheidskenmerken van de heldinnen, hun karakter en psychologie.
Then the artist creates another work with memorable female images – “Swinging on the Balcony” (1805-1812, Metropolitaans kunstmuseum, New York). The canvas depicts two lovely young women sitting on the balcony. Op de achtergrond, in dark colors, the silhouettes of their companions are written out. The fragile figures of the girls, their crafty smiles and touching eyes look alluring and attractive, but the appearance of their companions is alarming and creates a sense of danger.
Soon a war broke out with France. Goya received many government orders for portraits of army generals, and in between created etchings assembled into a common series called The Disasters of War. In total, the series includes about eighty works. In hen, the painter depicted military operations without embellishment. Not of any heroism or ostentatious courage, only what actually happens in the war is the hardening of the human heart, which becomes capable of any atrocities and betrayals.
A series of etchings dedicated to the war, became the pinnacle of the artist’s realistic work. Many works reflect what the painter himself saw and experienced over the years. The whole tragedy of the Spanish people is depicted ruthlessly, truthfully, without a drop of idealization:mountains of corpses, looting, fires, famine, executions.
It should be noted that the painter’s goal, first of all, was not documentary accuracy, but the expression through this series of works of the tension and tragedy that he felt, passing through the years of the war. The deep subtext, the combination of reality and grotesque, allegory and science fiction along with a sober analysis of reality, and the sharp expressiveness achieved through sharp black-and-white contrasts predicted completely new development paths in the European engraving genre.
On a cardboard “A sad foreboding of what is about to happen” (1810, National Library of Madrid), a man in torn clothes is depicted, his arms are helplessly spread to the sides, and his eyes full of despair and tears are raised to the sky in a soundless question. Op de achtergrond, chaos and destruction reign, the losses that the hell of war inevitably brings with it. Etching opens the series “Disasters of War” and is, in feite, its leitmotif.
All the horrors of war go through a series of etchings of an eerie and frightening realistic sequence:countless corpses, violence against women, execution of rebels and carts with the dead. The events and images depicted by the master so accurately convey the essence of hostilities that they could serve as an illustration to absolutely any of the armed conflicts experienced by all mankind. It was important for the artist to emphasize that the victims of monstrous interstate conflicts are not only soldiers of official troops, but also defenseless civilians:children, old people, Dames. The series was able to come out in full assembly only in 1863, after 35 years spent under the rule of France.
The end of the first decade of the 19th century was a difficult, difficult time for Spain. Discontent in the country was constantly growing, and King Carlos IV proved to be a weak-willed and insolvent politician. In feite, the country was ruled by his spouse and her favorite – Prime Minister Manuel Godoy. They completely subjugated the king and squandered the treasury, bringing Spain to almost complete ruin. This caused popular unrest, which led to an acute crisis in the country.
In 1808, King Carlos abdicated in favor of the eldest son Ferdinand VII. While confusion was taking place at the Spanish court, caused by the division of power, Napoleon, taking advantage of the situation, captured the young ruler and put his brother Joseph on the Spanish throne, and brought his troops into the country. The French emperor motivated his action exclusively with good intentions, namelijk, the need to resist the ripening revolution. Thus began the bloody war of Spain with France.
This year, Goya creates his painting “The Colossus” (1808, Prado-museum, Madrid), in which he expresses all the confusion and tension prevailing in society. Most of the composition is occupied by a giant figure of a fierce Colossus, clenching his fists. A giant walks through Spanish land, touching thunderclouds. His appearance causes general panic. The figure of Colossus most likely personifies the mercilessness of war, bringing general ruin, destruction and chaos.
In the fall of the same year, the artist leaves the capital and goes to Zaragoza, already destroyed by French troops. The appearance of the ruined and burned hometown amazed the painter to the depths of his soul and gave him a new impetus to creativity.
Momenteel, Madrid was in a fever from the news. On the streets they said that the French did not just want to arrest, but to deal with the entire royal family. On May 2, 1808, crowds of people gather in front of the royal palace in Puerta del Sol. They demand from the French evidence that the youngest son of the former king Carlos IV, the thirteen-year-old prince Francisco de Paula, beloved among the people, is still alive. Gradually, the situation grew tense, the heated Spaniards rushed to guard the palace. They were met by armed rebuff. Locals are faced with Egyptian mercenaries – Mamelukes.
A few years later, in 1814, Goya depicted the scene of this event on a canvas entitled "The Second of May, 1808 in Madrid, the uprising against the Mamelukes" (Prado Museum, Madrid). The composition of the picture is extremely intense, everything is mixed in it – people, dieren, living, dead and wounded. The intense red-orange coloring of the canvas perfectly conveys the atmosphere of social disaster.
Napoleon’s troops brutally crushed the rebellion. On the same night, on the orders of the French monarch, an unprecedented in its cruelty massacre was carried out on the surviving rebels. Hundreds of Madrid were executed without trial, according to surviving evidence, many of them had no relation whatsoever to the uprising.
No real artist or poet could remain indifferent, being a direct witness to such events. Francisco de Goya also could not. Six years later, he created the painting “The Shooting of Rebels on May 3, 1808 in Madrid” (1814, Prado-museum, Madrid), which tells of a terrible tragedy. The picture shows us a scene that happened late at night in a wasteland outside the city. At a gentle slope of a hill, illuminated by the uneven light of a large lantern, French soldiers shoot the captured rebels. The painter presented the executioners as a faceless, strictly organized mass. The center of the work is a young peasant dressed in a white shirt. He spreads his arms wide, as if trying to protect his native land with his own body. The rest of the rebels, doomed to death, are represented in different ways. Someone obediently bowed his head, someone defiantly smiles directly into the executioners, others covered their hands with their hands, but none of them even tries to escape. The background in the picture is the silhouettes of the cathedral, torens, huizen, barely distinguishable from the darkness of the night. The composition of the picture is so expressive that it seems that deafening shots will now break the reigning silence. The gloomy and severe landscape complements the atmosphere of imminent tragedy.
With this picture, the artist sought not only to convey the cruel events from the history of Spain in order to excite the viewer with them, he wanted to depict the moral superiority of the Spanish people over his executioners, to express the rebellion of the national spirit.
Voluntary exile
With the advent of 1812, the artist suffered a personal tragedy, the beloved wife of Joseph died. The artist was very upset by the death of a faithful companion of his life, because after her departure, he had only one son left, who was already 28 years old. It is amazing that Goya did not write anything about his wife and only once depicted her in the picture – “Portrait of Josefa Bayu de Goya”. Judging by this canvas, Josefa was a simple kind woman. The artist himself, in spite of his short stature and unprepossessing appearance, was known as a lover of women, maybe therefore the modest Josef did not participate in the social life of society.
Like any painter, Goya experienced all his joys and sorrows through creativity. After the death of his wife, he set about creating a series of etchings designed to illustrate the work of Nicolas Fernandez de Moratan, “Historical Notes on the Emergence and Development of Bullfighting in Spain”. Nowadays, this series is known as "Tavromahiya", in it the artist showed the fearlessness of a person entering into battle with a wild and ferocious animal.
Toward the end of the second decade of the 19th century, Francisco de Goya, sick, tired and disappointed in the policies of the Spanish authorities, decided to leave the bustling capital for privacy. He bought a large two-story house on the banks of the Manzanares River, surrounded by large cultivated land. The artist moved more than one to a new shelter, nicknamed the House of the Deaf neighbors, followed by his distant relative Leocadia Weiss, with his little daughter Rosarita. Little is known about the life of this woman. In Madrid, she was famous for her scandalous behavior, but the deaf artist was obviously not embarrassed.
At the end of 1819, Goya fell seriously ill again. Leocadia and Rosarita courted him, trying to brighten up his serious condition. Thanks to this care and the efforts of Dr. Eugenio Garcia Arrieta, the artist was able to recover and even returned to painting. His first picture, after suffering, was dedicated to his savior – "Self-portrait with Dr. Arrieta" (Institute of Arts, Minniapolis) was painted already in 1820. In the center of the composition, the master portrayed himself, leaning his back on the shoulder of a young doctor. Eugenio brings a glass of healing broth to the artist’s lips. Op de achtergrond, in a darkened room, one can see someone’s silhouettes. The color of the double portrait is harmonious and calm. At the bottom of the canvas, the artist’s note:“Goya thanks her friend Arriet for the attention and care that saved his life during a dangerous illness, which he suffered at the end of 1819, at the age of 73 years. He wrote it in 1820. "
Having improved his health, Goya begins to work on a new series of prints called Los Proverbios (Proverbs), published by the San Fernando Academy in 1864, although it became known under a different name – “Disparates” (“Nonsense”). On 22 cardboards, Goya depicted all kinds of absurdities and absurdities – this was his author’s interpretation of national proverbs, which acquired a fantastic sound from the artist.
Scary visions
In the same 1820, Goya returned to monumental painting, deciding to paint the walls of his house. Dus, bijvoorbeeld, on the walls of a large room on the ground floor, the painter depicted a beautiful young lady in full growth – “A Woman in a Black Shawl” (Prado Museum, Madrid). There is no exact information, but perhaps this is a portrait of Leocadia Weiss herself. The Spaniard stands in a natural pose, resting with one hand on a high stone fence, which occupies most of the composition. The light black veil covering the woman’s face gives the image a certain mystery.
This mural has become the most pacified of all the works of the cycle, in which the master decided to reveal the hidden essence of man. Art history has not yet seen works of this kind. Goya’s murals are dominated by a frightening, diabolical, unnatural principle, ominous images appear as if in a nightmare. Perhaps the artist saw them in a dream, faith is not entirely in a dream, but in delirium. Goya himself in some letters mentioned that during his illness he suffered terrible hallucinations, maybe it was they who found their way out in the artist’s Black Paintings.
One of the most striking is the fresco "Saturn devouring its children" (1820-1823, Prado-museum, Madrid). Dim lighting snatches from the darkness the thin body of a god who, in a frenzied madness, devours his own child, tearing his body apart.
The fresco “Pilgrimage to St. Isidore” (1820-1823, Mray Prado, Madrid) is very revealing, demonstrating how much the artist’s worldview has changed. This comparison is very vivid because in his youth Goya already created a work dedicated to this topic:“Festivities on the day of St. Isidore” (1788, Prado-museum, Madrid) depicts one of the most beloved holidays of the people of Madrid. It is an annual procession to the banks of the Manzanares River, where a big picnic with dances was arranged. An indispensable attribute of the holiday was drinking more water from a healing spring found, according to legend, by St. Isidore. On the canvas of 1788 it is a colorful and cheerful national holiday. But at a late work, on the wall of the “House of the Deaf”, an alarming feeling of imminent misfortune reigns. On a dark and gloomy fresco on a dry ground a crowd of people wanderclinging to each other. On their faces are terrible grimaces of pain, fear, horror, animal malice and malice.
In the same spirit, the work “Sabbath of the Witches” (1820-1823, Prado-museum, Madrid) was done, although it was painted in lighter colors, all the space on it was occupied by the same “ugly” crowd. In the center of the composition is a black goat in a monastic cassock. Those around with a greedy gleam of crazy eyes listen to the personification of Satan. Drawing this "demonic tribe", the artist emphasizes that people have lost their human appearance, so their faces are like the faces of animals.
All the frescoes of the “House of the Deaf” have a strange and controversial character, they excite and scare. Spots of white, yellow and pinkish-red color suddenly flash, snatching separate images from the darkness, dan, Integendeel, envelop them. All fifteen scenes were done in dark colors, for this and the fact that the plots themselves are incredibly “dark”, the frescoes were nicknamed “Black Paintings”. They were on the walls of the house until the 1870s, until the new owner, Baron Emil Erlanger, a banker and a passionate collector, ordered to transfer all the plots to canvas. In 1878, he presented them at an exhibition in Paris, and three years later he donated all the works to the Madrid Prado Museum, founded by Ferdinand VII in 1819.
Relocation to France and the death of a master
The completion of the frescoes coincided with changes in the country. King Ferdinand VII in 1823 abolished the constitutional government, which Goya sympathized with. The artist, who was still a court painter, began to fear for his life and in the spring of 1824, he left for France.
He settled in Bordeaux, in a small cozy house, taking with him and Leona Leocadia with her daughter. Tegen deze tijd, the artist was already seventy-six years old. Goya worked a lot in France. He created portraits of his relatives and friends around him, mastered the technique of lithography. Around 1828, Goya created the work “Thrush from Bordeaux” (Prado Museum, Madrid) and a new series of etchings “Bulls of Bordeaux”.
Not long before his death, the painter traveled to Madrid, where he visited his son and grandson. The painter died on April 16, 1828, he was eighty-two years old. The ashes of Francisco de Goya were transported to Spain and buried in the Madrid Temple of San Antonio de la Florida, painted by the master many years ago.
All the work of the master had a huge impact on the formation and development of 19th century art. Just a few years after the death of the artist, his contribution to the artistic culture was evaluated at the pan-European level.
Zhuravleva Tatyana
