Valentin Aleksandrovitsj Serov (1865-1911)
De geweldige Russische kunstenaar Valentin Serov had het geluk om geboren te worden in een welvarend en begaafd gezin. De ouders van de schilder waren getalenteerde en veelzijdige mensen. Alexander Nikolajevitsj Serov, de vader van de toekomstige kunstenaar, was een componist, auteur van de opera's Enemy Force, Judith en Rogneda. Hij werd beschouwd als de beste muziekcriticus van zijn tijd en was ook een groot origineel artiest. In zijn jeugd, hij zou gaan schilderen, maar toen raakte hij geïnteresseerd in muziek en gaf hij zich er volledig aan over.
Foto's van Valentin Aleksandrovitsj Serov
Getalenteerde familie
Het was van zijn vader dat Valentine zijn buitengewone gave erfde, het vermogen tot ongelooflijk nauwkeurige waarneming van vorm en kleur, evenals zijn grote liefde voor dieren, die Serov Sr. het vaakst op zijn doeken afbeeldde. Alexander Nikolayevich was pas op vierenveertigjarige leeftijd getrouwd, al een volleerd componist en een volwassen man. Zijn uitverkorene was een jonge getalenteerde pianiste Valentina Semenovna Bergman, een oud-leerling van de muzikant.
De enige zoon van de Serovs werd geboren op 7 januari, 1865. Van kinds af aan, Valentin werd omringd door creatieve en buitengewone persoonlijkheden met verschillende sociale achtergronden, die regelmatig samenkwam in het huis van de componist en zijn jonge vrouw. Ze omvatten alle getalenteerde mensen van die tijd, muzikanten, wetenschappers, schrijvers, artiesten en acteurs. Onder de goede vrienden van Alexander Nikolayevich, die vaak zijn huis bezocht, waren beeldhouwer Mark Antokolsky, schrijver Ivan Toergenjev, met wie Serov het dichtst bij was en de kunstenaar Nikolai Ge, de eerste die kleine Valentijn inprentte, die bij hem bleef voor het leven, liefde voor paarden.
De familie Serov hield vaak literaire lezingen en concerten, als toeschouwers waarvoor de meid vaak werd uitgenodigd. Zulke leerzame avonden waren niet hun persoonlijke uitvinding, maar eerder een eerbetoon aan de toenmalige mode.
Kleine Valentijn ging vaak met zijn ouders mee naar de opera. En in 1869 namen ze hun zoon voor het eerst mee naar het buitenland. Na deze reis, Serov, de jongste, zijn leven lang herinnerde zich zijn bezoek aan het huis van de grote Richard Wagner, echter, de onuitwisbare indruk op de jongen werd niet gemaakt door de beroemde componist zelf, maar door een kooi met bizarre fazanten en zijn enorme hond. Met zo'n uiterlijk interessant leven, Valentine werd van kinds af aan niet verwend door de aandacht van ouders die elk in hun eigen werk leefden.
in 1871, toen de toekomstige kunstenaar nog maar zes jaar oud was, zijn vader is overleden. De tijd van serene ontvangsten in de huiskamer en literaire voordrachten behoren voor altijd tot het verleden. Nu woonden ze bij hun moeder in München (van 1872 tot 1873). Deze twee jaren waren een zeer vruchtbare tijd voor de kleine tekenaar. Terwijl ik in een hotel woon, Serov ontmoette de al beroemde schilder Kegshing, die geïnteresseerd was in een getalenteerde jongen. Kegshing begon niet alleen het kind mee te nemen naar de studie, om hem te helpen met professioneel advies, maar beïnvloedde ook Valentina Semenovna, haar aanbevelen om het jonge talent op alle mogelijke manieren te ontwikkelen en te stimuleren.
Geloven dat de capaciteiten van de zoon zijn lot kunnen worden, De moeder van Serov begon ze bewust aan te moedigen en te ontwikkelen. Dus, in 1874, De negenjarige Valentine verhuisde met zijn moeder naar Parijs, waar Ilya Repin was in deze periode. De beslissing van Valentina Semenovna om zich tot Repin te wenden met het verzoek om haar zoon op te voeden, was de meest succesvolle keuze in het leven van een toekomstige schilder.
Het was Ilya Repin die de enige meester was die de capaciteiten van de jonge Serov volledig kon ontwikkelen en onthullen. Dus, de jongen begon met de eerste reguliere en serieuze tekenlessen. Repin werkte destijds in Parijs aan de schilderijen "Cafe" en "Sadko", hij maakte veel schetsen uit de natuur, niet te vergeten om voortdurend opdrachten aan de student te geven. De jonge Valentin Serov ontving in die tijd veel waardevol advies, tips en uitleg, die hij later zijn hele leven herinnerde. Repin stond hem toe zijn werk te kopiëren, soms vroeg hij om bepaalde objecten uit het hoofd te schrijven, maar hij besteedde de meeste aandacht aan het tekenen uit de natuur.
De aspirant-kunstenaar gaf zich volledig over aan zijn hobby, besteedt er al zijn vrije tijd aan. Overdag schilderde hij, en 's avonds maakte hij eindeloos schetsen en tekeningen. Dankzij de serieuze houding van zijn moeder, veel van de studentenwerken van Serov zijn perfect bewaard gebleven. In zijn vroege albums, de meeste schilderijen en schetsen gewijd aan paarden. Natuurlijk, Serov schilderde ook andere dieren, maar het waren de paarden die zijn liefde voor het leven werden.
Dit was zonder twijfel een vruchtbare periode in de vorming van de grote Russische schilder. Maar met alle schijnbare welvaart, het leven van een negenjarige jongen in Parijs was eenzaam en saai. Zijn moeder, volledig ondergedompeld in haar werk, was overdag constant afwezig, en 's avonds de opera bijgewoond. Valentijn was lange tijd alleen gelaten, aan zijn lot overgelaten. Deze gedwongen terugtocht heeft zijn stempel gedrukt op het karakter van Serov, waardoor hij de norsheid en het isolement kreeg die de kunstenaar zijn hele leven had behouden.
De invloed van Savva the Magnificent
Zoals veel getalenteerde inwoners van Moskou, Valentin Serovs moeder kende Savva Mamontov, wat een groot succes was voor de toekomstige kunstenaar. Deze filantroop en industrieel stond in het centrum van het spirituele en intellectuele leven in Moskou in de tweede helft van de 19e eeuw. De hele kleur van de Russische artistieke intelligentsia om hem heen verzamelend, Mamontov bood de gasten op zijn landgoed Abramtsevo een unieke kans voor inspirerende, vrij, door niemand belast, inclusief financiële problemen en het leven van creativiteit. Al meer dan twintig jaar, het landgoed Mamontov bij Moskou was een belangrijk centrum van de Russische cultuur, waar kunstenaars, soms de hele zomer, kwam om te communiceren, ervaringen delen en werk combineren met vrije tijd.
Woont vaak bij zijn moeder in "Abramtsevo", Valentin Serov nam van kinds af aan direct deel aan bijna alle gebieden van creativiteit, die is ontwikkeld door deze creatieve omgeving van liefhebbers en gelijkgestemden van nieuwe kunst. Hier ontwikkelde zich zijn heldere en veelzijdige talent. De Abramtsevo-club, ondersteund door Savva Mamontov, twee kunstateliers tegelijk geopend:keramiek en schrijnwerkerij, waar oude ambachten en ambachten nieuw leven werden ingeblazen. Ook aan het theater werd veel aandacht besteed. Serov nam met plezier deel aan de thuisuitvoeringen van de Mamontov, hij speelde op briljante wijze komische rollen van dieren, terwijl het een doorslaand succes is. Het is niet verwonderlijk dat Valentine zijn eerste en meest inspirerende werken creëerde die hem bekendheid brachten, zoals, bijvoorbeeld, Het meisje met perziken, op dit prachtige landgoed.
Maar, de gunstige invloed van de Abramtsevo-kring verscheen veel later, en in het begin, uitgevoerd door een jong talent op het landgoed van Mamontov, bracht zijn talent niet ten goede. Volgens de biograaf van de kunstenaar Igor Grabar, in de zomer van 1875, toen Valentina Semyonovna haar zoon voor het eerst naar het landgoed bracht, de jongen verliet de reguliere tekenlessen en al zijn albums, meegesleept worden door het leuke en zorgeloze leven van Mammoetkinderen. Wat niet naliet te reflecteren op zijn artistieke capaciteiten. De weinige tekeningen uit die tijd in zijn kinderalbums dienen alleen als bevestiging dat aangeboren vermogens zonder oefening niet veel betekenen, omdat het oorspronkelijke talent van de schilder en tekenvaardigheid snel verloren gaan zonder constant werk om ze te laten groeien en onderhouden. Niet voor niets zeggen ze dat echte genialiteit 10 procent talent en 90 procent hard werken is.
Zo gebeurde het met Serov, zonder constante training in het verbeteren van de nauwkeurigheid van de streek en het weergeven van kleur en vorm, de jonge kunstenaar begon veel erger te tekenen. Daarom, in de herfst, zijn moeder nam hem mee naar St. Petersburg, waar de oude vriend van de familie, de kunstenaar Nikolai Ge, begon voor Valentins talent te zorgen, hem cultiveren en zichzelf perfectioneren. Spoedig, dankzij de zorg van Ge, het werd duidelijk dat Serov een nieuwe ontwikkelingsronde inging.
Vervolgens, Valentine en zijn moeder zijn weer verhuisd. Deze keer in Kiev, waar ze ongeveer drie jaar hebben doorgebracht, die het gelukkigst werd in het leven van moeder en zoon. In Kiev, de jongen ging naar de tekenschool, in de klas van Nikolai Murashko zijn gekomen, Repins oude vriend aan de Academie voor Beeldende Kunsten.
Topdocenten
Beslissen om de ontwikkeling van haar zoon niet te beperken tot alleen een kunstopleiding, Valentina Semenovna keerde weer terug naar Moskou en regelde haar kind in een gymnasium in Moskou. Hier, de moeder van de kunstenaar wendde zich weer tot Repin, hem vragen de lessen te hervatten. De familie van de schilder ontving Serov met open armen, en zijn lessen gingen door op een nog hoger niveau.
Repin zelf merkte op dat, ondanks de constante pauze in de lessen, Valentin maakte uitstekende vorderingen, en het zeer succesvolle werk bracht de jongen zelf het geloof bij dat hij er opnieuw in slaagde om alles wat hij had gepland te portretteren. Valentine geloofde in zichzelf en stopte toen bijna volledig met zijn studie aan het gymnasium, met grote passie zich overgeeft aan zijn favoriete tijdverdrijf. Uiteindelijk, de directeur van het gymnasium wendde zich tot de moeder van de jonge kunstenaar met een voorstel om het kind over te brengen naar een speciale instelling, waar zijn schildersgave volledig kon worden ontwikkeld. Dus de jongen verhuisde uiteindelijk naar Repin. Nutsvoorzieningen, zijn studies in tekenen en schilderen hielden niets anders tegen.
Igor Grabar schreef in zijn memoires:"Zelfs Repin ziet hem al als een kunstenaar, geen tiener, en poseert zelfs voor hem voor een portret, terwijl hij Serov zelf tekende. De 14-jarige Serov kijkt somber nors - een herkenbare puur "Serov" wolvengewoonten, die hij behield tot de laatste dagen. En achter deze sombere verschijning schuilt een vriendelijk hart en de meest tedere en zuivere ziel. Repin schildert een portret van Serov, en Serov schildert het meest nauwkeurige portret van Repin dat ooit is gemaakt. Het heeft de hele Repin-essentie:zijn uiterlijk, zijn charme, zijn lach, zelfs zijn eeuwige verlegenheid - in één woord, absoluut alles wat we allemaal zo goed wisten, en dat hield hij tot 70 jaar vol. ”
Toen hij in 1880 naar de Academie voor Beeldende Kunsten ging, Serov belandde in het atelier van de beroemde professor Pavel Chistyakov, die zich onderscheidde door een extreem harde leerstijl, elke onnauwkeurige slag van zijn studenten bekritiseren en belachelijk maken. Deze methoden van de professor hielpen de kunstenaar om een bedachtzame en ongehaaste manier te ontwikkelen om de natuur weer te geven. Net als zijn leraar, Valentin Serov kon geen haast en benadering in tekenen en schilderen tolereren.
Vragen beantwoorden over zijn nauwgezette manier van schrijven, de schilder zei:“Anders, Ik weet niet hoe ik moet schrijven, het is mijn fout, Ik weet niet hoeveel ik ervan hou." Inderdaad, het zou niet eerlijk zijn om te zeggen dat Serov niet over supersnelle beeldvormingstechnieken beschikte. Hij eiste voor zijn portretten minstens veertig poseersessies (en het gebeurde dat dit aantal de honderd bereikte), de getalenteerde kunstenaar maakte perfect instant schetsen en beheerste perfect de kunst van snelle potloodschetsen.
Valentin Aleksandrovich was met zijn inherente vaardigheid niet alleen in staat om de herkenbare vorm van de figuur en het hoofd te begrijpen, maar ook om met een duidelijke en precieze aanraking alle karakteristieke kenmerken van zijn uiterlijk over te brengen, tot een direct vastgelegde uitdrukking op zijn gezicht. Deze korte snelle schetsen zijn sterker dan andere werken, je kunt de verbazingwekkende vaardigheid van de kunstenaar beoordelen.
Zijn hand coachend op de bliksemsnelle schetsen van parades en militaire manoeuvres, officieren en soldaten tekenen, Serov streefde helemaal niet naar portretgelijkenis, maar, zelfs tegen zijn wil, hij maakte echte portretten. Het precieze oog en de onmiskenbare hand van de meester wist niet hoe anders. De schilder kon het zich veroorloven om complexe composities te schrijven zonder voorafgaande potloodschets, onmiddellijk met een aquarelpenseel. Steenkool, een penseel en een potlood gehoorzaamden hem impliciet. Daarom, hij schilderde kinderen die nooit zo zelfverzekerd voor hem poseerden als hij maandenlang volwassenen afbeeldde, hen uitputtend met lange poseersessies.
Slechts vijf jaar na toelating, Serov verlaat de Academie, voelde zich een kant en klare meester. Zijn hele toekomstige leven, zijn constante creatieve zelfverbetering vindt plaats volgens een vrij schema in continu werk.
in 1885, Serov schilderde het schilderij "Ossen" (Staat Tretyakov Galerij, Moskou), een jaar later, het schilderij “Herfstavond in Domotkanovo” (Staat Tretjakovgalerij, Moskou), en “Winter in Abramtsevo. Kerk” (Staat Tretjakovgalerij, Moskou). De vorming van de schilderstijl van Valentin Serov vond plaats onder invloed van twee eerbiedwaardige schilders - Repin en Chistyakov, en hun kunstacademies.
Hoe dan ook, al op twintig, de kunstenaar had niets gemeen met de stijl en techniek van schrijven met een van de leraren, want hij ontwikkelde zijn eigen, unieke manier van optreden, die niet kan worden verward met een van de bekende technieken in de kunstgeschiedenis. Dit ondanks het feit dat Serovs schilderijen zeer divers van uitvoering zijn.
De schilder stopte nooit bij iemand die met succes was gevonden en eenmaal een manier had gevonden om het probleem op te lossen, zoals vaak het geval is bij andere schilders. Altijd op zoek naar nieuwe benaderingen, hij probeerde voor elk afzonderlijk plot de meest geschikte vorm en techniek van artistieke expressie te kiezen. Gedurende de hele periode van zijn werk. Serov zocht en vond voortdurend nog nauwkeurigere manieren om zijn houding ten opzichte van het object uit te drukken, nooit tevreden zijn met de reeds gebruikte.
Innovator van Russische beeldende kunst
Serov wordt vaak de eerste Russische impressionist genoemd, het vergelijken van zijn werk met schilderijen van Renoir. Hoewel, sommige kunsthistorici geloven dat de Russische kunstenaar zijn voorganger zelfs voor was in de levendigheid van kleuren, de elegantie van lichttransmissie en de nobelheid van tonen.
Als Renoir vaak mistig gebruikte, vage overgangen in zijn werk, wat understatement creëren, dan Serov, Integendeel, met alle middelen die hem ter beschikking staan, toonde transparantie en diepte van de achtergrond en een heldere triomf van het leven erop. In de werken van de kunstenaar zie je vaak een bizarre verandering van licht en schaduw, onnavolgbare overloop van lichte tinten en een spel met highlights.
Zelfs in zijn donkere klassieke portretten, Serov wist een licht accent zo aan te brengen dat hij de persoonlijkheid van de afgebeelde persoon benadrukte en benadrukte. Valentin Aleksandrovich schreef zelfs kleine details en objecten met grote betrouwbaarheid voor, het consolideren van zijn faam als een zeer nauwgezette kunstenaar die belang hecht aan elk element.
Het is opmerkelijk dat de kunstenaar zijn doeken schilderde in de beste tradities van het impressionisme lang voordat hij de schilderijen zelf van vertegenwoordigers van deze richting kon zien, geboren in Frankrijk en slechts twee decennia later door Europa naar Rusland reizend.
Zo'n gevoelig genie, zoals Serov, met al zijn wezen nam hij innovatieve ideeën op, begon plotseling op een geheel nieuwe en ongewone manier te werken voor onze schilderschool, het nieuwe realisme genoemd. We kunnen de indruk beoordelen die de eerste show van de werken van de jonge Valentin Serov op het publiek maakte, volgens de opname gemaakt in de monografie van Igor Grabar, die schreef:"De antithese" waarheid van het leven en waarheid van kunst "kan worden gesymboliseerd in de volgende namen:Manet en Courbet in Frankrijk, Aable en Menzel in Duitsland, Serov en Repin in Rusland. Ik herinner me de eerste keer dat ik de volledige betekenis van deze antithese voelde. Het was in 1888. Voor ons, de toenmalige tieners, de openingsdagen van de enige twee tentoonstellingen in Moskou van die tijd, de periodieke en de mobiele, waren een echte vakantie, de gelukkigste dagen van het jaar... De tentoonstelling was buitengewoon belangrijk. Nu is het duidelijk dat dit niet eerder of later is gebeurd... ze was voorbestemd om een grote rol te spelen in de geschiedenis van ons nieuwste schilderij... De belangrijkste van allemaal waren... twee doeken die Serov toen nog niet kende, twee van zulke parels, dat als het nodig zou zijn om slechts vijf van de meest perfecte schilderijen te noemen in de nieuwste Russische schilderijen, dan zouden beide onvermijdelijk in deze lijst moeten worden opgenomen… ".
De monografie handelt over twee portretten die de tweeëntwintigjarige schilder in één klap tot een onbereikbare hoogte tilden. Dit werk is "Een meisje met perziken" (1887, de Staats Tretjakovgalerij, Moskou) en “Een meisje verlicht door de zon” (1888, de Staats Tretjakovgalerij, Moskou). Het eerste doek maakte een ware sensatie in de periode van somber realisme en de schijnbare overheersing van donkere en doffe kleuren in de schilderkunst. Tegen deze achtergrond, de emotionele impact van Serovs stralende schilderij, gevuld met zonlicht, waarvan de stralen de kamer doorboren, met een zachte overgang van allerlei tinten, de betoverende warmte van pastelkleuren, alles bij elkaar was niet zomaar een nieuw woord, maar een frisse wind van veranderingen in de Russische kunst.
De schilder zelf beschreef het werk aan het schilderij:“Alles wat ik bereikte was frisheid, die speciale frisheid die je altijd in natura voelt en niet te zien is in de schilderijen. Ik heb meer dan een maand geschreven en haar gekweld, arm, tot de dood, Ik wilde echt de frisheid van het schilderij behouden als het helemaal af was, als oude meesters… ".
Het doek stelt een specifiek kind voor - Verusha Mamontova, maar het werk zelf was zoveel meer compositie dan een portret van een bepaalde persoon dat de algemene naam - "Meisje met perziken" beroemd werd. Het werk is als geweven uit zonlicht en vreugde, de kamer tot de rand vullen, omhult alle objecten met een sprankelende halo. Lichtstralen glijden langs de muren, vallen op een wit tafelkleed, speel op de schouders en mouwen van de roze jurk van het meisje, doordringend door de dunne stof, warme "konijn" ligt op de donkere huid van de wangen. Het lijkt alsof de lucht in de kamer rinkelt en transparant is, gevuld met de delicate geur van perziken en sprankelende vonken van goud.
Het schilderij is beschilderd met kleuren die zo vol licht zijn dat ze de werkelijkheid op unieke wijze nauwkeurig weergeven dat de harmonie van ware vitaliteit de onbetwiste schoonheid van dit werk overlapt en letterlijk ademt in elk afgebeeld onderwerp. Verusha's donkere ogen stralen met kinderlijke spontaniteit, waarachter ook haar rusteloosheid wordt geraden, het kind houdt nauwelijks een glimlach tegen, ze is al ongeduldig om de uitverkoren perzik te bijten, die ze vasthoudt met een verbazingwekkend geschilderde gebruinde hand. De hele blik van het meisje, van een warrige haarlok tot een beetje lach in haar ogen, zit vol onvermoeibare energie en geeft haar een levendig nieuwsgierig karakter. Zelfs na meer dan honderd jaar, het twaalfjarige meisje op de foto leeft nog steeds een zorgeloos leven.
Zelfs de perziken op de foto doen mee aan de actie. Ze zijn uitgeschreven met letterlijk sprekende verbeeldingskracht. Hun fluwelen schil is bijna fysiek voelbaar. De rugleuningen van stoelen en het gepolijste tafelblad zijn ook verbluffend omlijnd. Op een onbegrijpelijke manier, Serov slaagt erin om de textuur van dingen over te brengen, van briljant polijsten tot magisch fluweel, zacht absorberend licht en harmonieus harmoniserend met dezelfde fluwelen huid van een kind. De Moscow Society of Art Lovers kende de prijs toe aan de jonge Valentin Serov voor dit werk.
Een ander werk - "The Girl Illuminated by the Sun" (portret van Serovs neef M. Ya. Simonovich), is een ander zonnedoek, waarin de kunstenaar bijzondere aandacht besteedde aan de overdracht van het boeiende spel van licht en schaduw. Een meisje dat onder een boom zit, is gehuld in een patroon van kanten gebladerte doorboord door de zonneschijn van een rustige zomermiddag. Haar gezicht is kalm, haar hele houding is vrouwelijk en ontspannen, alsof ze in het rijk van rust en vrede is. Opengewerkte overloop van schittering van de zon overspoelt de blouse en de huid van de heldin. Ze zijn geschreven in bijna mozaïekstreken, contrasteert met de onverwacht zachte fluwelen blauw-violette rok. Opnieuw, de schilder was in staat om de fluwelen overloop van stof ongelooflijk nauwkeurig over te brengen met meerdere lange halen. Het werk volgt een heel ander levenstempo dan in het 'Meisje met perziken' een jaar eerder geschreven. Deze twee werken lijken elkaar te overlappen, alsof picturale allegorieën:kindertijd en adolescentie, zorgeloze speelsheid en dromerige contemplatie. Veel later, in november 1911, vlak voor zijn dood, Serov, samen met Igor Grabar, keek naar dit doek in de Tretyakov-galerij. "Hij stond lange tijd voor haar, "Grabar herinnert zich, ' haar aandachtig en zonder een woord te zeggen aankijken. Toen zwaaide hij met zijn hand en zei:niet zozeer voor mij als voor ruimte:"Ik schreef dit ding, en dan mijn hele leven, hoe opgeblazen ook, er kwam niets uit, toen was het allemaal uitgeput. "- Grabar herinnert zich, - haar aandachtig en zonder een woord te zeggen aankijken. Toen zwaaide hij met zijn hand en zei:niet zozeer voor mij als voor ruimte:"Ik schreef dit ding, en dan mijn hele leven, hoe opgeblazen ook, er kwam niets uit, toen was het allemaal uitgeput. "- Grabar herinnert zich, - haar aandachtig en zonder een woord te zeggen aankijken. Toen zwaaide hij met zijn hand en zei:niet zozeer voor mij als voor ruimte:"Ik schreef dit ding, en dan mijn hele leven, hoe opgeblazen ook, er kwam niets uit, dan was het allemaal uitgeput.”
Natuurlijk, zo zeggen, de schilder was te kritisch op zichzelf. Al zijn latere werken bevestigden alleen maar zijn opmerkelijke talent, die gewoon voortdurend op zoek was naar nieuwe uitdrukkingsvormen, waardoor de eigenaar ons de realiteit kan laten zien door middel van nieuwe vormen van zijn unieke perceptie.
Persoonlijk en openbaar leven van de meester
In een brief van Venetië aan de bruid Olga Trubnikova, Serov schrijft in 1887 over zijn fascinatie voor "meesters van de 16e-eeuwse Renaissance":"Het was gemakkelijk voor hen om te leven, zorgeloos. Zo wil ik zijn - zorgeloos; in deze eeuw schrijven ze alles moeilijk, niets bemoedigends. Ik wil, Ik wil iets goeds en ik zal alleen iets goeds schrijven. " Twee jaar later, in januari 1889, Olga Trubnikova en Valentin Serov trouwden in St. Petersburg. Na 10 jaar, in 1999, de kunstenaar portretteerde hun zonen Yuri en Sasha in het schilderij "Kinderen" (Russisch Museum, St. Petersburg).
Serov was een getalenteerde portretschilder. Zijn eerste modellen waren vertrouwd en dicht bij hem mensen:schrijvers, artiesten, artiesten. Hij schilderde vaak portretten van zijn vrienden:Rimsky-Korsakov, Korovin, Repin, Levitan en Leskov.
Voor elk nieuw werk de kunstenaar koos een bijzondere stijl, benadrukt de individualiteit van zijn personages. Bijvoorbeeld, het schilderij "Portret van Konstantin Korovin" (1891, Staat Tretjakov Galerij, Moskou), de meester schilderde zijn vriend op een volledig "Korovin" -manier, met grote vrije streken en de kleuren die inherent zijn aan Korovin, waardoor de persoonlijke kenmerken van de kunstenaar worden verrijkt. Thuis kleding, een vrije pose en alle omringende omgevingen geven heel nauwkeurig het temperament en uiterlijk van Konstantin weer.
Het portret van I.I. Levitan (1893, Staat Tretjakov Galerij, Moskou) werd op een heel andere manier geëxecuteerd. Voor hem, Serov vindt andere grafische middelen, een andere, meer ingetogen kleur. Het aristocratische hoge voorhoofd en sierlijke hand vallen op het doek op met twee lichte vlekken, al het andere gaat op in de kalme bruinachtige schemering. Er is geen enkel object op de foto, op zijn minst zinspelend op het soort activiteit van de geportretteerde, hoewel Levitan poseerde in zijn werkplaats. voor Serov, het was veel belangrijker om het karakter van zijn vriend over te brengen, zijn romantiek, melancholie, constant verdriet, bedachtzaamheid en poëzie.
Valentin Serov leidde een actief openbaar leven. Sinds 1894, hij begon deel te nemen aan de Vereniging van Reizende Kunsttentoonstellingen. Drie jaar later, in 1897, begon hij les te geven aan de Moskouse schilderschool, Beeldhouwkunst en architectuur. Onder zijn studenten waren kunstenaars als Pavel Kuznetsov, Nikolai Oeljanov, Nikolai Sapunov, Martiros Saryan en Kuzma Petrov-Vodkin.
De interesses van de kunstenaar waren niet beperkt tot dieren en portretten van vrienden, zoals Serov zelf zei:"Ik ben nog steeds een kleine landschapsschilder." De landschappen zijn verrassend laconiek en pretentieloos, wat niet verhindert dat ze ongelooflijk subtiel de sfeer van de omringende natuur overbrengen. Bovendien, de kunstenaar had een perfect ontwikkeld talent voor het kiezen van verbazingwekkende hoeken voor zijn landschappen.
De schilder werkte graag voornamelijk aan het beeld van het Russische dorp. Hij hield vooral van de middelste strook van Rusland, die hij prachtig en subtiel verbeeldde in de schilderijen “Vrouw in een kar” (1896, Russisch Staatsmuseum, St. Petersburg), “oktober” (1895, Staat Tretjakov Galerij, Moskou), “Winter” (1898, Russisch Staatsmuseum, St. Petersburg), "Gorgen" (1891, verblijfplaats onbekend), "Vrouw met paard" (1898, Staat Tretjakov Galerij, Moskou), en "Striguni bij een drinkplaats" (1904, Staat Tretjakov Galerij, Moskou).
Aan het begin van de twintigste eeuw, namelijk van 1900 tot 1904, de kunstenaar was lid van de vereniging “World of Art”. Gedurende deze periode, Serov werd meegesleept door het beeld van de tsaar-hervormer Peter I, aan wie hij verschillende van zijn prachtige doeken wijdde. Momenteel, de schilder begint sterk geïnteresseerd te raken in de politieke processen die in zijn thuisland plaatsvinden. Misschien is dit precies wat de belangstelling voor de figuur van Peter veroorzaakte, wie leefde, zoals Serov zelf in het tijdperk van verandering.
Het werk van de kunstenaar "Peter I on the Dog Hunt" (1903, Russisch Staatsmuseum, St. Petersburg) is zeer onthullend. Volgens de plot van de foto, de jonge koning besluit een lesje te leren aan de edelen die opschepten over hun succes in de hondenjacht. Peter besluit de trotsen te bewijzen dat hun geluk volledig afhangt van de vaardigheid van de lijfeigenen. De koning regelt een jacht waarin geen enkele kennel is, dwingen de boyars zelf om te gaan met het peloton. Van nature, er is een complete chaos, gewoon voor de lol van Peter. Veel eerbiedwaardige jagers vallen van hun paarden, honden niet onder controle kunnen houden. In dit werk, Serov slaagde er ongewoon betrouwbaar in om de smaak van de Russische winter en de stemming van alle deelnemers aan de scène over te brengen.
Nog een schilderij van de kunstenaar, wat later geschreven, in 1907, “Peter I” (Staat Tretjakovgalerij, Moskou), is opgedragen aan de Grote Russische Hervormer. Hier zien we tegelijkertijd een zeer pathetisch en zeer dynamisch tafereel, gevuld met de geest van de snelle transformaties van dat heroïsche tijdperk. Peter I schrijdt snel om de wind te ontmoeten, praktisch zijn gevolg opblazen. De foto is ontworpen om de grootsheid te benadrukken, kracht en vastberadenheid van de soeverein.
Serov slaagde erin een academicus te worden, in 1903 gekozen tot volwaardig lid van de Academie van Beeldende Kunsten. Maar dit duurde niet lang. Twee jaar later, de kunstenaar doet afstand van de erestatus uit protest tegen de massa-executie op 9 januari 1905.
De schilder nam ook deel aan de organisatie van de satirische publicatie "Zhupel", tekent voor hem cartoons van een politieke oriëntatie. Ook, ongeveer vijftien jaar, Veerov maakte illustraties van dieren voor de fabels van Krylov. Het waren deze tekeningen die het favoriete geesteskind van de kunstenaar werden; hij herhaalde ze vele malen, met bijzondere aandacht op zoek naar de nodige eigenschappen en emoties. Al in zijn volwassen jaren creëerde Serov een aantal meesterwerken van neoclassicisme en Russisch modernisme in schilderkunst en grafiek, bewijst eens te meer zijn veelzijdigheid en de constante zoektocht naar de stijl en manier van schilderen.
1907, de meester bezocht Griekenland, die met zijn sculpturen en monumenten een onuitwisbare indruk op hem maakten. Serov maakte verschillende decoratieve paneelschilderijen gewijd aan het oude thema:"Odysseus en Navzikaya" (bestaat in verschillende versies) en de poëtische legende over "De ontvoering van Europa" (beide werken van 1910, Staat Tretjakov Galerij, Moskou). De stier Zeus afgebeeld op de laatste foto is verrassend levendig, met een volledig betekenisvolle uitstraling, terwijl het gezicht van het meisje, Integendeel, is als een antiek masker, allegorisch bevroren en emotieloos.
Zoals veel kunstenaars uit die tijd, Serov werkte samen met theaters. Zijn gordijn voor het ballet "Scheherazade", een waar meesterwerk van beeldende kunst, opgericht in 1911, was een doorslaand succes in Londen en Parijs.
De beste portretschilder van Rusland
De glorie van een getalenteerde portretschilder werd voor Serov een echte slavernij en een vloek. Na 1895, bestellingen voor portretten van burgerlijke en aristocratische adel stroomden eindeloos over de kunstenaar. Ondanks de enorme bedrijvigheid, de schilder droomde ervan om helemaal geen seculiere mensen te tekenen, maar dieren, dus werkte hij met veel enthousiasme aan het maken van illustraties voor fabels. Maar, samen met de groei van de vaardigheid van de kunstenaar, zijn bekendheid als de beste portretschilder van Rusland groeide gestaag.
Het portret van S.M. Botkin (1899, Russisch Staatsmuseum, St. Petersburg) spreekt over Serovs uitgesproken talent als kunstenaar-psycholoog. De schilder kon het niet laten om een klein beetje ironie te maken in wereldlijke portretten. Elegante Sofya Botkina in een luxe gouden jurk geborduurd met kunstbloemen ligt op een bank bekleed met blauwe zijde, rijk geweven bloemenornament. De kunstenaar ergerde zich aan deze fantasievolle luxe van het interieur, de buitensporige overvloed aan goud en de dame zelf, die hij de "verveelde minnares" noemde. Het werk, gevuld met subtiele ironie, onmiddellijk na publicatie, werd de "dame op de bank in de woestijn" genoemd.
Inderdaad, de kunstenaar heeft de achtergrond van het beeld zo vervaagd dat hij veel dieper lijkt uit te reiken, als achter de horizon. Maar dit is niet het meest interessante in het portret, tegen alle wetten van samenstelling, Serov verplaatste de poserende "meesteres" van het midden naar rechts, en strikt in het midden van het doek plantte hij een kleine Italiaanse windhond, met bijna meer zorg en liefde geschreven dan haar elegante en luxueuze minnares. De kunstenaar was er zeker van dat de aanwezigheid van dieren natuurlijkheid toevoegt aan de gespannen en uitgebreide houdingen van mensen.
Het meest opvallende voorbeeld van het bovenstaande is het "Portret van Groothertog Pavel Alexandrovich" (1897, Staat Tretjakov Galerij, Moskou). Ben ermee bezig, de prins zelf wordt afgebeeld in een onnatuurlijke tijd, alsof bevroren pose, terwijl zijn paard - gevoelig, levendig, met slimme ogen - geeft het canvas dynamiek en natuurlijkheid. Voor dit ceremoniële portret, dat een van de eerste portretten van dit soort was in de carrière van de kunstenaar, Serov ontving de Grand Prix gouden medaille op de wereldtentoonstelling in Parijs in 1900.
Het beeld op portretten van dieren werd een soort uitlaatklep voor de kunstenaar. Dus, in "Portret van graaf F.F. Sumarokov-Elston met een hond" (1903, Russisch Staatsmuseum, St. Petersburg), de schilder zelf drong aan op de aanwezigheid op het doek van zijn geliefde hond een jonge graaf, WHO, uiteindelijk, ziet er bijna belangrijker uit dan zijn nobele eigenaar. Hetzelfde verhaal met een prachtig wit paard op het "Portret van Prins F. F. Yusupov" (1903, Russisch Staatsmuseum, St. Petersburg).
Volgens tijdgenoten van Serov, het is zijn penseel dat het beste portret van de laatste Russische tsaar bezit. Het schilderij "Portret van keizer Nicolaas II" (1900, Staat Tretjakov Galerij, Moskou) was niet gemakkelijk voor de kunstenaar, die het minst geschikt was voor de rol van hofschilder, volgens zijn creatieve aspiraties en spirituele gezindheid. De schilder was al beroemd, had een groot aantal bestellingen, die hij vaak verwierp vanwege de fysieke onmogelijkheid om alles te doen.
Natuurlijk, Serov wilde geen portret schilderen van de heerser van de macht, maar hij kon de keizer zelf ook niet weigeren. Het portret werkte lange tijd niet. Bovenal, de keizerin irriteerde de schilder, die met haar advies voortdurend tussenbeide kwam in het creatieve proces. Als resultaat, Serov could not stand it and gave the brush with the palette to her hands, offering to finish the portrait herself, since she is so good at painting. Never being arrogant Nikolai, apologized to the artist for the tactlessness of his wife. But the portrait still eluded the sharp eye of the master, the image of the emperor conveyed by him was falling apart. Serov was extremely dissatisfied with himself, he could not finish the failed picture, this would have hurt his pride too much for Russia’s best portrait painter. In the end, the artist had to admit to the sovereign that he could not continue, since the portrait did not succeed.Emperor Nicholas II, dressed in a plain jacket of an officer of the Preobrazhensky regiment, reconciled with the situation, sat down at the table, folded his arms in front of him and looked at the portrait painter with genuine sadness. It was this view, revealing the inner essence of the emperor’s personality, perfectly characterizing his delicacy and vulnerability, that Serov needed.
After many years, Konstantin Korovin will speak of the canvas like this:“Serov was the first of the artists who caught the softness, intelligence, and at the same time the emperor’s weakness, and captured them on canvas…” In its execution, the portrait is almost sketchy, but thoughtfully accurate and harmonious, completely lyrical and simple. A surprising similarity of the emperor was noted by all contemporaries. The artist was able, with the light movements of the brush, emphasized by simple execution and discreet color scheme, to concentrate the attention of the viewer in the eyes of the sovereign, showing not the emperor, but a simple man, with his anxieties, concerns and expectations. Thanks to this approach, the portrait turned out to be very successful. Helaas, the original canvas was destroyed in 1917, an original copy has come down to us.
Often the artist wrote symbolic works. As, bijvoorbeeld, the painting "Portrait of Actress M.N. Ermolova" (1905, State Tretyakov Gallery, Moscow). The architect Fedor Shekhtel, seeing the work, said that:"This is a monument to Ermolova!" And, inderdaad, the canvas is monumental, and the great actress herself resembles an ancient sculpture or even a column directed upward. Ermolova’s head is written against the background of a mirror reflecting the ceiling, which creates the illusion of the ascension of the actress’s figure, like a caryatid. The monochrome and chamber nature of the portrait seems to elevate the heroine on a pedestal, while emphasizing the stamp of exclusivity and loneliness of the creative person.
The painter liked to portray artists in their theatrical roles. Serov created the wonderful “Portrait of Francesco Tamagno” (1903, State Tretyakov Gallery, Moscow), where the magnificent singer is captured in a theatrical beret, and a symbolic reflection of gold is visible on his throat. The second example is the “Portrait of Chaliapin” (1905, State Tretyakov Gallery, Moscow), which was famous for the fact that in life it almost never left the stage image that had become familiar.
But the peak of the artist’s skill was “Portrait of Ida Rubinstein” (1910, State Russian Museum, St. Petersburg), depicted in the image of Cleopatra. It was not for nothing that the choreographer Mikhail Fokin considered the appearance of the ballerina indispensable for the then fashionable ballets Scheherazade and Cleopatra in the famous Diaghilev seasons. The idea was the charismatic sophistication of Art Nouveau, a la Beardsley, and the perfect match with the tastes of that era. Rubeinstein appeared in Cleopatra, barely covered by an almost transparent coverlet, which Lev Bakst invented specially for her.
The artist brilliantly combined art and life in this picture, bringing together the theatrical images of the heroine with her stylish, east-exotic appearance. Cleopatra and Zobeida forever united in the silhouette of a ballerina, the East fused with Egypt on the fine line of fiction and reality.
But a living person in this paradoxical fusion of the "theater of life" and the "truth of art" is defenseless in his nakedness. The mythological “beautiful nudity” of a fictional heroine suddenly transforms into the shameless “undressing” of a specific real person, and this was precisely the most piercing note of the portrait.
Naturally, when the portrait was presented to the public, a terrible scandal erupted. “My poor Ida Rubinstein… poor, naked…”, Serov himself will comment, describing the scandal when, in spite of the rising wave of indignation, the portrait was acquired by the Museum of Alexander III.
The picture is made in the Art Nouveau style. The clearly defined contours of a fragile body make the figure seem to be embossed on a completely flat background. A bright green scarf, almost twisted into a bundle, streams along the graceful ankles of a ballerina, resembling a snake at death hour. This moment weaves as if by chance into a portrait the theme of imminent death. The heroine’s look is almost absent, farewell, otherworldly, stopped by the artist at that almost elusive moment, when the angle of the head’s rotation still allows you to touch. There is no doubt that this is the last, already doomed look of the Egyptian queen, which she sends to the world before turning forever into stone.
This canvas literally stunned Ilya Repin, like a bolt of thunder from a clear sky:"… and, like Venus from the sink, " Ida Rubinstein "appeared… It seemed to me that the ceiling of our slippery pavilion fell on me and crushed me to the ground; I stood with the tongue sticking to the larynx… ”, the artist described his impressions. Naturally, secular criticism subjected the work to a ruthless smash:"bad imitation of Matisse", "decadentism", "ugliness". Maar, despite all the violent critical cries, Serov was very proud of his work.
Each time, preparing to create a new portrait, the painter sought to avoid any repetition of the angle, pose, surroundings or gesture. He took a long look at the new model, made sketches, looked for the most expressive pose for the hero and the most suitable interior for him.
Serov for a very long time picked up a suitable setting for a portrait of the wife of the influential antiquarian Vladimir Girschman. The artist wanted the interior to emphasize the gloss and grace of this socialite, without simultaneously simplifying and belittling her brilliant beauty. The master was very sympathetic and warm to Henrietta Leopoldovna, considering her “smart, educated, cultured, modest and simple, without the manners of rich upstarts and, Bovendien, very pretty.” The painting “Portrait of L. L. Hirschman” (1907, State Tretyakov Gallery, Moscow) is an exquisite semantic and pictorial masterpiece of fine art.
The composition of the work is very simple. The only eye-catching figure on the canvas is a luxurious young woman in a strict black suit, who seemed to have just risen from the dressing table and turned to the artist and the audience. Perhaps she wanted to examine herself in another mirror, but between her and the opposite wall with another mirror was an artist who stopped this turn with his brush and fixed the lady’s soft but exacting look, turning him to us. The beautiful Henrietta Leopoldovna peers into the viewer, as if in a mirror, her demanding look as if addressed to those who will look at her through the ages. A strict black suit is refreshed only by a small snow-white boa, which a woman coquettishly straightens with her thin lily handle, studded with rings.A gracefully curved pose allows the heroine to lean with her second hand on the dressing table. Unlike luxurious socialites, which the artist did not like, here we see a young, austere, but beautiful woman, endowed with character and charm.
Valentin Aleksandrovich created on the canvas a game of mirrors, a double reflection, noticeable only from the side of the painter and open to the viewer. He depicted not only the back of Henrietta Hirschman reflected in the mirror, but also her blurry, small copy visible in the distant mirror, thus closing a circle and showing the viewer in reflection what was beyond the borders of the portrait canvas. Ook, Serov for the first and last time for all his work depicted on the canvas an open dialogue between the model and the master. He portrayed himself in reflection at the very edge of the mirror. Although the artist’s face is distorted by faceting, it clearly reads the tension with which he is trying to do work for this woman.
Serov’s very characteristic X-ray view frightened many secular people so much that they were afraid to pose for him. The painter always clearly saw and impartially showed in his works the essence of the person being portrayed, the basis of his personality. Everyone knew that it was “dangerous” to pose for this artist, although Serov never deceived the expectations of customers, creating magnificent and very realistic portraits that they could be proud of.
The master himself has always recognized that he is not interested in the appearance of the posing person, but in his characterization, which can be expressed on canvas. The features revealed by artists in their heroes were often so unexpected for their owners that he was repeatedly accused of caricature. The master himself commented on this:“What if the cartoon sits in the model itself, what am I to blame? I just looked out, noticed. "
An example of such a finely thought out and fulfilled cartoon is the “Portrait of Princess O. Orlova” (1911, State Russian Museum, St. Petersburg). Igor Grabar wrote about Olga Orlova:“She could not stand, sit, talk or walk without special tricks to emphasize that she was not just an ordinary aristocrat, but… the first lady at court.” According to the surviving reviews of contemporaries, the princess was not distinguished by high intelligence, she was practically not interested in art, but she was the most elegant fashionista of St. Petersburg, she spent fortunes on the most luxurious Parisian toilets. Numerous Orlova considered Serov, who was just at the peak of popularity, worthy of honor for centuries to maintain the appearance of this secular lioness of the early XX century. What the artist did, echter, in his own manner.
The painter began by bringing the princess’s pose to absurdity, sitting on a low ottoman high and slender Orlova, so that her sharp knees protruded up and forward. The luxurious mantle slipped slightly, revealing a graceful white shoulder. The princess seems to play with a string of pearls, and in this ambiguous gesture she shows a hand at herself, as if emphasizing the significance and importance of her own person. The compositional center of the picture was the huge black hat of the heroine, which is clearly too much. She seems to slam the model, lowering it even lower compositionally.
The pretext for this situation was the situation, as if the princess had sat down for a moment in anticipation of her crew, having already fully gathered for the exit. Orlova’s face expresses the usual nervous frustration caused by the need to wait. Her high eyebrows are raised perplexedly, and her chin arrogantly raised. Orlova holds an elaborate posture, even being alone in expectation, her defiant arrogance is almost vulgar, but the mannerism and unnaturalness of an exquisite socialite is deliberately emphasized by the portrait painter.
Behind the princess is a large vase, almost copying the silhouette of the model. Representing on the wall a shadow cast by a vase, Serov deliberately distorts it, contrary to the photographic accuracy of his eye. The outlines of the shadow are more reminiscent of the heroine of the canvas in her huge hat. Dus, the artist subtly hinted that the princess is as empty as the vase behind her. It is not surprising that the princess herself and her admirers were disappointed with the portrait, although the painter very carefully depicted the folds of fabric of an expensive dress, and the ebb of luxurious fur and the chic decor around the heroine.
Serov was accused of subjectivity to Orlova and that he did not use the heroine’s most advantageous qualities - her elegance and high growth. Hoe dan ook, this picture once again proved the sensitivity and insight of the artist. The customer, without regret, presented the portrait to the Museum of Alexander III (State Russian Museum of St. Petersburg), expressing the only condition that he should not be exhibited in the same hall as the portrait of the naked Ida Rubinstein.
A friend of the artist Vladimir Dmitrievich von Derviz wrote in his memoirs about him:“Valentin Alexandrovich was distinguished by absolutely exceptional directness and simplicity, despite his seemingly rather mild character, he knew how to defend his views and never compromised his convictions.”
Epilogue
The great painter died unexpectedly, on the morning of November 22, 1911, on the way to the Shcherbatovs’ house, where a portrait session was scheduled for him. The cause of Serov’s early death was an angina attack. Having lived only forty-six years, as many as thirty of them, Valentin Serov confidently and enthusiastically weaved the golden strokes of his stunning solar masterpieces into the canvas of the Russian Silver Age. Being in the prime of life, the artist worked a lot. Worshiping the talent of the painter, the poet Valery Bryusov wrote:“Serov was a realist in the best sense of the word. He accurately saw the secret truth of life, his works revealed the very essence of those phenomena that other eyes could not even see. ”
Zhuravleva Tatyana
