Paul Cézanne (1839-1906)
De beroemde Franse schilder Paul Cezanne was een pionier in het post-impressionisme. Leven en werken met de beroemdste meesters van het impressionisme, onder hun invloed aan het begin van zijn reis stonden, Cézanne, op zoek naar zijn eigen stijl, ging verder dan zijn collega's. Nadat ik de kunst had geleerd om de wonderbaarlijke toestanden van de natuur over te brengen, de kunstenaar dook in de zoektocht naar de vormende fundamenten van alles om hem heen en probeerde de innerlijke logica van de dingen te leren. De innovatieve benadering van de schilder stond hem tijdens zijn leven niet toe om welverdiend succes en roem te verwerven. Alleen de tijd heeft alles op zijn plaats gezet.
Jeugd gooien
De toekomstige kunstenaar werd geboren op 19 januari, 1839 in een klein stadje in het zuiden van Frankrijk - Aix. Paul was de eerstgeborene in de familie van de bankier Louis - Auguste Cezanne. De vader, die begon met de productie en verkoop van hoeden, en opende toen zijn eigen bank, was een zeer machtig man, de hele familie gehoorzaamde strikt aan zijn wil. De moeder van de kunstenaar, Anna, Elisabeth, bevallen van nog twee dochters, Maria en Rosa, maar ze aanbad haar eerste kind, Paulus, en probeerde hem altijd te steunen. De schilder zelf verafgoodde zijn hele leven en was bang voor zijn vader.
Sinds de kindertijd, verlangen naar tekenen, Paul Cezanne van vijf jaar beschilderde muren in huis met houtskool, zelfs dan het creëren van zeer geloofwaardige beelden. Maar alleen zijn moeder was trots op zijn successen, zijn vader droomde ervan zijn opvolger in de zoon te zien. Door de wil van zijn vader, Paul gaat in 1849 naar een van de beste stadsscholen - St. Joseph's School, waarvan, in 1852 stapte hij over naar de zesde klas van het prestigieuze Bourbon Closed College.
Op de universiteit, de toekomstige beroemde kunstenaar Paul Cezanne ontmoet de toekomstige beroemde schrijver - Emil Zola. hun vriendschap, uiteindelijk, speelde een belangrijke rol in het lot van de schilder. En dan, In zijn jeugd, het was Zola die Paul de magische wereld van boeken en poëzie ontdekte. Vrienden liepen vaak weg uit Aix, vol dromen over een mooie toekomst en pure liefde.
in 1855, de zestienjarige Paul studeerde af aan de universiteit, onderscheidde zich in het schrijven van poëzie in het Frans en Latijn, en op geen enkele manier gerealiseerd als kunstenaar. Na zijn afstuderen aan de universiteit, Cezanne gaat naar de Faculteit der Rechtsgeleerdheid, waarop zijn vader categorisch aandrong. Tegelijkertijd, in de avond, Paul begint te studeren aan de Joseph Joseph Giber School of Painting. Tot vreugde van de jonge man, de vader zag niets verwerpelijks in dit verlangen van zijn zoon.
Het pas geopende stadsmuseum, waar schilderijen werden tentoongesteld, werd de favoriete plek van de aspirant-kunstenaar. Hier, en in de klas op de Gibertschool, Paul voelde zich echt gelukkig, hij had een droom om kunstenaar te worden. Maar zijn vader wilde niets horen over zo'n wending in het lot van zijn enige zoon, hij stond er nog steeds op de jonge mannen te bestuderen van een wet die hem absoluut niet interesseerde. De ziel van de jonge Cézanne droomde van Parijs, waar hij actief werd uitgenodigd door zijn studievriend Emil Zola, die tegen die tijd naar de Franse hoofdstad was verhuisd en zijn hand op literair werk had uitgeprobeerd. Uiteindelijk, Paul Cezanne gaf nog steeds de rechten op en kreeg toestemming van zijn vader om naar Parijs te vertrekken, waar Zola hem aanspoorde om serieus schilderkunst te gaan studeren.
in 1861, de jonge schilder verhuisde naar de hoofdstad van Frankrijk en bereidde zich voor op de Academie voor Schone Kunsten. Cezanne begint lessen te volgen in de werkplaats van Lewis, waar hij toekomstige impressionisten Camille Pissarro en Claude Monet ontmoet, die tekenen studeerde, maar hadden al een eigen gevormde visie op de ontwikkeling van de beeldende kunst.
Pissarro geloofde onmiddellijk in Cezanne en voorspelde succes in de toekomst. Maar de jonge kunstenaar uit de provincie voelde zich een vreemde in de sfeer van het atelier van de hoofdstad. De enige vriend die hij daar maakte was zijn landgenoot - dwerg Achilles Amperera, die vervolgens enthousiast naakte vrouwen schreef. Paul Cezanne was erg onzeker over zijn capaciteiten en zijn talent. Soms, het leek hem dat al zijn bezigheden zinloos waren en hij moest terugkeren naar Ex om de opvolger van zijn vader te worden. Waarschijnlijk, de kunstenaar werd gekweld door wroeging en schuldgevoelens tegenover de ouder, wiens hoop hij niet waarmaakte. Deze mentale kwelling en twijfels leidden er uiteindelijk toe dat de kunstenaar zijn favoriete schilderij in de steek liet en in dezelfde 1861 keerde hij terug naar zijn geboorteplaats.
in Aix, Paul begon te werken aan de bank van Cezanne - de oudste, die ongelooflijk blij was met de 'terugkeer van de verloren zoon'. Maar de vreugde van beiden was van korte duur. Paul kon niet lang leven zonder schilderen en al snel, van verlangen, begon opnieuw naar de Gibert-school te gaan. Na een jaar thuis en eindeloze gesprekken met zijn vader, de jonge man vertrekt weer naar Parijs, deze keer, besloten hebben, met alle middelen, naar school gaan aan de Academie voor Schone Kunsten.
Waar, ter voorbereiding op het slagen voor de examens, Cezanne ontdekte ineens dat hij totaal vreemd was aan de kunst die hij wilde gaan studeren. Salonschilderen leek hem overbodig en leeg. Plus, Paul begon opnieuw aan zijn eigen talent te twijfelen. Hij werkte hard, maar zijn ontevredenheid met zichzelf nam alleen maar toe. Het resultaat was opnieuw een mislukking - de kunstenaar was nooit in staat om de schilderschool te betreden.
in 1863, hij bezocht de Salon, waar hij het schandalige werk van Eduard Manet zag, afgewezen door het publiek, "Ontbijt op het gras." Dit baanbrekende werk, waardoor er een echte revolutie plaatsvond in de kunst van die tijd, veranderde ook de visie op de wereld van Cezanne. Het was het dat de jonge kunstenaar introduceerde, zoals veel van zijn leeftijdsgenoten, tot een nieuw begrip van kunst.
Noodlottig voor Cezanne was de kennismaking met Frederick Basil, wat in hetzelfde jaar gebeurde. Basil bracht hem naar de werkplaats van Gleyre, waar Claude Monet, Alfred Sisley en Auguste Renoir kwamen vandaan. Natuurlijke verlegenheid, met tegelijkertijd absurditeit van karakter, stond Cezanne niet toe om zich bij de kring van toekomstige impressionisten aan te sluiten. Als resultaat, de kunstenaar hield zich altijd apart, probeerde geen discussies en gesprekken aan te gaan, en namen niet deel aan hun vergaderingen.
in 1864, ontvangst van de weigering van de Salon om zijn nieuwe werk te accepteren, Cezanne verliet opnieuw de schilderlessen en keerde terug naar Ex. Waar, hij blijft daar schrijven, kunstlessen niet kunnen verlaten. Als resultaat, zes maanden later, Cezanne komt opnieuw naar Parijs om zijn werk aan te bieden om deel te nemen aan de Salon, en krijgt opnieuw een weigering. gefrustreerd, de kunstenaar die bijna het vertrouwen in zichzelf heeft verloren, gaat weer met niets naar huis.
in bijl, Paul wijdt zich aan portretten. Hij werkt hard, maar volgend jaar werden de werken van de kunstenaar niet geaccepteerd door de Salon. Cezanne was volkomen wanhopig. Hij besloot dat zijn werk nooit begrepen zou worden, maar wilde niet anders schrijven. Weer aangekomen op de Salon en zijn werken tentoonstellen, hij krijgt een spottende ovatie, het publiek lacht openlijk om de schilder.
Maar er gebeurt iets goeds in de Salon - iemand stelt de kunstenaar voor aan Eduard Manet, die warm spreekt over de creatieve zoektocht naar een jong talent. Eindelijk, na ontvangst van een positieve beoordeling, en zelfs van zijn idool, Cezanne krijgt vertrouwen in de juiste keuze van een creatief pad. Terugkerend naar Ex, de schilder wordt een soort beroemdheid. Ze beginnen hem op straat te herkennen, lokale kunstenaars proberen zelfs zijn werken te kopiëren, maar de nieuwsgierigheid van het publiek was nog steeds nogal vijandig.
Verleiding van St. Antonius
Het werk “De verzoeking van Sint-Antonius” (1867-1869, Stichting E. Bürle, Zürich) verwijst naar de vroege werken van Cezanne. Met behulp van een klassiek religieus complot, de kunstenaar beeldt naakte vrouwenlichamen af tegen een achtergrond van de natuur. Werkelijk, de plot was slechts een excuus om openlijk naaktheid te schrijven. St. Antonius zelf, WHO, in theorie, het hoofdpersonage van de foto moest zijn, kreeg een bescheiden plaatsje aan de linkerrand van het doek, en zelfs daar zijn figuur versmelt bijna met de achtergrond.
Noch in de persoon, noch in de pose van St. Antonius kan de innerlijke strijd van menselijk vlees en geest worden gelezen. Als het doel van de kunstenaar was om een christelijke heilige te portretteren die worstelt met een zondige obsessie, dan zou men kunnen zeggen dat het werk van Cézanne mislukte. Maar daar streefde de schilder helemaal niet naar, hij was alleen geïnteresseerd in vrouwelijke lichamen.
Scherpe contrasten van clair-obscur vormen het volume met krachtige monumentale vormen. De klassieke piramidale compositie van het centrale deel van het werk zelf lijkt niet relevant voor de plot:de meisjes die met hun figuren een vicieuze cirkel vormen, wenden zich helemaal niet tot Sint-Antonius. Ze bestaan onafhankelijk van hem. En alleen een vakkundig gearrangeerde figurengroep aan de uiterste rand van het canvas - St. Anthony en de verleidster, die voor hem verscheen in een overdreven open houding, komt overeen met de naam van het werk. Dit paar is gebouwd volgens het klassieke symmetrieprincipe. De open pose van een vrouw die haar lichaam demonstreert, staat in contrast met de gesloten pose van Anthony, die haastig ruwe kleren ruikt.
Het is opmerkelijk dat Cezanne geen schoonheden uitbeeldde, hij schrijft echt onvolmaakte vrouwelijke lichamen. Trouwens, ze kunnen schoonheid met een rek worden genoemd:Cezanne is verre van idealiserende beelden, hij schrijft eenvoudig - vrouwen. De impressionistische invloed is voelbaar in contrasterende kleurtinten en reflecties van het omringende groen op de lichamen van vrouwen. Echter, Cezanne gebruikt de vondst van het impressionisme buitensporig, bijna tot op het punt van absurditeit brengend, wat zijn werk dichter bij het werk van de fauvisten brengt, die de wereldkunstscène nog moeten betreden.
Priveleven
Een jaar later, in 1870, maakte de kunstenaar kennis met Hortense Ficket, die zijn constante model werd. De oorlog die in hetzelfde jaar begon met Pruisen, Cézanne, samen met Fique, gewacht in Estac (provincie Provence). De schilder verborg zorgvuldig zijn band met het model voor zijn familie, anders zou een boze vader hem zonder inhoud achterlaten, dat was nauwelijks genoeg voor het leven. Alleen dankzij de magere hulp van de vader, de artiest, die niet werd begrepen en niet aanvaard door het publiek, heeft kunnen overleven, daarom, zelfs toen Grotzenia's zoon Paul in 1872 werd geboren, deze belangrijkste gebeurtenis bleef een mysterie voor alle familieleden van Cézanne.
Al snel verhuisde de kunstenaar naar Pontoise, waar Camille Pissarro woonde - een van de weinigen die geloofde in het potentieel van Cezanne. Een vriend steunen was erg nuttig. De impressionist Pissarro leerde dat je afstand moet doen van je ego en moet opschrijven wat je ziet, de werkelijke staat van de natuur op het doek overbrengen en de wereld om ons heen niet interpreteren.
Hier, Cezanne maakt kennis met Dr. Ferdinand Gachet, die dol was op schilderen en de "nieuwe" kunst waardeerde. Gachet verklaarde meteen dat hij Cezanne een groot kunstenaar vond, en overtuigde hem om naar zijn huis in Auvers te verhuizen. Gachets enthousiaste perceptie van de creativiteit van Cezanne wekte hoop bij de schilder. Niemand is ooit in zijn werk geïnteresseerd geweest en serieus genomen. Hier, de kunstenaar voelde de oprechte interesse van de hele familie Gachet in zijn werk en begon talrijke landschappen te schilderen, meegesleept door de impressionistische schrijfwijze.
Heldere persoonlijkheid
Het schilderij "Huis van de gehangene" (1873, Museum d'Orsay, Parijs), ondanks zijn sombere naam, is een zonnig landschap. Meesterlijke en ongebruikelijke compositorische constructie van het canvas is als een collage en is gebaseerd op de combinatie van verschillende plannen.
De voorgrond introduceert de kijker in de ruimte van het beeld. Daarop zien we een onopvallende zandhelling, met boomstronken in de linker benedenhoek, hier geplaatst als een "startpunt" voor een geleidelijke opmars in de diepte. Het tweede plan wordt ingenomen door een gebouw met een donker dak en een heuvel bedekt met gras, waarachter zich een lelijk "huis van de gehangene" opent, alsof het uit de heuvel steekt en een derde plattegrond van de foto is. Daarachter zie je het dak van het huis dat er net onder ligt - het vierde plan, waarop gebouwen met felrode bakstenen muren te zien zijn.
In navolging van de kunstenaar het oog van de kijker vanuit de linkerbenedenhoek van het doek daalt langs de heuvel af, kronkelend tussen de muren van gebouwen en oneffen terrein en, dus, de volledige diepte van de ruimte onthullend. En hoe meer je in deze ruimte kijkt, hoe complexer het lijkt. Cezanne bracht het landschap precies zo over zoals hij het in natura zag, zonder het vanuit een perspectief te herbouwen, dus de oranje huizen lijken precies op het dak van het nabijgelegen gebouw te staan, en de uitgestrekte bomen in de linkerbovenhoek van de compositie zijn belachelijk gestapeld recht boven het "opgehangen huis".
Het waren zulke compositorische absurditeiten, ondenkbaar voor klassieke kunst, waardoor de kunstenaar de wereld getrouw kon weergeven zoals hij die zag. Het schilderij “Huis en Boom” (1873-1874, privécollectie) op de compositorische structuur lijkt op een fragment van een eerder werk:dezelfde onvoltooide voorgrond, een wit stenen gebouw groeit nog steeds direct vanaf de heuvel, waartegen een vertakte boom pronkt. De kronkelende stam waarvan, alsof ze het vlak van de muur oversteken, er langs "uitgestrekt", als een gigantische scheur. Zo'n motief geeft vreemde - spannende dramatische akkoorden aan het hele werk, de indruk wekken van een geheim dat het huis in zich heeft, als verborgen achter een stam en takken van een boom.
Het doek “Huis van Dr. Gachet in Auvers” (1873, Musée d'Orsay, Parijs) onderscheidt zich door de afwisseling van de eerste, leeg, en ten tweede - overdreven gevulde plannen. Zo creëert Cezanne een harmonieuze compositie. De afgebeelde huizen, die de kunstenaar dicht op elkaar boetseert, alsof het druk is in deze provinciale straat. Met een zorgvuldige blik op de lijnen van hun muren, het wordt duidelijk dat ze verre van gelijk zijn. Cezanne streeft niet naar de duidelijkheid van lijnen, Integendeel, hij vervormt ze opzettelijk, net als zonlicht dat oppervlakken ongelijk verlicht, afhankelijk van hun textuur en de nabijheid van andere objecten.
Paul Cezanne schrijft alleen wat hij ziet, zonder de omgeving te verrijken, zoals de "juiste" artiest zou moeten doen. Reeds hier manifesteert zich de aantrekkingskracht van de kunstenaar op eenvoudige monumentale vormen, die een kenmerk zal worden van de individuele stijl van de meester. Onder het beschermheerschap van Camille Pissarro, Cézanne, in 1874, neemt deel aan de eerste tentoonstelling van de impressionisten. Opnieuw, zijn werk wordt belachelijk gemaakt, echter, zijn werk, "The Hanged Man's House" is gekocht door een zeer grote verzamelaar, die de kunstenaar hoop geeft, gekweld door onbegrip.
Het moeilijke leven van Cézanne is goed te lezen op het zelfportret uit 1875 (Musee d’Orsay, Parijs). Daarop zien we een opvallend kale artiest met een nieuwsgierige en ongelovige blik. Paul Cezanne zocht intuïtief zijn weg in de kunst, die hij alleen liep, zonder goedkeuring of roem te ontmoeten. De werken van de meester bleven onbegrijpelijk, en hij zelf leed aan een gebrek aan vraag. Alleen natuurlijke koppigheid en eigenzinnigheid hielpen de kunstenaar vooruit, maar voortdurende spot en eenzaamheid deden hem soms twijfelen aan zijn eigen visie op kunst. Dit veroorzaakte wantrouwen naar zichzelf en anderen, wat zichtbaar is in de blik van de schilder.
In het werk “Love Struggle” (Bacchanalia, 1875, Collectie door A. Harris, New York), de kunstenaar wendt zich tot een mythologisch thema dat een vrij beeld geeft van de lay-out in de ruimte van naakte verstrengelde lichamen. Het expressieve doek wekt de indruk van een etude door de onderstreepte uitwerking van de figuren zelf.
Een hele reeks compositiemethoden verergert de enigszins overweldigende indruk van een felle strijd van fel hartstochtelijke huwelijkspartners:bomen hangen dreigend, de lage horizon benadrukt de uitgestrekte lucht, alsof ze druk uitoefenen op helden, zelfs wervelende wolken met ongewoon scherp gedefinieerde contouren lijken agressief. Het schilderij is gebaseerd op het principe van theatrale decors:kliffen met daarop groeiende bomen dienen als backstage. Het gebrek aan diepte in het doek, benadrukt alleen dit effect.
Een belangrijke ontmoeting voor Cezanne vond plaats in 1875, toen Auguste Renoir hem voorstelde aan de enthousiaste verzamelaar Viktor Choquet, die een van de schilderijen van de kunstenaar kocht. Vanaf dat moment begon hun lange vriendschap. in 1877, de schilder maakt het "Portret van zittende Victor Choquet" (Galerij voor Schone Kunsten, Columbus), waarin we een vriend van de kunstenaar zien zitten op een prachtige fauteuil uit het Louis XVI-tijdperk, in een ontspannen huiselijke sfeer.
Aan de muren zijn kunstwerken te zien die deel uitmaken van de Choquet-collectie. Waar, ze zijn niet als geheel in het "frame" opgenomen, maar zijn weergegeven in fragmenten of alleen aangegeven door vergulde kaders. De kunstenaar probeert niet de inrichting van de kamer zorgvuldig te reproduceren of de kenmerken van de held fotografisch nauwkeurig over te brengen. Hij creëert een algemeen beeld van een verzamelaar als een attente en bedachtzame persoon die intuïtief de artistieke waarde van een werk kan waarderen. De lange figuur van Viktor Shoke ziet er enigszins komisch uit op een oude lage stoel, de bovenrand van het canvas knipt zijn grijze haar af, en de poten van het model en de poten van de stoel zijn bijna tegen de onderrand van het doek geschilderd. Dit wekt de indruk dat de verzamelaar nauw binnen het toegewezen kader van het beeld zit.
Een van de vele portretten van Hortense - "Madame Cezanne in de rode stoel" (1877, Museum van fijne kunsten, Boston), die, overigens, is nog niet de officiële echtgenote van de kunstenaar geworden, is ongewoon spectaculair in zijn kleurenschema. De rode bekleding van de stoel contrasteert met de groen-olijf-blauwe kleuren van Hortense's kleding en de muur achter haar, en onderscheidt ook perfect de figuur van de heldin. Het werk maakt een monumentale indruk door de maximale nabijheid van de jonge vrouw tot de toeschouwer. De bovenrand van het canvas snijdt een deel van haar kapsel af, en de onderste - de zoom van haar rok. Cezanne's levenspartner kijkt opzij, en haar handen met gekruiste vingers bouwen een psychologische barrière tussen het model en de kijker.
We zien een zeer algemene overdracht van de lokale kenmerken in het landschap "Bergen in de Franse Provence" (1878, Nationaal Museum van Wales, Cardiff). Cezanne demonteert mentaal objecten in de individuele vormen waaruit ze bestaan, en bouwt er dan zijn eigen werkelijkheid van op. Deze techniek blijft kenmerkend voor constructivisten.
Nog “constructiever” zijn de werken van “Houses in Provence near Estacus” (1879, Nationale Galerij, Washington), "Mount Saint Victoria" (1886, Nationale Galerij, Washington) en “Huis in de Provence” (1885, Kunstmuseum Herron, Indianapolis). Stenen, heuvels, muren van woningen verschijnen voor ons in de vorm van algemene vormen, door het prisma van Cezanne's analytische visie gaan, die al het overbodige van hen afsnijdt, alleen de essentie overlaten. Alle contouren van bergen en velden op het doek "Bergen in de Provence" (1886-1890, Tate Gallery, Londen) worden benadrukt correct en geometrisch.
De kunstenaar is actief bezig, maar de Salon verwerpt nog steeds zijn werken. Op de derde impressionistische tentoonstelling wordt Cezanne opnieuw belachelijk gemaakt. Waar, er is één kenner van de kunst van de kunstenaar, regelmatig zijn werk koopt - een jonge onderofficier die op de beurs werkt, genaamd Paul Gauguin.
Na een solide carrière achter de rug te hebben, Paul Cezanne is nooit een impressionist geworden. Zijn fascinatie voor de impressionistische overdracht van het beeld van de natuur en de licht-luchtomgeving maakte plaats voor een besef van de behoefte aan speculatieve ordening van de omringende werkelijkheid. Het was niet genoeg voor de kunstenaar om te zien en te reproduceren, hij moest de verborgen structuur van de wereld zien en overbrengen.
Ups en downs in het leven
In 1886, een aantal gebeurtenissen vond plaats in het persoonlijke leven van de schilder. Ten eerste, Cézanne, bijna tegen zijn wil (omdat hij erg gepassioneerd was over de jonge meid in het huis van zijn vader), was getrouwd met Hortense, WHO, op aandringen van haar familieleden, verhuisd naar het landgoed Cezanne in de Provence. Tegen deze tijd, de zoon van de kunstenaar Paul was al veertien jaar oud. Ten tweede, een vriend van zijn jeugd, Cézanne, een bekende schrijver Emil Zola, publiceert de roman "Creativiteit", waarin de kunstenaar het hoofdpersonage prototype. De roman demonstreerde perfect Zola's houding ten opzichte van Cezanne zelf en zijn kunst, het beëindigen van het leven van de held door zelfmoord. De schilder vatte dit gebaar op als een luide aankondiging dat een oude vriend niet in de kunstenaar zelf of in zijn kunst gelooft. Zo eindigde de vriendschap tussen de twee genieën van die tijd - een groot schrijver en een groot kunstenaar. Ten derde, de tirannieke vader van de schilder stierf, hem een solide erfenis nalatend.
Twee jaar later, Cezanne maakt een prachtig dubbelportret van zijn zoon Paul, gekleed in een harlekijnkostuum, en zijn vriend, gekleed in een Pierrot-kostuum. Het schilderij "Pierrot en Harlekijn" (1888, A. Pushkin Staatsmuseum voor Schone Kunsten, Moskou) toont een scène uit het Maslenitsa-carnavalfestival, die vlak voor de post plaatsvindt (in verband waarmee de tweede naam van het schilderij “Mardigra”, dat is "Pannenkoekenweek"). Op het doek, de vader bewondert openlijk zijn zoon. We zien de prachtig arrogante knappe Paul, die uit de vleugels stapt, neerkijken op de kijker. Tegen deze achtergrond, de vrijstaande Pierrot, gebogen in een nogal belachelijke positie, lijkt een gedienstige pagina.
Op verzoek van Hortense, in 1888 verhuisden de Cézannes naar Parijs. Een jaar later, de foto van de schilder "The Hanged Man", door de projectie van verzamelaar Viktor Shoke, gepresenteerd op de Wereldtentoonstelling. Maar het werk bleef onopgemerkt door het publiek, omdat het te hoog was geplaatst.
Alweer, de werken van Cézanne werden niet gezien en wilden ze ook niet zien, en zijn talent bleef opnieuw zonder erkenning. De schilder was al in de zestig, gezondheidsproblemen dwongen hem voortdurend van woonplaats te veranderen, maar hij bleef schilderen en realiseerde zelfs zijn jeugddroom - hij creëerde zijn eigen werk in de geest van het werk "Card Players" van Louis Lenin, die al in zijn jeugd grote indruk op hem maakte.
Het schilderij "Kaartspelers" (1892, Metropolitaans kunstmuseum, New York) is een genrewerk dat drie jonge mannen afbeeldt bij hun favoriete tijdverdrijf. De figuur van de waarnemer op de achtergrond is op de schouders afgesneden door de bovenrand van de afbeelding, dankzij haar, in het compositieplan, het doek lijkt onvolledig. Streven naar een duidelijke en beknopte uitdrukking van het idee, Cezanne schreef verschillende versies van dit werk. De definitieve versie van het gelijknamige canvas, rond dezelfde tijd gemaakt, verbaast met volledigheid, beknoptheid en symmetrie, om de buitensporige invloed te overwinnen waarvan, Cézanne snijdt de rug van de rechterspeler af.
De compositorische en semantische centra van het beeld vallen samen - dit zijn de handen van twee zittende mannen die een trotse fles wijn lijken te omlijsten. Het werk is verstoken van het strikte genre dat inherent is aan de vorige versie. Er is niets overbodigs, alles is zeer strikt en uiterst expressief. Spelers gaan volledig op in hun achtervolging, de tijd lijkt voor hen te hebben stilgestaan, de hele wereld is geconcentreerd in twee figuren die naar elkaar toe neigen. Hier en nu, in de lay-out van de kaarten, het belangrijkste wordt geconcludeerd, het spel wordt voor hen een soort heilig werk, waardoor de afbeelding zelf een bepaalde heilige betekenis krijgt. Misschien heeft de fles wijn op het rode tafelkleed de traditionele symbolische betekenis van bloed en verzoening.
Het portret “De man in het rode vest” (1888-1890, Museum van Moderne Kunst, New York) is bijzonder expressief dankzij het meesterlijke kleurgebruik. De plechtige combinatie van rode en witte kleuren wordt versterkt door de overvloed aan zwart, wat het profiel van de held van het canvas extreem helder en contrasterend maakt. Cezanne gaat zwart niet uit de weg, zoals veel impressionisten, maar, Integendeel, introduceert het in het beeld als een vormvormend element. Het haar van de jongeman versmelt met de zwarte draperieachtergrond, deze techniek, de master alsof hij het model in de canvasruimte "indruppelt", tegelijkertijd een bepaald tragisch geluid geven. Het beeld van de geportretteerde is compleet en compleet, zelfs ondanks het feit dat de foto geen bijzonderheden bevat - noch een aanduiding van tijd of plaats, noch een hint van het soort activiteit van de jonge man in een rood vest.
Onderwerp composities en landschappen
Alle stillevens van Paul Cezanne zijn herkenbaar:met de eenvoudigste minimale set objecten (verschillende vruchten, porseleinen vazen, borden en kopjes), opzettelijk onzorgvuldige draperieën met knikken en talrijke plooien die op de tafel worden gegooid, geven de compositie een decoratieve en unieke expressiviteit.
Het schilderij "Stilleven met suikerpot" (circa 1888-1890, het Staatsmuseum de Hermitage, St. Petersburg) is een van de beroemdste werken van Cezanne. Hier weigert de schilder een lineair perspectief; we zien geen gemeenschappelijk verdwijnpunt op het doek.
We zien een rechthoekig tafelblad met witte draperie er nonchalant overheen geworpen, bekleed met porseleinen schalen en fruit, vanuit twee gezichtspunten tegelijk:van boven en van voren, wat onmogelijk is voor traditionele kunst, die, sinds de Renaissance, gewerkt aan de juiste overdracht van driedimensionaal canvas op de tweedimensionale vlakke ruimte.
Paul Cezanne bouwt zijn stilleven in strijd met de belangrijkste wet van de schilderkunst:perspectief. Door de verkeerde constructie van de ruimte en de vervorming van het perspectief, het wordt onmogelijk om de afstand van de muur tot de tafel te bepalen, of aan de bewerkte houten poten die op de achtergrond zichtbaar zijn, blijkbaar, de jardinier. De relatie tussen evenwijdige en loodrechte vlakken van de muren, tafel, vloer en laden worden ook impliciet. De ruimte beroofd van diepte en perspectief, gebouwd met relatieve inachtneming van de geometrie, maakt een stilleven vergelijkbaar met religieuze schilderkunst, waarvan de stijl is gemaakt en goedgekeurd vóór het perspectief, en negeerde het vaak.
Cezanne creëert zijn eigen coördinatensysteem waarin elk object zelfvoorzienend wordt en op zichzelf een "model" voor de kunstenaar kan zijn. "Extra", op het eerste gezicht, het gedeelte van de poten van de jardinier is niet voor niets geïntroduceerd:dit specifieke onderdeel, ten eerste, "houdt" de hele compositie in de rechterbovenhoek van het canvas en, ten tweede, dient als een krachtig kleuraccent in de algehele koude kleurachtergrond van het bovenste deel van de afbeelding, de bruinachtige tinten resoneren harmonieus met een bruin tafelblad en warme tonen van rijp fruit. Het is geen toeval dat de kunstenaar vrijelijk objecten componeert op het vlak van de tafel zonder ze in groepen te verenigen - als we er mentaal een verwijderen, de integriteit van de compositie zal niet worden verbroken.
Dezelfde kenmerken zijn ook kenmerkend voor Stilleven met appels en sinaasappels (1895, Museum d'Orsay, Parijs), Stilleven met draperie (1899, Staatsmuseum de Hermitage, St. Petersburg) en Stilleven met aubergines (1893-1894, Metropolitaans kunstmuseum, New York). In het eerste werk de rol van stoffen die de ruimte vormen met hun pittoreske plooien is vooral duidelijk. Het zijn luxe stoffen die het hele oppervlak van het canvas vullen. Ze maken het perspectief overbodig, bij afwezigheid van het gebruikelijke coördinatensysteem, ruimte verliest driedimensionaliteit. Een chaotische, op het eerste gezicht, hoop plooien verbergt het meubilair en de gebouwen. Het is volstrekt onduidelijk waar de voorwerpen op staan. Dankzij dit effect het wekt de indruk van benadrukte decorativiteit, en zelfs theatraliteit, nog meer verbeterde planaire interpretatie van de ruimte.
In dit stilleven, de meester werkt zeer expressief met kleur. Heldere oosterse stoffen die doen denken aan exotische draperieën van de grote romantische schilderijen van Eugene Delacroix, een idool voor Cézanne, creëer de achtergrond voor een achteloos gegooid, gevlekte witte doek en porseleinen vaas. De aandacht van de kijker wordt eerst getrokken door deze oogverblindende, complex ontworpen plek, zodat, genieten van de meesterlijke overdracht van de stof, concentreer je dan op de heldere vruchten, alsof het op een witte achtergrond gloeit. Het is een witte kleur die vakkundig de hele compositie organiseert. Hij laat niet toe dat het oog verdwaalt in de feestelijke bloei en ronddwaalt over het doek, het introduceren van strengheid in de coloristische beslissing en het "verzamelen" van de compositie naar het midden.
Met behulp van kleur, de eenheid van de compositie wordt bereikt in Stilleven met aubergine. Dankzij het koude blauw-lila assortiment, het canvas ziet er verrassend naadloos uit, terwijl het een helder contrast heeft in de vorm van oranjerode appels. De algehele tonaliteit van het werk egaliseert, als een willekeurige opstelling van objecten in een stilleven. Als het niet voor de kleur was, de keramische vazen, het bord en de fles te dicht bij elkaar, ze zouden eruit hebben gezien als een absurde hoop willekeurige dingen.
Een van de bewijzen van interne depressie bij kunstenaars kan dienen als Stilleven met schedels (1898-1900, prive collectie). Soortgelijke werken verschenen in de wereldkunst van de Nederlanders en behoorden tot de werken van "vanitas" ("ijdelheid der ijdelheden"), symboliseert de vergankelijkheid van al het aardse. Opgevouwen stoffelijke overschotten worden van dichtbij bekeken en nemen het grootste deel van het oppervlak van het doek in beslag. De afwezigheid van andere objecten op de foto en lege oogkassen, de ogen van de kijker vangen, aanleiding geven tot godslasterlijke associaties met het portret, en niet met stilleven.
Hoewel Cezanne de belangrijkste erfgenaam van zijn vader was, zijn favoriete landgoed in Aix werd zonder zijn medeweten door zijn familieleden verkocht. Ook, de persoonlijke bezittingen van Cezanne, de oudere, en zelfs de meubels die de kunstenaar zich van kinds af aan herinnerde, waren vernietigd.
Gefrustreerd door het verlies van zijn geboorteland, de schilder besluit een landhuis te verwerven met de grimmige naam Black Castle. Ondanks dat dit voornemen nooit is uitgekomen, Cezanne wijdt verschillende van zijn landschappen aan deze plek - "Forest at the Rocky Caves above the Black Castle" (1900-1904, Nationale Galerij, Londen), evenals "Molen aan de rivier" (1900-1906, Marlborough Art Gallery, Londen). In hen, de artiest, zoals eerder, ontleedt alle vormen in samenstellende delen, maar gaat verder - in het algemeen, de stijl van de werken ligt dichter bij het post-impressionisme, maar al tot abstractie.
Mount Victoria is een favoriete bestemming geworden voor Paul Cezanne om zijn landschappen te creëren. Hij bewonderde haar prachtige schoonheid in zijn jeugd. In de late periode van creativiteit, de meester schilderde herhaaldelijk uitzicht op deze berg, het overbrengen van zijn schoonheid in verschillende atmosferische omstandigheden en met verschillende verlichting.
Aan het einde van zijn leven, Cezanne ontwierp een grootformaat meercijferige compositie van naakte zwemmers in de boezem van de natuur. De kunstenaar heeft er lang van gedroomd om dit canvas te schrijven en er zijn verschillende opties gemaakt op verschillende tijdstippen. Door natuurlijke verlegenheid en gebrek aan geld, Cezanne maakte nooit gebruik van de diensten van modellen. Daarom, om zijn eigen compositie van verschillende naakte vrouwelijke lichamen te creëren, hij vroeg zelfs een van zijn vrienden om foto's van het vrouwelijk naakt te krijgen. Misschien verklaart dit de hoekigheid van alle figuren die door de kunstenaar zijn gemaakt zonder op de natuur te vertrouwen.
De schilder heeft veel en hard gewerkt aan het schilderij “Big Bathers” (circa 1906, het kunstmuseum, Filadelfia), zorgvuldig rekening houdend met de lay-out van de naakten in de ruimte, minutieus het ritme van lichaamslijnen en uitgestrekte armen verzoenen, die, samen met hellende boomstammen, vormen een harmonieuze halve cirkel. Het werk moest een meesterwerk worden, een soort hoogtepunt van Cezannes creativiteit. De kunstenaar hoopte zichzelf te vinden door de harmonie van de 'rondheid van de vrouwelijke borst en schouders van de heuvels'. Helaas, we zullen nooit weten wat voor soort artiest de artiest uiteindelijk zou willen zien, since death interrupted his work.
World fame coming too late
Paul Cezanne was a loner, he followed his unbeaten path, almost misunderstood and ridiculed by too many. The artist did not want a simple reproduction of nature, he sought to know its inner essence and convey this fundamental structure on the plane of the canvas. The master’s work anticipated the art of cubism and abstraction, depicting reality refracted by the consciousness of a particular person. Cezanne discovered the world "new art", completely constructed in his mind, and therefore deeply original and individual.
Only at the end of life, recognition gradually began to come to the artist. In the late 1880s, a Parisian art dealer Ambroise Vollard became interested in the work of Cezanne. At first he studied the work of the master, looked closely at them, was interested in the opinions of other artists. After much deliberation, Vollard decides to track down Cezanne to organize his first solo exhibition.
The exhibition, which opened in 1895, covered all periods of the painter’s work, showing the evolution of his creative vision and revealing to everyone the unknown Cezanne. Those who came to support the artist Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir and Camille Pissarro were amazed. Monet and Degas immediately bought several works of an old friend, and the Parisian public was already ready to accept the art of Cezanne.
After the first exhibition, the second followed. Vollard, although inexpensively, but stably bought the artist’s work. Two of his paintings were acquired by the National Gallery of Berlin. Maar, only in 1900, the painter finally won recognition at home, in Aix, putting an end to bullying and ridicule.
Gradually, thanks to his participation in the Paris International Exhibition, and other events dedicated to art, Cezanne became famous throughout the world, the name of the artist turned into a legend. Echter, helaas, this well-deserved recognition came to the painter very late. October 22, 1906 Paul Cezanne died. Only after the death of the artist, his paintings truly found their audience.
