Koning der schilders Titiaan Vecellio (1477-1576)
Titiaan Vecellio da Cadore is een van de grootste kunstenaars aller tijden, samen met legendes van de Italiaanse Renaissance als Leonardo, Michelangelo en Raphael. Titiaan, een erkend genie van zijn tijd, werd "de koning der schilders en de schilder der koningen" genoemd. De ontdekkingen van deze titaan van de schilderkunst op het gebied van beeldende kunst, op een of andere manier, beïnvloedde het werk van alle latere kunstenaars. Titiaan speelde een grote rol in de ontwikkeling van het mythologische genre, landschap en portret. Trouwens, met de penseel van een meester vastgelegd worden was de hoogste onderscheiding voor zijn tijdgenoten.
Titiaan - Galerij van schilderijen op Gallerix.ru
De kunstenaar leefde een lang leven, het bewaren tot zijn laatste dag helderheid van denken, gevoeligheid van waarneming, gezichtsscherpte en verbazingwekkend vermogen om te werken. Hierdoor kon Titiaan tot het einde van zijn dagen de kwast niet uit zijn handen laten en de nakomelingen een uitgebreid artistiek erfgoed nalaten. In zijn creaties kwetsbaarheid en plechtigheid, spiritualiteit en de alledaagsheid van de werkelijkheid, de tragedie en schoonheid van mens en wereld werden op een wonderlijke manier gecombineerd. Niet zonder reden, de werken van de schilder werden talloze keren gekopieerd.
Het leven en werk van de kunstenaar vielen in de periode van de hoogste welvaart van Venetië, de pracht van zijn macht en glorie, de tijd van wereldwijde veranderingen en historische gebeurtenissen. Volgens verschillende bronnen Titiaan werd geboren in het jaar 1477 of 1480. Zijn ouders behoorden tot een oude familie die in het kleine stadje Pieve di Calore woonde, gelegen in de Alpen. De jongen toonde al vroeg dat hij goed kon tekenen en op tienjarige leeftijd stuurden zijn ouders hem naar Venetië om te studeren. De fundamenten van de beeldende kunst die de jonge Titiaan begreep in het atelier van Giovanni Bellini, die een belangrijke rol speelde in het lot van de jonge kunstenaar, hem kennis te laten maken met de toch al beroemde schilder Giorgione. Deze ontmoeting speelde een grote rol in het leven van Titiaan, dankzij haar vond hij al vroeg zijn eigen stijl en kreeg hij erkenning. En hoewel twee getalenteerde kunstenaars geen vrienden werden – gewoontes, karakters en kijk op het leven waren te verschillend - men kan de rol die Giorgione speelde in het leven van Titiaan niet onderschatten. Het respect van de laatste voor zijn oudere kameraad kan worden beoordeeld aan de hand van het overgebleven bewijs van hoe hard Titiaan de onverwachte dood van Giorgione onderging (de grote kunstenaar stierf onverwacht toen hij nog maar vijfendertig jaar oud was).
Een bijzonder eerbetoon aan het talent van Giorgione en de belangrijke rol die hij speelde in het lot van Titiaan was de restauratie door de kunstenaar van Giorgiones Slapende Venus, die in het vuur was verbrand. Titiaan herschreef het doek, onherstelbaar beschadigd door brand, volledig opnieuw, met behoud van alleen de pose van de heldin en haar tedere gezicht. De bescheiden schilder begon de foto niet met zijn eigen naam te signeren en noemde nooit het bijna volledige auteurschap van het meesterwerk dat werd toegeschreven aan het penseel van Giorgione. Misschien was dit werk de eerste mijlpaal in de daaropvolgende verwarring, waardoor, in de loop van vele decennia, Titiaans schilderijen, onderscheiden door hun zeldzame perfectie van uitvoering, werden vaak toegeschreven aan de penselen van Giorgione.
Maar laten we een beetje teruggaan, namelijk in 1508, tijdens de "gouden eeuw" van de Italiaanse Renaissance, toen een erkend kunstenaar de jonge Titiaan uitnodigde om hem te helpen bij het inrichten van de Duitse Compound in Venetië. Giorgione begon zijn deel van de Duitse Compound veel eerder te ontwerpen dan zijn jongere kameraad, voor zichzelf de voorgevel van het gebouw kiezen die er voordeliger uitziet. Titiaan bleef achter met de achterkant van de binnenplaats met uitzicht op een smalle straat, die altijd gevuld was met mensen. Giorgione, die niet alleen een getalenteerd schilder was, maar ook een charmante man, hij was altijd omringd door vele vrienden die af en toe naar de werkplek kwamen om de kunstenaar te prijzen en zijn creatieve geest te verhogen. Titiaan, onderscheiden door zijn stilte en isolement, werkte voornamelijk in eenzaamheid. Niet verrassend, de talentvolle en zelfverzekerde Giorgione was veel eerder klaar met de klus dan zijn jonge collega.
Toen de restauratie van de Duitse Compound eindelijk voltooid was, heel Venetië rende om dit wonder te zien. De vreugde van het publiek kende geen grenzen en, volgens talrijke getuigenissen, Het schilderij van Titiaan was het meest sensationeel. Om de muurschilderingen te beoordelen, een speciale commissie werd opgericht, onder leiding van Bellini. De herinneringen van een van de getuigen die daar die dag aanwezig waren – Dolce overleefde:“Titiaan portretteerde de magnifieke Judith, ze is vooral lof. De kleur en het ontwerp waren zo perfect dat zodra ze voor het publiek verscheen, alle vrienden van Giorgione, die unaniem besloot dat dit zijn werk was, begon de kunstenaar onmiddellijk te feliciteren, hem verzekerend dat dit de beste van al zijn creaties was. " Helaas, op dit moment kunnen we het werk van de twee meesters niet beoordelen, want na slechts dertig of veertig jaar, de fresco's gingen bijna volledig verloren door de zeer vochtige, verzadigd met zeezout, Venetiaanse lucht, verroeste verf. Maar zelfs van de individuele fragmenten die bewaard zijn gebleven, het is duidelijk dat Titiaan deze moeilijke test op briljante wijze heeft doorstaan, zichzelf uitroepen als een getalenteerde kunstenaar met een diep individuele stijl.
En het gewicht, dankzij deelname aan dit project, begon al heel vroeg over de werken van Titiaan te praten, aangezien de eerste werken van de meester opvielen door hun zeldzame realisme en zorgvuldige overdracht van details, wat voor jonge schilders zelden mogelijk was. Niet de minste rol in de vroege erkenning van de kunstenaar werd gespeeld door de uiterst gunstige situatie voor creatieve mensen in het land. Gedurende deze periode, Venetië leefde in vrede en welvaart, dankzij een krachtige vloot, ontwikkelde handel en een sterke economische positie.
Creëer een unieke stijl
Het was een tijd waarin dichters, schrijvers, musici en kunstenaars portretteerden gelukkige mensen tegen de achtergrond van de serene natuur, en de belangrijkste thema's voor kunstwerken waren liefde, schoonheid en poëzie van relaties. In een dergelijke omgeving, het creatieve pad van de jonge Titiaan begon.
aanvankelijk, de kunstenaar werd meegesleept door het beeld van de natuur, en de magische tijd voor zonsondergang, toen de lucht een heldere kleur kreeg, verzadigde kleur, werd zijn favoriete moment van de dag. Je kunt wel raden dat het favoriete seizoen van Titiaan de herfst was, met zijn rel en veelkleurige kleuren. Waar, de liefde voor landschappen duurde niet lang, overuren, de meester begon de voorkeur te geven aan een ander genre, namelijk portret.
Mensen begonnen de kunstenaar aan te trekken, met hun rijke en complexe innerlijke wereld. Onder de vroege werken van de kunstenaar, “Portret van een man in een jurk met blauwe mouwen”, die een van de beste vrienden van de kunstenaar voorstelt, de dichter Ludovico Ariosto, leunend op de borstwering met de initialen "TV", onderscheidt zich als een speciale vaardigheid. Waar, er is een versie dat Titiaan zelf op de foto staat afgebeeld, die nu is opgeslagen in de National Gallery in Londen. De vraag blijft controversieel, maar niet fundamenteel aangezien het belangrijkste in dit werk niet het object is, maar de manier van schrijven van de jonge kunstenaar en de vaardigheid waarmee ze werd uitgevoerd. De sierlijke kleur van de foto, de lichtheid van de slagen, de eenvoudige en harmonieuze compositie, de prachtig beschilderde stof van mannenkleding, een beetje van bovenaf op de kijker neerkijken, dit alles kenmerkt Titiaans toch al uitstekende talent.
Overuren, Titiaans werk werd gevuld met steeds grotere verhalen, dynamiek, spanning en drama. De natuur op hen was niet langer stil en statisch, het was gevuld met leven, en mensen tegen de achtergrond waren gevuld met gevoelens en bewegingen. Bijvoorbeeld, op het schilderij Three Ages of Men (1512, Nationale Galerie van Schotland, Edinburgh), het verstrijken van de tijd en de beknoptheid van de menselijke tijd worden weergegeven. De plot van de foto, ontvouwen tegen de achtergrond van een zonnig landschap, moet van rechts naar links worden gelezen. Twee baby's, slapend in een zoete slaap op de voorgrond rechts, verbeelden het serene begin van het leven wanneer een persoon nog niet weet welke vreugden en zorgen hem in de toekomst te wachten staan. De kleine engel bewaakt de rust en veiligheid van de kinderen, waar het jonge gras nauwelijks omheen loopt. In het linkerdeel van de compositie, op de voorgrond, onder een dikke kruin van een boom, is een jong verliefd stel. Dit deel van de foto vertegenwoordigt het midden van het leven als we jong zijn, vol kracht, verlangens, gezondheid en energie. En op de achtergrond zit een oude man met twee schedels in zijn handen. Schedels symboliseren de onvermijdelijkheid van de dood die op elke persoon wacht wanneer zijn leven tot een einde komt. Het hoofd van de oude man wordt op de borst neergelaten, uiting geven aan het verdriet en de hopeloosheid van de ouderdom. De betekenis van de afbeelding is eenvoudig:we worden allemaal geboren om later te sterven. Dit onderwerp boeide Titiaan tijdens zijn hele werk, weerspiegeld in andere doeken, bijvoorbeeld, “Allegorie van tijd en geest, ” die we later zullen bespreken.
Het schilderij “Country Concert” (circa 1510, het Louvre, Parijs) behoort ook tot de beginperiode van de creativiteit van de kunstenaar, waarin Titiaan op een mooie en rustige avond een verrassend harmonieuze versmelting van de mens met de natuur wist over te brengen. Hier voor ons zijn twee jonge mannen in mooie kleren van lichtgroen en helder, rood-oranje kleuren. Een van hen is een muzikant, hij staat op het punt de snaren van zijn luit aan te raken, de ander is een dorpeling, hij is bereid goed te luisteren. Op de voorgrond een naakte vrouw, in haar handen een fluit, hoogstwaarschijnlijk is dit Muse. Ze staat met haar rug naar de toeschouwer en kijkt de muzikant aandachtig aan. Aan de linkerkant van de compositie staat nog een naakte maagd, in haar handen is een vat met water, symboliseert het idee om alle levende wezens te zuiveren door middel van communicatie met kunst. Naaktheid van meisjes tegen de achtergrond van de natuur ziet er erg harmonieus uit en is een belangrijke allegorie van de uitdrukking van kuise gevoelens.
De compositie wordt gecompleteerd door de achtergrond, ons terugbrengen van deze verbazingwekkende en poëtische sfeer naar het proza van het leven, waarvoor het onmogelijk is om je ergens voor te verbergen. De herder, dwalend met zijn kudde onder de dichte kronen van bomen, werd de personificatie van de aarde op de foto. In de diepten van de foto zie je de daken van eenvoudige boerenhuizen, de mensen die erin wonen vermoeden het bestaan van deze hemelse hoek van de natuur niet eens. Als je naar de foto kijkt, krijg je het gevoel dat hoewel de held geen tijd heeft gehad om op de luit te gaan spelen, de betoverende klanken van muziek hebben al de hele ruimte weten te vullen. aanvankelijk, dit schilderij werd toegeschreven aan het penseel van Giorgione, omdat het zijn methoden zeer sterk beïnvloedt – het beeld van een ideale wereld vol dromen en illusies, bestaande buiten real-time en ruimte.
Het onderwerp van het contrast tussen het verhevene en het aardse werd weerspiegeld in een ander werk van Titiaan, die tot dezelfde periode behoren. Op het schilderij "Interrupted Concert" (circa 1510, Palazzo Pitti, Florence), we zien een jonge monnik enthousiast spelen op een spinet. Achter hem staat een oudere man die het spel van de jongeman probeert te stoppen door zijn schouder aan te raken. Met tegenzin maakt de monnik zich los van zijn bezigheid:zijn dunne vingers blijven boven de toetsen fladderen, hoewel zijn hoofd al opzij is gedraaid. Het gezicht van de senior kameraad is streng, de reden is de jonge man die links staat, in de kleren van een patriciër met een arrogante en lege blik, draaide langs de muzikanten, met een ironische glimlach op zijn lippen.
Het belangrijkste idee van de foto is dat de sublieme wereld van kunst, harmonie, schoonheid en liefde kunnen altijd worden vernietigd door brute realiteit die op de meest onverwachte manier inbreekt. Dus op de foto de onverschilligheid van de patriciër, ver van de wereld van de muziek, en, in feite, onverschillig, laat een man met een luit in zijn handen zijn gefascineerde kameraad stoppen, om geen kracht en inspiratie te verspillen aan iemand die het niet kan waarderen.
Misschien is de plot van het schilderij beïnvloed door de werken van de filosoof Plato, destijds gepubliceerd in Venetië, die in zijn "Wetten" het idee uitdrukte dat:"de mooiste kunst die is die alleen door de uitverkorenen wordt waargenomen."
Een van Titiaans eerste bijbelse schilderijen is een schilderij getiteld "Do Not Touch Me" (circa 1512, Nationale Galerij, Londen). Centraal op het doek staat een episode uit het evangelie waarin Jezus Christus aan Maria Magdalena verschijnt, en zij, om er zeker van te zijn dat Hij echt leeft en geen droom, reikt tot Hem. Maar Jezus bedekte zijn naaktheid verlegen met een lijkwade, hij zegt:"Raak me niet aan, want ik ben nog niet opgestegen naar mijn Vader." De achtergrond voor de plot is het landschap - een hoge boom afgebeeld in het midden van het canvas, huizen staan rechts op de heuvel, en de zee is zichtbaar in de verte. De figuren van Maria en Christus op de voorgrond gloeien letterlijk, meesterlijk geselecteerde kleuren in gouden, bruin- en okertinten deden kunsthistorici lange tijd denken dat het schilderij tot de kwast van Giorgione behoort.
Liefde en afgunst van de machthebbers
Titiaan, van jongs af aan vriendelijk behandeld door de machthebbers, werd vele malen aangeboden om zijn geliefde Venetië te verlaten en zich onder de vleugels van een of andere beschermheer te vestigen. Maar de kunstenaar was te dol op deze stad en verwachtte hier zijn leven en carrière op te bouwen. Daarom, enige erkenning te hebben gekregen, de schilder schreef een beroepschrift aan de heersers van de stad, waarin hij voorstelde het moeilijkste werk te doen om de zaal van de Grote Raad te plannen. Samen met dit, hij vroeg om tegen die tijd zijn kandidatuur in overweging te nemen voor de vacante functie van bemiddelaar in de zoutvoorziening bij de Duitse Compound. Op het eerste gezicht, dit is raar, maar deze administratieve positie in Venetië was bezet, als een regel, door kunstenaars. Dit was te wijten aan de specifieke kenmerken van hun werk, kennis van mineralen vereist, of het nu zout of verf is. De intermediaire functie was een versnapering voor elke kunstenaar van die tijd. Ze gaf het recht op een jaarsalaris en de eretitel van officiële schilder van de Republiek San Marco. En dit, beurtelings, voorzag de kunstenaar van werk - hij ontving automatisch het grootste deel van de staatsorder, inclusief de portretten van alle nieuwe doges voor de zaal van de Grote Raad. In aanvulling, de schatkist betaalde veel van de kosten van de kunstenaar:het huren van een werkplaats, aankoop van doeken en verf, evenals enkele andere behoeften.
En dus, in 1513, Titiaan had ongelooflijk veel geluk - de regeringsraad accepteerde zijn voorstel. De gelukkige kunstenaar begon zich op een nieuwe plek te vestigen. Veel studenten kwamen naar zijn werkplaats, jonge kunstenaars droomden ervan om met zo'n erkende en beroemde meester te werken, rijpere schilders benijdden zijn gunstige en eervolle positie. Maar, helaas, Titiaans vreugde duurde niet lang. Een andere eerbiedwaardige kunstenaar, Giovanni Bellini, in wiens werkplaats de jonge Titiaan werkte, was verontwaardigd over deze benoeming, en hij wendde zich tot zijn beschermheer - een van de invloedrijke Venetiaanse Doges - met het verzoek het besluit van de Raad aan te vechten. Als resultaat, een schandaal uitbrak, en het besluit om Titiaan te benoemen werd snel teruggedraaid. Dit werd ook vergemakkelijkt door een wijziging in de samenstelling van de Grote Raad, wat voor de jonge kunstenaar dus op het verkeerde moment gebeurde. Titiaan was woedend, maar gaf zijn ambitieuze plannen niet op. Het resultaat van zijn strijd was zijn nieuwe benoeming tot zoutbemiddelaar, die slechts vier jaar later plaatsvond, in 1517.
Titiaan uitte gedeeltelijk zijn woede op de machthebbers in zijn werk The Caesar's Dinarium, gemaakt in 1516 (nu bevindt het schilderij zich in de kunstgalerie van Dresden). Het doek is beschilderd met een ongewoon rijk en rijk palet, waardoor de afbeelding erg reliëf lijkt. De compositie van de foto is eenvoudig en expressief. twee figuren, getoond taille-hoog, lijken te botsen op het doek. Dit zijn twee tegenpolen – deugden naar het beeld van Christus die in het midden staat en hebzucht naar het beeld van de Farizeeër, alsof je de foto van rechts binnendringt. De huichelaar reikt de denarius uit tot Christus, zijn hele uiterlijk provocerend en onaangenaam. Christus, Integendeel, is een belichaming van zuiverheid en oprechtheid, zijn figuur op een donkere achtergrond, als het ware, verlicht het hele doek. Hij kijkt rustig naar de Farizeeër, in zijn ogen vertrouwen en een stomme vraag:"Waarom verleid je me?" De betekenis van de afbeelding is eenvoudig en begrijpelijk - de Heer kent al onze gedachten, omdat Hij de Alziende is, en Zijn antwoord is eenvoudig, maar diep:"Geef Caesar wat van Caesar is, maar God de God." Met de traditionele bijbelse plot, de kunstenaar weerspiegelde daarin zijn diepste gedachten over goed en kwaad. De algehele kleur van de foto is alarmerend. Helder, alsof gevuld met licht, de gewaden van Christus, in combinatie met zijn onberispelijk verlichte gezicht, scherp contrast met de bruin-gouden tinten die de Farizeeër uitbeelden, belichaamt al het kwaad en onrecht van de wereld. Zijn uiterlijk is kleurrijk - een ruwe neus met een bult, een hoog voorhoofd, een oorbel in het oor, gebruinde huid, een pezige hand steekt een munt uit. Het is geen toeval dat twee figuren, waarvan er één staat voor goedheid en adel, en de andere - alle laagheid en gemeenheid waartoe een persoon in staat is, zo'n andere ruimte op het doek innemen. Het is geen toeval dat Titiaan de figuur van de Farizeeër snijdt, drukt hem tegen de rand van het beeld, daarmee zijn houding tonend ten aanzien van de strijd tussen goed en kwaad, zijn eindeloze geloof dat het goddelijke principe dat in ieder mens is opgeslagen alle ondeugden van de wereld kan verslaan.
Zoek naar persoonlijk geluk
Het persoonlijke leven van de kunstenaar werkte niet meteen. Lange tijd kon hij zijn geliefde niet naar zijn zin vinden. Voor de eerste keer, Titiaan kwam op het idee om te trouwen toen hij de dochter van zijn vriend ontmoette - een heel jong meisje genaamd Violana. Helaas, er was geen bewijs dat zijn liefde wederzijds was, maar te oordelen naar het feit dat Violana vaak het atelier van de kunstenaar bezocht en voor hem poseerde voor een aantal werken, Titiaan was niet onverschillig voor haar. Waar, ondanks dit, het huwelijk vond niet plaats. De biografen van Titiaan kunnen alleen maar speculeren over de redenen voor deze uitkomst, maar hoogstwaarschijnlijk de ouders van het meisje waren tegen de vakbond.
De kunstenaar vereeuwigde zijn liefde en passie voor Violanta in het schilderij Flora, geschreven rond 1515 (nu behoort het werk tot de Galleria degli Uffizi in Florence). Dit werk werd een echt meesterwerk van de jonge Titiaan. Het beeld is doordrenkt van sensualiteit en bewondering voor vrouwelijke schoonheid. Een mooi goudharig meisje houdt in haar rechterhand een bos van de eerste lentebloemen, met haar andere hand houdt ze een mantel vast die van haar schouder glijdt, bijna haar volledige borst bloot. Het beeld van Violana verscheen later in veel werken van de meester ("Hemelse liefde en aardse liefde", "Solomei", "Jonge vrouw met een spiegel", “Violana” en anderen), als een belichaming van ware schoonheid en vrouwelijkheid. Maar Flora werd de beroemdste van hen, het canvas werd vele malen gekopieerd en gekopieerd door andere kunstenaars.
Het tweede belangrijke werk van de kunstenaar, geschreven in dezelfde periode, was "hemelse liefde en aardse liefde" (circa 1515, Borghese Galerij, Rome). De ideologische inspiratie van de foto was Bembo's "Azolan Nymphs" en de roman "Love Battles in Polyphilus Dreams", die actief werden besproken in Venetiaanse salons. De wortels van beide liggen in de Romeinse mythologie, waarin twee Venus de eenheid van tegenstellingen personifieerden - sublieme platonische gevoelens en vleselijke verlangens en passies.
Het canvas is geschilderd in verrassend heldere en lichte kleuren die een vrolijke perceptie van het leven en de wereld eromheen overbrengen, het staat vol allegorieën en symbolen, zoals het is gemaakt in opdracht van een persoon die goed thuis is in kunst. Op de voorgrond van de foto staan de figuren van twee mooie vrouwen die bij de bron zitten. Aan de linkerkant is de prachtige Violana in het beeld van Aardse Liefde. Haar jurk werd onderschept door een riem met een metalen gesp, die het symbool van het huwelijk verbeeldt, zijn embleem is een krans van twijgen van een mirteboom op haar hoofd. Hemelse liefde aan de rechterkant van de foto houdt plechtig een brandende lamp in zijn opgeheven hand, alsof we aardse liefde zegenen voor wederkerigheid. Het is moeilijk om dat niet te merken, ondanks het feit dat de twee vrouwen op het doek, als het ware, tegenpolen van elkaar - in feite zijn ze op hetzelfde gezicht. Het verschil zit alleen in de outfits van de heldinnen. Hemelse liefde is naakt, alleen een stuk witte stof bedekt haar heupen - dit is een symbool van haar puurheid en onschuld, haar rode cape staat in schril contrast met de ingetogen en ingetogen kleuren van de kleding van Aardse Liefde.
Zoals op elk canvas uit die tijd, de achtergrond speelde een niet minder belangrijke rol in de symbolische betekenis van het beeld dan de hoofdpersonen. Het sensuele en tegelijkertijd ongewoon heldere landschap wordt door een machtige boom in tweeën gedeeld. Op de "aardse" helft van de afbeelding is een rijk huis afgebeeld en een ruiter die ernaartoe nadert, die klaarblijkelijk een liefhebbende en trouwe vrouw buiten de poort staat te wachten. Hazen, achtergelaten de figuur van aardse liefde betekent vruchtbaarheid. Het landschap aan de rechterkant van de foto omvat een kerkklokkentoren te midden van bergketens, een meer en een kudde schapen met een herder die hen bewaakt. In het midden van het doek is Cupido bezig de gevallen rozenblaadjes uit het water te vangen.
In deze ongewoon harmonieuze compositie, de meester probeert op een zeer elegante manier het actuele en ethische dilemma voor zichzelf op te lossen over de relatie tussen verheven gevoel en vleselijke hartstocht. Het lyrische werk is gevuld met veel zeer realistische details die kenmerkend zijn voor de huidige schrijversstijl van Titiaan, evenals zijn rijke palet. De klant van het canvas, een ambtenaar verliefd op de Grote Raad, was zeer tevreden over het schilderij, niet eens vermoedend dat het een groot meesterwerk van de wereldschilderkunst zou worden.
Tegelijkertijd, het schilderij "Madonna met kersen" werd geschilderd (1515, Kunsthistorisch Museum, Wenen). Het canvas onderscheidt zich door de helderheid van de coloristische oplossing en de exacte detaillering van alle figuren en objecten, die, ongetwijfeld, spreekt over het grote talent en de vaardigheid van de auteur.
Wat betreft het verhaal van de onvervulde liefde van Titiaan en de jonge Violana, ze, tegenstand van anderen en familieleden hebben ontmoet, kwam vanzelf op niets uit. De meester keerde terug naar huis, niet eens vermoedend dat daar het lot hem wachtte. De oudere broer van de kunstenaar bracht een nieuwe huishoudster naar zijn huis - een eenvoudig meisje, Chechilia. Met haar, het huis van de kunstenaar was gevuld met netheid en comfort, zijn haard kwam tot leven, de keuken was vol heerlijke geuren. Titiaan werd getroffen door de eenvoud, spontaniteit, bescheidenheid en adel van Chechilia. Maar toen wist hij nog steeds niet dat zij het was die zijn metgezel voor het leven zou worden, een trouwe vriend en moeder van drie kinderen.
De officiële schilder van de Republiek St. Mark
in 1517, Titiaan, eindelijk goedgekeurd als de officiële kunstenaar van de Republiek San Marco, gewerkt om het altaarbeeld van de Hemelvaart van Maria te creëren (1516-1518, Kerk van Santa Maria Gloriosa dei Frari in Venetië). Op de openingsdag, de kerk was overvol met vooraanstaande gasten en gewone mensen. Toen het deksel plechtig van het altaar werd verwijderd, de aanwezigen snakten letterlijk naar adem van het verblindende licht dat het uitstraalde. De emotionele intensiteit bereikte zijn hoogtepunt, uitgedrukt in kreten van verrukking en verontwaardiging, zo'n verbluffend effect produceerde een nieuwe creatie van de kunstenaar. Het werd een nieuwe mijlpaal in de geschiedenis van de Venetiaanse en wereldschilderkunst, waarin het moeilijk zal zijn om een werk te vinden dat zich onderscheidt door dezelfde krachtige emotionele impact. De kunst van de toen beroemde Bellini en Carpaccio bereikte nooit zulke hoogten, en de wereldschilderkunst had in die tijd geen andere voorbeelden van zo'n grootschalig en monumentaal beeld.
De compositie van het werk is opgedeeld in drie delen. In het onderste deel zijn drie meter hoge figuren van de elf apostelen, de Maagd begeleiden, opstijgen naar de hemel. De meester bracht hun emoties perfect over door middel van gespannen, geagiteerde uitdrukkingen van hun gezichten. De apostelen zijn zo realistisch geëxecuteerd dat het de toeschouwer lijkt dat hij nu hun wanhopige gekreun en uitroepen zal horen. In het midden van het fresco staat de majestueuze figuur van de Moeder van God, afscheid nemen van deze wereld en begeleid door engelen naar God. De uitdrukking van haar gezicht is kalm, in haar blik is er vrede en stille vreugde van de komende ontmoeting met onze hemelse Vader. En tenslotte, in het bovenste deel van de compositie is de Heer afgebeeld, wachtend op de maagd Maria met twee engelen. Helaas, de foto is niet bewaard gebleven. De tijd heeft haar sterk beïnvloed, de kleuren vervaagd en gedoucht, in aanvulling op, om vele redenen, een enorm canvas werd constant van de ene plaats naar de andere getransporteerd, die ook niet anders kon dan de veiligheid ervan aantasten. Echter, het lijdt geen twijfel dat Titiaan met dit meesterwerk zijn landgenoten bewees hoe terecht hij zijn positie als belangrijkste kunstenaar van de Republiek San Marco kreeg.
Meesterwerken van de kunstenaar werden de een na de ander geboren. in 1520, het prachtige "Portret van een man met handschoenen" werd geschilderd (het Louvre, Parijs), die een typische vertegenwoordiger van de intelligentsia van die tijd afbeeldt, die in de geest dicht bij Titiaan zelf stond. De afgebeelde man is ondergedompeld in zijn eigen gedachten, hij is dromerig en bedachtzaam, in zijn handen zijn handschoenen, maar hij lijkt ze te zijn vergeten. Ondanks de schijnbare afstandelijkheid, zijn gezicht is duidelijk uitgedrukt actieve houding ten opzichte van het leven. Hij wekt de indruk van een persoon die zeer zelfvoorzienend is, zelfverzekerd en goed geïnformeerd in het leven. Op deze afbeelding, Titiaan presenteerde een zekere held van zijn tijd, degene die hij zo graag zou willen ontmoeten in de Venetiaanse samenleving:een ontwikkelde, dun, intelligente en diepe man die waardigheid en spirituele adel behield, ondanks een zeer moeilijke tijd, als overal leugens heersen, hypocrisie en woede.
Naast portretten en religieuze schilderkunst, van 1520 tot 1523, Titiaan maakt verschillende schilderijen met een mythologische plot. Mythologie en allegorie waren de onbetwiste schaats van de meester, echter, na de creatie van de schilderijen "Bacchus en Ariadne" en "Bacchanalia op het eiland Andros", de kunstenaar week lange tijd af van mythologische plots. De biografen van Titiaan schrijven dit toe aan het feit dat de schilder actief deelnam aan het leven van de samenleving, wiens problemen hem voortdurend zorgen baarden. De blinde vreugde en het ongebreidelde plezier van mythologische helden stonden te ver af van de realiteit rond de kunstenaar met zijn ondeugden en problemen.
De plot van het schilderij “Bacchus en Ariadne” (1520-1523, Nationale Galerij, Londen) toont ons de zegevierende terugkeer van Bacchus (in de oude Griekse mythologie van Dionysus) van India naar het eiland Naxos, waar Ariadne alleen naar verlangt. De wagen van Bacchus, geharnast door twee luipaarden, staat al rustig aan de oever, en de god zelf springt prompt van haar naar zijn geliefde Ariadne. De passende Bacchus escorte is een gezellig gezelschap van saters en bacchanalen. Ze rennen achter de leider aan, WHO, een kuitbeen boven zijn hoofd hebben getild, en die proberen te ontsnappen aan de greep van een boa constrictor. Onderstaand, een kleine sater, nog een kind, sleept de kop van een kalf, waarop de hond blaft, op de grond. De jongen kijkt de kijker aan met een ondeugende blik met een sluwe grijns, alsof hij wachtte op een reactie van het publiek op zijn onderneming.
De paarse kaap van de naakte Bacchus wappert in de wind, zijn hele figuur is ongewoon dynamisch, het weerspiegelt zijn ongeduld. De figuur van Ariadne, Integendeel, wordt van de kijker afgewend, alsof hij voor hem gesloten was. Het lijkt erop dat Bacchus, met zijn snelheid, maakt haar bang. Ariadne, geschokt door alles wat er gebeurt, verbergt zich achter haar hand, niet weten wat te doen. Het decor voor de actie is een landschap met machtige bomen, een ver dorp, bergen aan de horizon en de zee.
Het tweede mythologische beeld uit deze periode was "Bacchanalia op het eiland Andros" (1523, Prado-museum, Madrid). Het doek toont een orgie van de bewoners van het eiland, hun talrijke lichamen vullen bijna de hele ruimte van het beeld. Hier, mannen en vrouwen die drinken, veel plezier en wreedheden. Op de achtergrond rechts op de heuvel lag een naakte dronken Selen, rechtsvoor op het doek is een naakt meisje afgebeeld, ze dronk al aardig wijn en viel hier in slaap, op een witte deken, blijkbaar haar naaktheid vergeten. In het midden, naast de slapende, een klein kind ontlast zichzelf.
Aan het eind van dit jaar, de kunstenaar vernam het trieste nieuws - een getalenteerde Italiaanse schilder, een vertegenwoordiger van de klassieke Venetiaanse school Vittore Carpaccio, ging dood. Het was aan hem dat Titiaan zijn nieuwe schilderij opdroeg, "De positie in het graf" (1523, Louvre museum, Parijs).
De compositie van de foto is rijk, gemaakt in rood-oranje en zwarte tinten, het overbrengen van drama en angst van een dynamisch plot. Er is bijna geen achtergrond, alleen een grijze lucht en een donkere, bijna zwarte woud in de rechterhoek. Aan de linkerkant zijn de treurige figuren van de Moeder van God en Maria Magdalena die haar troosten, die haar bij de schouders ondersteunt. Beiden kijken met afschuw toe hoe de drie discipelen het levenloze lichaam van Christus dragen om in een graf te worden gelegd. De voorgrond van de afbeelding is gevuld met uitstraling die uitgaat van het lichaam van Christus, alsof het van binnenuit schijnt. Het lijkt van binnenuit te gloeien, de voorgrond van het canvas met glans vullen. Het beeld is gebouwd op een combinatie van rode en zwarte kleuren, een dramatische aflevering van alarmerend en dynamisch uitzenden.
Portretten van doges voor de zaal van de Grote Raad hadden een groot aandeel in het werk van Titiaan als hofkunstenaar, maar, helaas, bijna allemaal werden ze verbrand tijdens talloze branden. Een eervolle plaats in de galerij van bewaard gebleven hofportretten die tot het penseel van Titiaan behoren, wordt ingenomen door "Portret van Federico II Gonzaga" (circa 1525-1529, Prado-museum, Madrid), waarop de doge wordt vastgelegd met zijn geliefde schoothondje. Gonzaga is bijna op volledige hoogte afgebeeld. Zijn donkerblauwe kleren, versierd met verbazingwekkende ornamenten, geef het beeld een luxe en een zekere plechtigheid. Het gezicht van een doge met delicate aristocratische trekken en een nette, goed verzorgde baard is vol zelfvertrouwen. Hij kijkt de kijker met een verre blik aan. Gonzags gracieuze goed verzorgde vingers strelen de hond, die met zijn hele lichaam tegen de eigenaar wordt gedrukt.
Serie van verliezen
In de hoogtijdagen van zijn publieke erkenning en relevantie, de kunstenaar leed aan een persoonlijke tragedie. Tijdens de geboorte van hun tweede zoon met Titiaan, Cecilia begon plotseling hevig te bloeden. Dit nieuws schokte de schilder enorm en, het ergste vrezen, hij besloot onmiddellijk te trouwen. Titiaan nodigde de beste dokters uit in Cecilia, met wiens inspanningen ze eindelijk beter werd, maar de kunstenaar veranderde niet van gedachten over trouwen. Dit nieuws verspreidde zich snel over heel Venetië, omdat Titiaan een zeer beroemde kunstenaar en publieke figuur was. Echter, hij en Cecilia regelden thuis een zeer bescheiden huwelijksceremonie in de kring van alleen de meest dierbare mensen.
Het was in 1525, Titiaan bleef een tijdje bij zijn familie, and when Cecilia became strong enough, he went back to Venice, where he was awaited by numerous unfinished orders.
In 1530, Titian embarked on a new religious-themed canvas, Dinner at Emmaus (Louvre, Paris). The traditional gospel storyline depicts the risen Christ sitting at a table covered with a snow-white tablecloth. On both sides of him are his students, next to the owner of the institution and the waiter, watching this wonderful phenomenon. Christ blesses the served dishes with a gesture of his hands. The whole composition is very light, lyrical, sustained in bright and gentle colors, it is written with light free strokes.
Time flies quickly, and the constantly busy Titian is again informed about the grave condition of his wife. The artist throws everything and rushes home. He barely manages to catch Chechilia, which has changed beyond recognition. After the birth of their third child, a daughter named Lavinia, the poor woman again experienced severe bleeding. Despite all the efforts of the doctors, after a sleepless night that Titian spent at his wife’s bedside, she died on August 5, 1530.
The artist unusually hard suffered this loss. According to the descriptions of his contemporaries, he lived like in a dream, continued to do something, met with people, but as if he had not seen and heard no one. All of Titian’s thoughts were occupied by his beloved Cecilia, who for many years was his faithful friend, devoted wife and loving mother of their children. Only after he lost her did the artist realize how much light this woman, who was so noble and modest, brought to his life. Cecilia filled his house with warmth and comfort, she surrounded Titian with endless care, so that nothing would stop him from creating his masterpieces. Een keer, the artist wandered around his house, thinking about his irreparable loss, when he stumbled upon an unfinished canvas, which the customer had long been waiting for. It was the Madonna and the Rabbit (circa 1530, Louvre Museum, Paris). Titian’s eyes filled with tears – Cecilia looked at him from the picture, embodied in the image of a woman standing to the left of the Virgin Mary.
Time passed, the children grew up. The two sons of Titian were complete opposites of each other:the eldest Pomponio was selfish and lazy, and the younger Orazio, on the contrary, was calm and complaisant. Little Lavinia was very similar to her mother. Titian every day more and more clearly understood that he had more oppression to be in the house, where every corner reminds him of his dead wife. But the artist was also tired of Venice, he did not want to return there. The painter for a long time was looking for a new home in a quiet secluded corner. And so, on September 1, 1531 he succeeded – he rented a two-story house with a wide terrace and a mezzanine on the outskirts of Biri Grande.
In 1532, Titian embarks on his first full-length portrait. This is a “Portrait of Emperor Charles V with a Dog” (Prado Museum, Madrid).
Hours of posing helped to establish a very friendly relationship between the artist and the emperor. The emperor sincerely told Titian about his life and about himself. Charles V was a man infinitely tired of power, whose life was filled with soulless formality and formalities. That is why the painter portrayed the emperor in simple clothes, and not in a luxurious full dress, thereby emphasizing that his hero, first of all, is a man. The only faithful creature in his life was the dog pictured next to him. According to eyewitnesses, Charles V was very pleased with the painting and admired the skill of the artist. Filled with emotion, the emperor parted tightly hugged the painter. The retinue of Charles V, who was present at all this subsequently overwhelmed the artist with orders, providing him with work for a long time.
Following this, Titian overtook another loss – his mother died. This event plunged him into an even deeper depression. Only the joyful laughter of the children in his new home helped the master stay and live on. And yet, for several years the artist lived like a recluse, without leaving his workshop for days. He worked extremely hard, and devoted his free hours to talking with children.
Pinnacles of excellence
After the loss of Cecilia in the house of Titian, his sister Orsa began to farm, she also was engaged in raising children. Time passed, and once Orsa noticed that every evening a gondola floated to the painter’s house, in which a young woman sat, always trying to go unnoticed. She quickly climbed the outer staircase directly to the artist’s workshop, located on the second floor. Natuurlijk, it never occurred to anyone to reproach the painter, on the contrary, the relatives hoped that the appearance of a new lover would somehow brighten up the solitude of Titian and help him regain the joy of life. The result of this hobby was such work, depicting a beautiful stranger, such as “Portrait of a young woman in a hat with a feather”, “Girl in a fur cape”, as well as the magnificent “Venus Urbinskaya”.
“Girl in a Fur Cape”, written in 1535 (Kunsthistorisches Museum, Vienna) was a commissioned work and is an allegory of marriage. A young girl is depicted on the canvas playfully covering one breast with a fur cape, while her second breast remains naked. The girl’s timid look and delicate blush on her cheeks only emphasizes the erotic meaning of the picture, which consists in contrasting female flesh and fluffy fur. A similar composition is in the painting “Portrait of a Young Woman in a Hat with a Feather” (1536, State Hermitage Museum, St. Petersburg), where the model also has her right shoulder, chest and arm. Under the trimmed fur cloak you can see a translucent white shirt. A hat with feathers decorated with stones is on the girl’s head. In both paintings, the artist does not hide his admiration, on the verge of frank lust, the beauty of a young female body. The heroine’s snow-white skin, written in light, weightless strokes, contrasts sharply with the rich dark background, thanks to which her image seems even more delicate and fragile.
And in 1538, by order of the governor of Venice, Guidobaldo della Rovere, who will later be Titian’s regular customer, the painting “Venus Urbinskaya” (Uffizi Art Gallery, Florence) was painted. This picture was the wedding gift of the duke to the future wife. The golden-haired Venus, lying in a graceful pose on snow-white sheets, is full of bliss, in her right hand is a rosehip branch. Her gaze is calm and sure, she is not shy of her nakedness. A beautiful body is written so thinly and lightly that it seems as if a glow emanates from it. At the feet of Venus, instead of the traditional cupids, a small dog sits and sleeps. In the background of the painting is a room bathed in the bright light of a sunny morning. On the window of Venus is a pot of myrtle, representing marriage and fidelity. Two handmaids scurry around her chest, picking outfit for the morning toilet of the hostess. Oddly enough, Venus Titian is not at all a celestial, but a very real earthly woman, who appears before us in frankly naked beauty.
If we follow the approximate chronology, then, from the works known to us, there is the canvas “Crowning with a Crown of Thorns”. This painting exists in two versions:one of them is stored in the Louvre (1542), and the other in the Old Pinakothek of Munich (1572-1576). The composition of the two paintings is very similar. In the center of the canvas is the figure of the tortured Christ, surrounded by five tormentors and three steps leading to the place of public scourging. The difference is only in the background. At an early work, a brutal scene of mockery of Jesus takes place against a backdrop of a brightly lit stone arch above which stands a bust of the emperor Tiberius. In a later picture, only a lighted chandelier is visible at the top of the canvas. In beide gevallen, Christ humbly endures bullying and pain from people who vehemently attacked him with spears. After all, He has already forgiven them, and this gives His image true majesty.
In 1545, Titian creates another outstanding portrait of the Doge of Venice, “Portrait of the Doge Andrea Gritti” (National Art Gallery, Washington). It depicts a ruler with a stern gaze of cruel eyes, betraying his merciless and oppressive character. Deep red clothing once again emphasizes his charisma and desire for leadership. On the doge there is a cloak from an expensive, as if luminous fabric of brown-golden tones and the same headdress.
The closed and uncommunicative Titian had very few close friends. One of them was the poet and writer Pietro Lretino. These were two very different people:Lretino was very cheerful, loving, loved luxury, feasts and festivities, talkative and self-confident, he had great connections. Titian liked optimism, cordiality, charisma and the fact that the poet was very well versed in art and literature. Titian even became the godfather of one of the daughters of Loretino. In 1545 he painted his portrait. In the painting “Portrait of Pietro Lretino” (Palazzo Pitti, Florence), almost the entire space of the canvas is occupied by the figure of the poet. The canvas is written using numerous variations of red and golden colors, they will fill it with energy and power of spirit, revealing the character of the hero. There is evidence that Lretino was dissatisfied with the work, vooral, he did not like that the golden chain (received as a gift from King Francis I) was almost invisible on his chest and glistened too dimly. Waar, this could be a joke of the poet, misinterpreted by an eyewitness.
In the same year, in 1545, Titian writes "Portrait of a Young Man" (Palazzo Pitti, Florence). A handsome man with a hypnotic and bewitching look of greenish eyes looks at the viewer from the canvas. For a long time it was believed that the picture depicts the English Duke of Howard, so the painting was called "Portrait of a Young Englishman." But in 1928, the art critic Venturi put forward his own version, supported by convincing evidence. He believed that the man on canvas was Ippolito Riminaldi, a lawyer, another friend of Titian, whom he loved to meet during his trips to Ferrara. As for the composition of the canvas, it is extremely simple:before us is a young man in a strict black camisole, white lace cuffs peeking out from under his collar and sleeves. His left hand lies on his hip, and in his right he holds gloves.The overall color of the canvas is very restrained, it is built on a combination of two primary colors:black and gray. Only white spots of cuffs and brown gloves dilute them. It is amazing how accurately and subtly his face is written out with thoughtful, clever eyes. In all its appearance, nobility shines through.
In 1548, Titian painted another portrait of Charles V. The emperor confessed to the artist, with whom he became close even earlier that he was tired of the sight of blood being shed and that he lived only waiting for the upcoming meeting with his unforgettable wife. Full of sincere compassion, Titian conveyed his feelings in “Portrait of Charles V in an Armchair” (Old Pinakothek, Munich). Here the emperor is depicted sitting in an armchair against the backdrop of a deserted dull landscape, from which he still blows with cold and longing. Charles V sits in an armchair, dressed in all black, as if forgetting to take off one glove. The red floor contrasts sharply with the colors of his clothes and headgear. The emperor is very sad, thoughtful and lonely.
Perfection of style
The last fifteen years of the artist’s life, when he had already exchanged the eighth dozen, is usually called the late period of his work. This is the time when Titian again turns to his favorite mythological theme, which he always interpreted in his individual spirit.
The painting “Venus and Adonis” (Prado Museum, Madrid) dates back to 1533, the plot of which shows us a scene of parting. Venus tries to keep her beloved, absorbed in the thirst for hunting and not listening to her warnings about impending danger. Trying to keep Adonis, with the force breaking out of her arms, Venus accidentally knocks over a vase with her foot. In the background of the picture, under the thick crown of a tree, Cupid sleeps quietly, designed to protect their love. The dynamic and exciting character of the plot contrasts sharply with the landscape around, filled with calm and pacification, nothing that portends trouble in it. In this hunt, where Adonis died, Titian sees a metaphor for human life:people are always looking for something, they want more, they are ready to risk their health and life, go against fate, even forgetting about God, who will inevitably punish them for this. The picture was an unprecedented success with the public. The artist had to make about twenty copies of the canvas with various variations of similar plots.
The second incredibly popular painting by Titian, which he had to copy many times, was Venus with a Mirror, painted around 1555 (National Gallery, Washington). She has a fair-haired Venus covering her breasts with her left hand, she hides her knees under her bright blanket with her right hand. Two chubby cupids hold mirrors in front of her. The goddess’s cheeks burn with a charming blush that symbolizes blooming youth and beauty. The masterpiece was in Russia, but in 1931, by order of the government of the USSR and regardless of the opinion of the directorate of the State Hermitage, it was sold to a private person. Later, the picture was in the National Gallery of Washington.
Another masterpiece of the late period of Titian’s work is the painting “The Abduction of Europe” (1559-1562, the Isabella Stewart-Gardner Museum, Boston), the plot of which reproduces one of the episodes of Ovid’s Metamorphosis. Technically, the picture was done freely and boldly, this distinguished the last works of the master, written in wide, careless strokes. If you look at the picture from close up, it is difficult to understand what is painted on it and only from a distance a great masterpiece of Titian is revealed to us. In feite, these paintings were the forerunners of impressionism, when you look at them, it seems that the whole work is written at one time, easily, naturally, on a grand scale.
In the spring of 1559, Titian fell into an unpleasant position. His youngest son, Orazio, went to Milan, where he was supposed to receive from the treasury a very large amount of money belonging to his father. On the way home, they attacked the young man, beating him and robbing him. As it turned out later, the robbery was arranged by the sculptor Leone Leoni, who also worked for the royal court. Titian immediately suspected Leone and wrote a letter to Philip II, the text of which reached us:“Leone, who knew about the payment of state benefits and was prompted by devilish instigation, decided to take Orazio’s life in order to appropriate his money… He invited Orazio to his house and offered him to live in his house. My son rejected this offer and this villain, expelled from Spain for Lutheranism and spurred on by an enemy of the Lord God, decided to commit the murder with the help of accomplices.The scoundrels attacked Orazio with swords and daggers in their hands, having previously thrown a net over his head. Not expecting such a betrayal, my poor Orazio fell, having received six serious wounds. If Oratio died, on whom I have all my hopes in impending old age, then, under the weight of this grief, I swear I would lose my mind. " At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.
Before Titian recovered from this shock, his brother Francesco passed away. The artist’s biographers suggest that in the same period, the beloved daughter of the artist Lavinia died in childbirth. A series of these events hit the master very hard.
In 1550, at the age of seventy-three years, the artist began to write “Self-Portrait” (State Museum of Art, Berlin), completed only eleven years later. On it, Titian appears before the viewer as not a decrepit and feeble old man, who only has to humbly wait for his death. On the contrary, we see a strong and confident person in front of us. A fur cape is thrown over the broad shoulders of the master, a shirt underneath it, on which a golden chain is clearly visible. The fingers of his hands drum on the table, which characterizes his restless disposition and concentration. It seems that in a moment the artist will cheerfully stand up and with great strides will go to create his next masterpiece. In the narrowed gaze of Titian we see wisdom and a genuine interest in life. Most likely, this self-portrait was created for children, since until the death of the painter was in his house.
Around 1565, Titian received an order for the painting “Penitent Mary Magdalene” (State Hermitage Museum, St. Petersburg). The model for the canvas was a certain Julia Festina, who delighted the master with a shock of long golden hair. The duke of Gonzago really liked the painting, he immediately ordered a copy of the canvas to give it to a certain poetess. The work was such a resounding success that Titian decided to immediately make several copies, changing in each only the position of the heroine’s hands, the tilt of his head and the surrounding landscape background. The biographer of Titian Ridolfi points out six paintings by Titian with the penitent Mary Magdalene. One of the surviving canvas options is kept in Moscow in a private collection. Maar, according to experts, the best of them is the one that is represented in the State Hermitage Museum of St. Petersburg. On her the image of the penitent Mary is the most chaste.Her beautiful body is covered with light translucent clothes and a striped cape, as well as flowing hair scattered over her shoulders and chest. The penitent Magdalen looks at the sky with a look full of remorse, her eyes are full of tears and despair. In the foreground of the picture are Christian symbols – the skull and the revealed Scripture.
In 1565, Titian creates another of his best masterpieces – “Portrait of the Antiquarian Jacopo Strada” (Kunsthistorisches Museum, Vienna). The painting perfectly conveys the character of the collector depicted in "his element" – around him are old books, coins, on the wall is either a painting, or part of an ancient manuscript. Jacopo shows the invisible interlocutor a figurine made of white marble, his face and the whole pose are filled with energy, inspiration and even excitement. The canvas has an unusually harmonious color. The clothes of the antique dealer and his whole environment are made in warm colors creating an atmosphere of a certain solemnity. This picture was a vivid example of a “different” painting discovered by Titian on his declining years. Later, this direction, with its richness of colors and shades, and unusually skillful transmission of chiaroscuro, will be developed by such artists, like Rembrandt and Caravaggio. But this will be more than 100 years later, and now, Titiaan, already at a very advanced age, having undergone many adversities and personal afflictions, continues to create.
The last years of the master’s life
In recente jaren, the artist often wrote for the soul. The house of Titian was constantly full – many students, artiesten, collectors and famous guests came to him in all of Italy and from other countries. Hoe dan ook, prone to melancholy and meditation, Titiaan, in feite, remained lonely. He often recalled his youth and beloved Chechilia, indulged in thoughts of the frailty of being and yearned for all those who had taken his time. The result of these sad arguments and spiritual loneliness was the painting “Allegory of Time and Reason”, written around 1565 (National Gallery, London), which is considered a kind of testament of the master to his descendants. According to tradition, the picture should be read from left to right, dat is, counterclockwise, and from top to bottom. The old in a red cap symbolizes the past, the black-bearded man is the present, and the young man is the future. Animalsthe pictures drawn at the bottom of the picture are also symbolic:the wolf represents the forces of man that selects the past, the lion represents the present, and the dog awakens the future with his bark.
In 1570, Titian creates the painting “The Shepherd and the Nymph” (Kunsthistorisches Museum, Vienna). This light, freely written canvas was no one’s order; the artist created it for himself. The naked nymph lies on the skin of a dead animal, facing its back to the viewer and turning its head slightly. The young virgin is not at all embarrassed by her nudity. Next to her is a shepherd who is about to start playing a musical instrument, although perhaps he just broke off, carried away by the beauty or the words of the heroine. The overall color of the picture is intentionally thickened by the author, this creates a certain secret and understatement in the relations of the main characters, enhanced by the inclusion of brown and ashy dark tones. The background landscape is blurry, there you can see only a piece of a broken tree, as if remaining after a storm. He does not affect lovers, living in their own world of beauty and bliss and noticing anything around. Despite the romantic composition of the picture, the chaos prevailing in the landscape surrounding the characters and the choice of colors, nevertheless tell us that in the artist’s soul there was no joy in harmony. It is as if his own question is visible in the bewildered look of the nymph – what will happen to them next, how to find joy again in the destroyed Universe.
Soon another misfortune happened, the father of Titian died. But the artist could not give up, he continued to create. Thanks to his regular customer, Philip II, Titian was always provided with work. Dus, around 1570, the master began to create the work “Carrying the Cross” (Prado Museum, Madrid), which took five years to complete. At the heart of the picture is a classic gospel story. According to Scripture, Simon the Cyrene was sent to Christ to help him carry the heavy cross to Calvary. Jesus’ face is full of torment and pain, his right shoulder seems almost transparent. The image of Simon, as if opposed to the image of Christ. On his finger is an expensive ring, emphasizing its difficult origin. Simon’s clean face with a neat, well-groomed beard contrasts sharply with the face of Jesus covered in drops of blood.The whole picture is divided diagonally by the bottom of the cross, which further enhances the overall dissonance.
Religious themes go through all of Titian’s work, but according to the plots of the paintings themselves and the manner in which they are executed, one can trace how the artist’s worldview has changed, his attitude to virtue, vices and the theme of martyrdom. This is perfectly reflected in the canvases dedicated to the great martyr Sebastian.
In the first works, Saint Sebastian appears before us humble and humble, but in the last work of the artist, he is determined and ready to fight to the end. This painting, entitled “St. Sebastian” (State Hermitage Museum, St. Petersburg), was painted around 1570. The background in the picture is blurry, it is impossible to make out anything on it, and only the figure of the hero himself, nailed to a tree, stands out for its purity. His body is punctured by arrows, but his face is not distorted by pain. Pride and calm were in his gaze, his face was slightly raised, and his brows were frowning. It is believed that Titian here depicted himself, not in the literal sense, but allegorically. Dus, he expressed his attitude to his own fate, to all the betrayals and losses that he, by the end of his life, had learned to endure steadfastly and with dignity.In this work, the artist’s faith is concluded that an individual hero is able to endure any blows of fate, he will survive, even if the whole world around him is turned upside down, he will be able to withstand and not break. The color of the picture seems blurry and monochrome, but hundreds of colors and nuances burn in every centimeter of it. The fate of the picture was such that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.
In the same year, Titian wrote another work, with a similar idea. At the heart of the painting “The Punishment of Marcia” (Picture Gallery, Kromeriz). lies the myth of the satire of Marcia, who dared to challenge Apollo to a musical contest. Marsyas played the double flute, and Apollo played the lyre. When the muses could not choose a winner, Apollo offered to compete in vocal skills. Hier, Martius lost. In punishment for the defeat, Apollo decides to strip his skin, this moment is depicted in the picture.
In the center of the canvas is the figure of Marcia, suspended by her legs from a tree. Around him are heroes who are carried away by the process of the monstrous torture of the satyr. The picture is divided into two parts:to the left of Marcia’s body are people who are fascinated by his killing, she rip off his skin, not hiding her pleasure. On the right side of the canvas are those who are saddened by this brutal murder. These include the elder, WHO, presumably, depicts Titian himself. He sadly observes the death of Marcia and the cruelty of his executioners. The face of the satyr himself retains the dignity of imminent death. Art historians believe that the plots of the latest paintings by Titian characterize his farewell to the ideas of humanism, in which he was disappointed. The world is cruel and nothing in it can save a person, not even art.
Loneliness and despair
The painting “Mourning of Christ” (Gallery del Academy, Venice), painted around 1576, was the last creation of the master. In it, Titian reflected the question tormenting him:what is there, beyond the limits of life? Two huge sculptures are depicted on both sides of the canvas:the prophet Moses and the prophetess Sibyl, they personify the prophecy of the crucifixion and the subsequent Resurrection of Christ. At the top of the arch on the left side are the branches and leaves of the plant, at the top on the right are small vessels with a blazing fire. In the center of the composition, the Mother of God supports the lifeless body of her murdered Son. To the left of Christ stands Mary Magdalene, her pose is warlike, she as if asks:"What is this for?!" To the right of the virgin Mary, an old man is standing on his knees, supporting the lifeless hand of Jesus. Some believe that the figure of the elder also depicts Titian himself.The general coloring of the canvas is sustained in silver tones with separate intersperses of red, brown and gold. The colors and arrangement of the figures perfectly convey the hopelessness and dramatic nature of the plot. There is a mystery here. In the lower left corner of the work there is a little man with a vase in his hands, art critics are still wondering where he came from and what he was supposed to symbolize.
In de tussentijd, a plague raged in Venice, which infected the youngest son of Titian Orazio. The artist himself courted him, not fearing the contagiousness of the disease. But once, in the last days of August, the painter, being in his bedroom locat
