Henri Russo (1844-1910)
Zoals veel genieën die hun tijd vooruit waren, Henri Rousseau wist tijdens zijn leven niet, noch roem noch rijkdom. Een getalenteerde artiest, die tot zijn 41e als gewone klerk bij de douane van Parijs heeft gewerkt, vond de wilskracht om zijn gebruikelijke manier van leven op te geven en zich volledig aan het schilderen te wijden. Het enige dat Rousseau steunde in zijn hobby was een onwankelbaar vertrouwen in zijn eigen talent, waardoor hij een van de grootste meesters van zijn tijd kon worden. Verrassend genoeg, de wens om de technieken uit het verleden te imiteren, bracht de kunstenaar rechtstreeks naar de toekomst - zijn creatieve manier zal zeer kenmerkend worden voor veel meesters van de twintigste eeuw. Russo's "naïeve" kunst, gelijke tred houden met het impressionisme, al snel gescheiden in een heel andere school. De originele stijl van de schilder, vol met elementen van fantasmagorie, werd bewonderd door Pablo Picasso en Robert Delaunay, Rousseau gaf zichzelf tijdens zijn leven slechts minimale middelen van bestaan.
Stormachtige jeugd
Hij begon zijn carrière als kunstenaar op eenenveertigjarige leeftijd, Henri Russo was autodidact. Aangekomen uit de provincies in Parijs en als onderofficier neergestreken, Rousseau schilderde overal:terwijl hij aan het werk was, profiteren van de gunst van zijn superieuren, en 's avonds thuis. Arm, maar geduldig, bescheiden, maar vol vertrouwen in zijn genialiteit, hij werd een van de toonaangevende en meest erkende meesters van de artistieke avant-garde, die werd bewonderd door vooruitstrevende tijdgenoten en generaties nakomelingen.
Ooit schreef Rousseau zelf een autobiografische notitie voor het boek "Portraits of the Next Century" - "Geboren in Laval in 1844 in een gezin met wanhopige bescheiden inkomens, hij werd gedwongen zich aan het verkeerde beroep te wijden, wat hem aantrok tot zijn liefde voor kunst.” Waar, het boek is nooit uitgekomen.
De vader van een autodidactische kunstenaar was Julien Russo - een erfelijke tinsmid uit een stad in het westen van Frankrijk - Laval. En zijn moeder is de dochter van een officier van het Grote Leger van Napoleon. Henri's vader wilde dolgraag rijk worden, daarom, een huis gekocht aan de rand van de stad, hij verlaat zijn ambacht als tinsmid en probeert een bedrijf op te richten dat verschillende goederen doorverkoopt. Maar, Helaas, zijn werk is opgebrand, en sindsdien is er hopeloze armoede in het huis van Russo gevestigd.
Gelukkig, ondanks de extreme nood, de familie van de toekomstige kunstenaar kon haar enige zoon sturen om eerst op school te studeren, en dan op het Lyceum. Henri was een gemiddelde student, hoewel hij een aantal schoolprijzen wist te behalen, onderscheidde zich in zang en rekenen. Deze schijnbaar onbeduidende prestaties worden overal vermeld in zijn biografie, niet omdat Rousseau wereldberoemde kunstenaars werd, maar omdat hij ook een geweldige wals schreef, vernoemd naar zijn eerste vrouw - "Clemence".
Na het trainen, Henry neemt een baan bij het advocatenkantoor, waar hij een grote fout maakt. Op negentienjarige leeftijd aangezet door zijn vrienden, Rousseau steelt een klein bedrag van de boekhoudafdeling, maar dit is genoeg om een einde te maken aan de carrière van zijn advocaat en wordt onderzocht. In de rechtbank, Henry moet instemmen met een deal - maar liefst zeven jaar militaire dienst, voor slechts een jaar in de gevangenis.
Het Russische regiment, gestationeerd in Frankrijk, zal nooit deelnemen aan vijandelijkheden in het buitenland. Zelfs wanneer Napoleon III het Franse legerkorps naar Mexico stuurt om zijn beschermeling Maximiliaan te steunen in de strijd om de keizerlijke troon, de toekomstige avant-garde neemt niet deel aan de expeditie. Hoewel, veel later, de dichter Guillaume Apollinaire (1880 - 1918) schrijft een gedicht over het verblijf van Rousseau in het kleurrijke Azteekse land, de kunstenaar probeert het nooit te weerleggen, evenals een aantal andere mythen over zijn leven.
in 1868, de vader van Rousseau sterft, en Hendrik, als enige kostwinner van het gezin, krijgt ontslag uit het leger. Nadat hij zijn regiment had verlaten, die toen in Parijs was gevestigd, hij stort zich halsoverkop in het drukke leven van de grote stad. Allereerst, de jonge man vindt werk en maakt een einde aan zijn leven, niet ver van Le Bon Marche, het eerste winkelcentrum met meerdere verdiepingen in de Franse hoofdstad.
De jonge man wordt meteen verliefd op de dochter van de minnares van het huis, Mevrouw Buatar. in 1869, hij neemt Clemence Buatar als vrouw. Ondanks de constante zwakte (Clemence had tuberculose), de echtgenoot helpt Henri om geld te verdienen voor het leven, onvermoeibaar naaien op bestelling. In het weekend, geliefden wandelen vaak in prachtige Parijse parken. Waar, het geluk van Henri en Clemence wordt overschaduwd door het feit dat hun kinderen op jonge leeftijd de een na de ander sterven.
Van de zeven kinderen van liefhebbende echtgenoten, slechts twee overleven - de dochter van Julie-Clemence en de zoon van Henri-Anatole. Russo's vrouw, voortdurend gekweld door tuberculose, was te zwak om zelf voor de kinderen te zorgen, dus vanaf hun geboorte werden ze opgevoed door een oppas die in een buitenwijk van Parijs woonde. In 1888, Clemens sterft. Henri Russo zal zijn geliefde vrouw nooit vergeten. Zelfs tijdens haar leven, hij zou aan haar een wals van zijn eigen compositie wijden, en na haar dood zal hij steeds weer haar portretten maken.
Kleine officiële levende kunst
In 1871, de jonge Russo kreeg een vaste baan bij de douane van de accijnzen, die in de 19e eeuw belastingen inde op goederen die naar Parijs werden geïmporteerd. Goederen inspecteren aan de stadspoorten is een saaie en eentonige bezigheid, maar het beperkt niet de innerlijke vrijheid van de persoon die het uitvoert.
Tijdens een van de volgende shifts, een kleine klerk zet een schildersezel op de binnenplaats van het afdelingsgebouw, en begint te tekenen. Helaas, de schilderijen geschilderd door Russo tot 1877 hebben het niet overleefd. De uitzondering is slechts één, afbeelding van een strijdtoneel tegen de achtergrond van het lokale landschap.
Spoedig, de toen beroemde kunstenaar Felix Clement (1826 - 1888), die de jonge Russo met raad hielp, stelt de aspirant-schilder voor aan een van de vertegenwoordigers van de officiële Franse kunst van die tijd, Baron Leon Jerome. Daarna, Rousseau huurde zijn eerste werkplaats en in 1885 ondersteund door de baron, exposeerde voor het eerst twee van zijn werken in de Salon van Les Miserables.
Een jaar later, in 1886, de kunstenaar Paul Signac (1863 - 1935), geïnteresseerd in het werk van Henri Russo, nodigt hem uit om deel te nemen aan een nieuwe tentoonstelling. Signac was van mening dat de beste plaats voor de werken van zo'n originele schilder de Salon van Onafhankelijke Kunstenaars was, gemaakt door vertegenwoordigers van de avant-garde kunst. Het feit is dat alle vroege pogingen om onafhankelijke salons te creëren op een mislukking uitliepen - als bij toverslag, ze begonnen te lijken op de officiële Salon, wat niet paste bij vooruitstrevende schilders die een toenemende behoefte voelden om apart tentoongesteld te worden.
Voor Rousseau, het was duidelijk dat de officiële kunstkringen, vertegenwoordigd door de Salon, met zijn oude academische traditie, zou autodidact voor altijd hebben afgewezen, in ieder geval uit het principe. Daarom, vanaf dat moment tot het einde, Henri Russo blijft trouw aan de nieuwe 'salon zonder jury'.
Al in 1886, nadat hij vier van zijn werken in een onafhankelijke salon had tentoongesteld, de aspirant-kunstenaar zal zeer gewaardeerd worden door beroemde schilders als Paul Gauguin (1848 - 1903) en Puvi de Chavannes (1824 - 1898), die verrukt waren over het vermogen van Rousseau om dramatische momenten over te brengen met behulp van vele tinten zwart. Maar, in het algemeen, zijn werken blijven onbegrijpelijk voor het publiek, Sterker nog - ze worden belachelijk gemaakt - wetenschappers beweerden dat zelfs een kind zo kan tekenen.
Gelukkig, Rousseau was zeer resistent tegen sarcasme en kritiek van het publiek. Hij sluit zelfs een overeenkomst met Argus, volgens welke alle tijdschriftartikelen en krantenknipsels hem werden toegezonden, die recensies en opmerkingen over zijn werk bevatte. In afwachting van universele erkenning van zijn onbetwistbare talent, de kunstenaar plakte ze pedant in een notitieboekje, die uiteindelijk dikker werd. Het is uit de kranten dat Russo ooit verneemt dat het stadhuis van Parijs hem een medaille heeft toegekend. Gelukkig, hij beveelt onmiddellijk de onderscheiding op zijn visitekaartje te vermelden, maar later blijkt dat hij haast had:het ging om een andere kunstenaar met dezelfde naam.
Bezorgd na de dood van zijn vrouw bij het vinden van geld voor het normale onderhoud van kinderen en het kopen van verf, Rousseau, in de hoop geld te verdienen en onder de indruk te raken van de Wereldtentoonstelling in Parijs in 1889, waarop Frankrijk haar beroemde Eiffeltoren presenteerde, de artiest wendt zich weer tot muziek en schrijft het libretto voor vaudeville. Helaas, het bracht geen cent op.
Na zijn pensionering in 1893, na jaren dienst, Rousseau krijgt een mager pensioen en kan alleen maar dromen van de tijd dat zijn favoriete tijdverdrijf - schilderen, zal eindelijk een behoorlijk inkomen gaan opleveren. Ondertussen, Russo wordt gedwongen vioollessen te geven en schilderijen te tekenen op bestelling, verkopen ze tegen belachelijke prijzen. Hoewel, net een jaar later, zijn werk "De oorlog", tentoongesteld op de Salon van Independents, krijgt een brede respons, vooral, de schrijver Alfred Jary (1873 - 1907) bewondert haar, met wiens licht, de kunstenaar Henri Russo krijgt de bijnaam “douanebeambte” (Le Douanier), voor het leven aan hem vast.
Spoedig, de hele Russo-familie verhuist, wie is waar. in 1895, de dochter van de kunstenaar vertrekt met haar man in Angers, gelegen in het westen van Frankrijk, en de schilder verhuist met zijn zoon Henri-Anatole naar Montparnasse - het beroemde gebied op de linkeroever van de Seine, die later een favoriete ontmoetingsplaats werd voor de artistieke en intellectuele avant-garde. Daar, op Montparnasse, Rousseau ontmoet Josephine Le Tensorer - een vrouw die in de buurt woonde en het hart van de kunstenaar won. Voor een lange tijd, Josephine negeerde de liefdesbekentenissen van de schilder en stemde ermee in zijn vrouw pas te worden na de vroegtijdige dood van Henri Anatole.
Als een vrijheidslievende vrijmetselaar, Henri Russo trouwde in 1898 nog steeds in de kerk met zijn nieuwe liefde. De financiële situatie van het gezin was nogal betreurenswaardig, daarom, om haar man te helpen, Josephine probeerde zijn werk te verkopen in haar kantoorboekhandel, en de kunstenaar, beurtelings, bleef betaalde lessen geven. Hoe dan ook, op zondagen, Rousseau, ondanks zijn behoefte, in het kader van de Filotechnische Vereniging, wiens belangrijkste doel was om de massa op te voeden, leerde iedereen die in aquarel wilde schilderen, pastel, en ook, met trots en plezier, deelde zijn ervaring in het schilderen van porselein en keramiek.
Bedelaars genie
Slechts vijf jaar later, in 1903, de schilder wordt voor de tweede keer weduwnaar, en, proberen om te gaan met verdriet, hij wijdt zich volledig aan het werk. Ik moet zeggen, zijn carrière als kunstenaar, begon eindelijk snel aan kracht te winnen. 1903, hij nam opnieuw deel aan twee kunstsalons - Independent Artists (in maart) en in de eerste Autumn Salon, die in oktober werd geopend. Maar de schilder is nog steeds in grote nood. Gelukkig, de bescheiden maar genereuze Papoea-familie, die in de buurt woonde, nodigde hem vaak uit voor hun diner, en vriendin Marie Bisch, die zich bezighoudt met kleinschalige handel, meer dan eens helpt Russo in kritieke financiële situaties.
Het keerpunt vindt pas in 1906 plaats, wanneer de kunstenaar Robert Delaunay (1885 - 1941) en de dichter Guillaume Apollinaire ontmoet. Nieuwe vrienden bewonderen openlijk het talent van de schilder, en Pablo Picasso (1881-1973), per ongeluk het Portret van een vrouw van Bris Henri Russo in 1908 hebben verworven, organiseert een prachtig banket ter ere van de auteur.
Een van Picasso's vrienden, Fernanda Olivier, beschrijft Rousseau:“Deze respectabele, licht gebogen man die eerder jogt dan loopt, zijn haar is grijs maar dik, ondanks zijn leeftijd, heeft de gewoonten van een kleine rentenier, en zijn gezicht is een beetje bang, maar vriendelijk. Hij bloosde gemakkelijk als hij zich schaamde of als iemand bezwaar tegen hem maakte. Hij stemde in met alles wat hem werd verteld, maar men had het gevoel dat hij zich afzijdig hield en gewoon zijn gedachten niet durfde te uiten. ”
Onder de vrienden van Rousseau was Alfred Jary (1873 - 1907), de kunstenaar ontmoette hem op het moment dat het laatste werk - "King Ubu" (1896), die hem de beroemde grondlegger van het theater van het absurde maakte, was nog niet geschreven. Misschien is het juist de passie voor schokken en provoceren die Rousseau en Jary samenbrengt. Volgens de jonge schrijver de naïeve kunst van de douanebeambte, eerlijk en compromisloos, schokkend voor de gemiddelde man. Een keer, Zhari bestelde de schilder zijn portret. De foto, helaas, heeft onze dagen niet bereikt, maar het is bekend dat Russo zijn vriend afbeeldde met een kameleon en een uil. Frits was er blij mee! Hij betaalt Rousseau geld uit de ouderlijke erfenis en roemt overal zijn talent. De kunstenaar koesterde deze vriendschap. Hij was het die een helpende hand uitstak en de jonge excentriek beschermde toen het geluk hem veranderde in 1897, en Zhary, berooid in zijn zak, op straat belandde.
Henri Rousseau had een duidelijke, kinderachtige stem, iedereen vond hem naïef en eenvoudig, maar was het echt zo? Een onwankelbaar vertrouwen in zijn eigen genie stelde de schilder in staat een doelgericht persoon te worden met een buitengewoon uithoudingsvermogen, en bijna kinderlijke naïviteit - een zeer originele kunstenaar.
In december 1907, Rousseau, vanwege zijn onvoorzichtigheid en goedgelovigheid, ging opnieuw naar de gevangenis voor fraude, Hoewel, in feite, hij was zijn slachtoffer. Om vrijheid te krijgen, al was het maar om op zondag liefdadigheidslessen te geven, schrijft de kunstenaar een verzoekschrift aan het Hof:“Tot uw vriendelijkheid, Ik vraag in ieder geval voorwaardelijke invrijheidstelling om te kunnen blijven werken. Ik smeek je om mijn carrière niet te vernietigen, waarvoor ik zo hard heb gewerkt. " Gelukkig, Het verzoek van Rousseau werd na de kerstvakantie ingewilligd.
Vriendelijke trucs
Volgens tijdgenoten Rousseau werkte meestal in een eenvoudig linnen wit overhemd, maar trekt altijd een pak aan als hij recepties organiseert in zijn atelier. De Duitse verzamelaar Wilhelm Ugde, de eerste die in 1911 een heel boek aan de kunstenaar opdroeg, was een van de vaste gasten op de Douanebeambtenfeesten. Hier is hoe hij de straat beschreef waar het huis van Rousseau stond:"Het is maar een paar stappen lang en rust dan tegen een stenen muur. Het lijkt erop dat we ergens in de provincie zijn en niet in Parijs. In de kamers op de begane grond woont de eigenaar met zijn gezin, en boven zijn de appartementen van de gasten. Op een van de deuren staat een bord - "Lessen uit retoriek, muziek, tekening, solfège". We bellen en gaan naar binnen:Russo komt ons tegemoet. ”
Bijna elke zaterdagavond, tussen zijn schilderijen en vrienden, de douanebeambte speelt viool voor artiesten, verzamelaars en gewoon kunstliefhebbers. Hij is weer verliefd maar Leonie, een weduwe van 59 jaar, weigert zijn vrouw te worden. Op deze avonden kon men vaak de eigenaar ontmoeten van het huis waar Rousseau woonde - de heer Keval, een rustige respectabele man die Russo's collega was voor zijn werk op de douaneafdeling van Parijs. Onder de gasten was het vaak mogelijk om Ambroise Vollard te zien, die schilderijen van de kunstenaar kocht en hem meer dan eens uitnodigde voor artistieke feesten. Henri Rousseau was in een emotionele opleving:eindelijk was het tijd om de vruchten te proeven van vele jaren hard werken - een stabiele financiële situatie, universele herkenning. Dat is pas gezondheid... De schilder heeft al lang last van niet-genezen wonden aan zijn benen, die, uiteindelijk, gangreen veroorzaakt.
Een briljant artiest, Henri Russo stierf op 2 september, 1910 in het gemeentelijk ziekenhuis Necker in Parijs. Hij werd begraven in een gemeenschappelijk graf. Robert Delaunay, Ambroise Vollard en Paul Signac kwamen de kunstenaar bezoeken op hun laatste reis.
Een jaar later, Delaunay organiseert op eigen kosten een herbegrafenis van de stoffelijke resten van de kunstenaar. En Guillaume Apollinaire zal op zijn grafsteen een door hem gecomponeerd grafschrift schrijven:"Vaarwel, onze goede vriend Russo! Hoor ons - Delaunay met zijn vrouw, Keval en ik. We brengen je penselen, verven, en canvas als cadeau, zodat je op je heilige vrije tijd portretten van sterren schildert. ”
Vroeg werk
Kijkend in de eerste schilderijen van Henri Russo, een van de critici zal uitroepen:"Hij is oprecht en naïef, doet enigszins denken aan de primitieven." De tweede criticus beaamt dit:"Dit schilderij is nogal droog en taai, maar erg interessant, omdat zijn naïviteit leidt tot het idee van Italiaanse primitivisten." Zelfs spotters en fervente tegenstanders van Rousseau's originele werk erkenden de meester als een uitstekende primitivist.
Hoewel de doeken "Wandelen door het bos" en "ontmoeting in het bos" zijn, de schilder staat nog steeds dichter bij de nationale schilderkunst van het 18e-eeuwse Rococo-tijdperk dan bij de Italiaanse primitieven. Dit is grotendeels te danken aan het duidelijk zichtbare traditionele motief van galante taferelen (fetes galantes), zeer kenmerkend voor de Franse kunstenaar Antoine Watteau (1684 - 1721), wiens schilderijen werden tentoongesteld in het Louvre. Trouwens, het waren hun reproducties die de muren van de Russo-werkplaats sierden.
De werken van de vroege periode in Rousseau onderscheidden hem sterk van zijn tijdgenoten - de impressionisten. Dit is duidelijk te zien aan de uitgekiende kleurstelling van de schilderijen “Meeting in the Forest” en “Walk in the Forest”, waarin de schilder echte en denkbeeldige bomen uitbeeldt met een groot aantal verschillende tinten bruin en groen.
In de eerste foto, het bos is dicht en onbegaanbaar, in de tweede - licht en transparant. Alle langetermijnplannen worden gemaakt door vage, kleine slagen, die visuele waarneming vergemakkelijkt, neutraliseren van een te verzadigd donker bos. De lucht, een derde van de foto in beslag nemend, opzettelijk verkleinde bomen in de verte - dit alles spreekt van de poging van de kunstenaar - autodidact om op de een of andere manier de grenzen van de ruimte te bepalen, geef het diepte, dat is, om het vooruitzicht te tonen dat voor Rousseau, verstoken van academische kennis en vaardigheden, was een echt struikelblok. Misschien is dat de reden, later verliet hij opzettelijk elk vooruitzicht in zijn doeken.
Het schilderij "Vergadering in het bos" toont geliefden die te paard rijden en elkaar aankijken. Ze zijn gekleed in typische kostuums uit de 18e eeuw. Het lange haar van de vrouw valt vrij los over haar schouders - een motief dat aanwezig is in veel vrouwelijke afbeeldingen van Rousseau's penseel. De kracht van gevoelens, wederzijdse knuffels, tederheid in de blik van de man creëren een duidelijk effect van de aanwezigheid van dit paar op het doek, ondanks het feit dat hun lichamen praktisch onzichtbaar zijn achter de weelderige vegetatie. Alleen liefhebben in hun eigen wereld, ze verschenen voor een korte tijd van achter het bos, en het leek alsof ze op het punt stonden voor altijd weer uit het zicht te verdwijnen.
Op het doek "Walking through the Forest" zien we een vrouw die erg op Clemence lijkt, ze leek te verstijven - misschien was ze bang voor de ruisende echo's van de stoet, het alarmerende geritsel van bladeren of het plotselinge kraken van een tak.
Vrouwelijke afbeeldingen
vrouwelijke afbeeldingen, evenals afbeeldingen van dieren, nam een grote plaats in in het werk van de kunstenaar. Twee grote vrouwenportretten, geschilderd door Rousseau met een kleine opening, zijn zeer vergelijkbare composities. Beide beelden vrouwen in het zwart ten voeten uit. Het formaat van de werken en de poses van de personages maken het mogelijk om de schilderijen toe te schrijven aan het genre van paradeportretten. Misschien zijn ze allebei op bestelling gemaakt, hoewel de identiteit van de modellen onbekend bleef.
Het eerste doek - "Portret van een vrouw" (alternatieve naam "Portret van mevrouw M.") werd rond 1895 gemaakt. Het was dit schilderij dat in 1908 tegen een zeer bescheiden prijs werd verworven door een andere briljante kunstenaar - Pablo Picasso (1881 -1973), die er erg enthousiast over was. Dit werk staat ook wel bekend als Jadwiga, hoewel er geen bewijs is dat de modelnaam overeenkomt.
Er is een legende dat het meisje op het doek een mooie Poolse vrouw was die de schilder charmeerde. En hoewel deze versie geen bewijs heeft, het feit blijft:Rousseau hield van deze naam. Hij noemde ze zelf de hoofdpersoon van het stuk van zijn eigen compositie - "Revenge of the Russian Orphan". Misschien was zij het die voor de kunstenaar een bepaald beeld van de ideale vrouw belichaamde. Met dezelfde naam, de meester zal de heldin van zijn andere canvas noemen - "Dream" (1910).
De compositie van het eerste portret lijkt op een geënsceneerde foto uit een winkel uit die tijd. Een vrouwenfiguur staat op een balkon vol bloemenvazen tegen een massief gordijn, omgeven door een fantastisch landschap. In de handen van Jadwiga is een boomtak. Dit detail is van bijzonder belang omdat het een traditioneel symbool van de dood is. Dit is te verklaren, als je de aanhangers van de theorie van het echte bestaan van deze vrouw gelooft, die beweren dat Jadwiga op het moment van schrijven al dood was. Deze veronderstelling wordt indirect bevestigd door het feit dat de kunstenaar de zwarte kleur koos voor de jurk van de vrouw, die altijd het bijzondere dramatische karakter van het afgebeelde tafereel benadrukte.
De vrouw op het tweede portret is afgebeeld te midden van een spannende verscheidenheid aan groen. Haar hand rust op haar dij, en haar benen die onder haar jurk vandaan gluren raken nauwelijks de grond, wat de illusie van beweging creëert. Onderaan het doek zien we een kitten spelen met een bolletje draad, brengt levendigheid en spontaniteit in de officiële toon van het portret.
Russo voltooit zijn beroemde werk "The Sleeping Gypsy", ook gewijd aan het vrouwelijke beeld, slechts een maand na de dood van zijn enige zoon, Henri Anatol.
In 1897, exposeerde hij het werk op de Salon of Independents, vergezeld van een legende geschreven op het frame:"Een roofdier, overweldigd door een dorst naar bloed, bevriest op zijn plaats, een zwaar slaperig slachtoffer niet durven aanvallen." De figuur van de zigeuner met haar sjaal en kleurrijke kleding, scherp contrast met de donkere huidskleur, doet een beetje denken aan oosterse vrouwen uit schilderijen van academische kunstenaars. Het was dit werk dat Russo actief voorstelde om de maatregelen van zijn geboortestad Laval te verwerven, ter nagedachtenis aan zichzelf.
De kunstenaar schreef zelfs aan de burgemeester van de stad:"Alles baadt hier in het maanlicht." Natuurlijk, het gemeentehuis wees zijn aanbod af. Het werk verdwijnt en wordt pas in 1923 herontdekt en, aangezien niet alle schilderijen van Rousseau algemeen bekend waren, zorgt voor veel controverse en geruchten. Heel wat beschouwen het als een nep, een grap, die werd toegeschreven aan een andere kunstenaar - Derain. Degenen die niet twijfelden aan het ware auteurschap van het schilderij, beschouwde het als een zeer beslissende stap van de schilder van realisme naar surrealisme.
Spoedig, Rousseau vertrok van de impressionisten, hoewel hij nog steeds hun afkeer van de traditionele canons van de beeldende kunst deelde. Het impressionisme impliceerde de creatieve vrijheid die zo noodzakelijk was voor Rousseau. Zijn kunst, gebaseerd op een volledig vlakke interpretatie van alle vormen, houdt niet alleen geen rekening met de standaardregels voor het afbeelden van perspectieven die in de Renaissance werden aangenomen, maar negeert ze ook bewust. De kunstenaar vereenvoudigt de vorm, het creëren van zijn eigen unieke stijl van schilderen. De echte proporties zijn hier vervormd, de kleuruitwerking van het volume ontbreekt, en de schaduw bestaat helemaal niet. Rousseau wilde geen saaie en alledaagse werkelijkheid portretteren, alle beelden en vormen passerend door zijn rijke verbeeldingskracht.
De kunst van de kunstenaar lijkt sterk op decoratief geschilderde afbeeldingen met veelkleurige figuren met een gladde textuur en een pretentieloze vorm. Zijn schilderij "Het kind met de marionet" maakt een vreemde indruk die je doet huiveren. De meester schetst eerst de contouren van de figuur van een kind dat lijkt op een porseleinen pop, het zelf ongeschreven laten, werkt dan op de achtergrond van de afbeelding en keert weer terug naar de figuur. Rousseau, zoals Emil Bernard (1868 - 1941) en Paul Gauguin, negeert volledig de principes van het klassieke perspectief. In aanvulling, de schilder geeft een duidelijke voorkeur aan inhoudelijke conventies, in plaats van saaie details.
Kinderportretten
Borstels Russo bezit veel kinderportretten. Het is niet bekend waarom het thema kinderen zo belangrijk was voor de kunstenaar, als het op maat gemaakte werken waren, als de kunstenaar het verlies van zijn zes kinderen voelde. Het exacte antwoord op deze vraag is niet bekend, we kunnen alleen maar aannemen dat het uitbeelden van kinderen, de schilder probeerde met behulp van verf, penselen en verbeeldingskracht om de beelden van zijn dierbaren weer tot leven te brengen. Veel van Rousseaus kinderportretten zijn op groot formaat.
Bijvoorbeeld, een kind in een rode jurk lijkt zo groot dat het voelt alsof zijn figuur nauwelijks op het doek past. Blijkbaar, het kind zit:benen gebogen op de knieën en bijna verborgen in het gras spreken hierover. De figuur zelf leek te zweven tussen hemel en aarde, die het gevoel van buitensporige massaliteit onmerkbaar verzacht. Zoals "Het kind met de pop, ” de jongen op deze foto heeft ook een vreemde pop in zijn hand, lijkt op een volwassene met gelaatstrekken.
Op een andere foto uit dezelfde periode - "Boerenbruiloft", we zien een bruid die met nederige eerbied naar ons kijkt. De figuren van de mensen om haar heen zijn zo plat dat ze afzonderlijk uit gekleurd papier lijken te zijn geknipt en op het achtergrondlandschap geplakt. Ondanks de zorgvuldig gerangschikte bomen met de letter "V" en een onhandige hond op de voorgrond, die in theorie een compositorische aanduiding van het perspectief had moeten zijn, ze konden de collage-impressie van dit schilderij niet uitwissen.
De figuur van de bruid is de onbetwiste dominant van het beeld, zij is het die, met haar sneeuwwitte riem, lijkt de overige karakters te verbinden tot een enkele groep. Op het doek, de kunstenaar gaf symbolisch de continuïteit van generaties aan, met de hulp van een lange sluier van de bruid, de oudere vrouw die in de buurt zit lichtjes bedekken, wie is natuurlijk de grootmoeder van de bruid of bruidegom. De figuur van een oude man die los zit van de groep hoofdpersonen, wiens benen verborgen zijn in het gras, roept gedachten op over de verbinding tussen moderniteit en eeuwigheid, leven en dood, aarde en hemel. De plechtigheid waarmee de hele groep zich onder de bomen bevindt, doet weer denken aan een 19e-eeuwse winkel. Het was in zulke statische poses dat mensen voor een fotolens verstijfden tegen de achtergrond van geschilderde vlakke landschappen:“We bewegen niet! Adem niet! ". Het is mogelijk dat tijdens het werken aan de "Wedding", de schilder liet zich inspireren door een foto, maar er is niets bekend over de redenen voor zijn beroep op dit onderwerp, evenals over de persoonlijkheden van de prototypes van de personages. Al lijkt de man die rechts van de bruid staat in de verte op de kunstenaar zelf.
Symbolische werken
1906, Henri Rousseau presenteerde zijn nieuwe werk aan het publiek - "Vrijheid, een oproep aan schilders om deel te nemen aan de 22e tentoonstelling van onafhankelijke kunstenaars”, die, zelfs op de tentoonstelling van de Salon of Independents, zorgt ervoor dat bezoekers alleen maar lachen. Alleen een hechte vriendenkring bewondert het nieuwe werk van de kunstenaar, terwijl de rest het ontwerp zelf of de manieren waarop het wordt geïmplementeerd niet kan begrijpen.
Vriend van de schilder - Robber Delaunay roept uit:“In een ander tijdperk, hij zou de muren van de paleizen hebben geschilderd in opdracht van opdrachtgevers. bij ons, hij wordt gedwongen een nar te zijn voor de inwoners, hij is zo serieus, zo rustig. Wat een zinloze ironie van het lot! Russo viert de Salon met zijn nieuwe werk, die hem tot een volwaardig kunstenaar maakte, in elke zin van het woord. Het compositorische middelpunt van het werk is de allegorische figuur Vrijheid, afgebeeld op een manier die doet denken aan de academische. Ze speelt trompet, traditioneel een symbool van aanbidding.
Een jaar later, Rousseau amuseert opnieuw het publiek in de Salon van Independents met zijn werk "Buitenlandse vertegenwoordigers arriveerden onder de vlag van vrede om de Republiek te groeten". Op het doek, we herkennen de zes presidenten van de Franse Republiek (in het zwart gekleed) die op het podium staan, de Russische keizer (in een geel en blauw uniform), de koning van Engeland (aan de linkerkant), en ook rechts:Franz Joseph uit Oostenrijk, Peter I uit Servië, Willem II uit Duitsland, Leopold II uit België, George I uit Griekenland, de Perzische sjah en koning van Ethiopië. De Republiek, in rode gewaden en een Frygische muts (de hoofdtooi van het tijdperk van de Franse Revolutie van 1789) triomfantelijk stijgt boven alles uit, met een olijftak in uitgestrekte hand. Dit veelkleurige extravaganza, gekleurd door buitenlandse vlaggen, passeert onder de slogan geschreven op drie zwarte sokkels die op de voorgrond van het doek staan:“Werk, vrijheid, gelijkwaardigheid. En op de achtergrond zien we mensen die zich in een kring verzamelen om hun vakantiedansje te beginnen.
De kunstenaar was dol op allegorieën, zo populair onder vertegenwoordigers van politieke kringen. Rousseau nam herhaaldelijk deel aan verschillende wedstrijden, die van tijd tot tijd door de Parijse autoriteiten worden georganiseerd om de gebouwen van verschillende afdelingen te versieren. De schilder wilde altijd al een officiële bestelling ontvangen, goed betaald en prestigieus, omdat, ten eerste, hij voelde voortdurend de behoefte aan geld, en, ten tweede, hij droomde nog steeds van universele erkenning.
Echter, de douanebeambte is er niet in geslaagd de een of de ander te veroveren. In aanvulling, de hele tijd waren er mensen die de zwakte van deze artiest en zijn inherente naïviteit gebruikten om herhaaldelijk de arme Rousseau te spelen. Het kwam zelfs zover dat de schilder bijna naar de Champs Elysées ging om de president van de Franse Republiek persoonlijk te bedanken voor het toekennen van zijn belangrijkste staatsonderscheiding - de Orde van het Legioen van Eer, waarvan de prijs door kwaadaardige grappenmakers aan de artiest werd aangekondigd.
Exotisch India
Een keer, de moeder van de kunstenaar Robert Delaunay, bezwijken voor de smeekbeden van haar zoon, besloten om een Russo schilderij te bestellen. Haar verhalen over een exotische reis naar India inspireerden de douanebeambte om een canvas te maken dat is ontworpen in rijke groene tinten die typisch zijn voor de tropische jungle. In het midden van de foto zien we de figuur van een zwartharige vrouw - een slangenbezweerder, die erg doet denken aan een oude mystieke godheid. zwarte slangen, alsof ze betoverd was door de magische klanken van haar pijpen, kruip langzaam overal vandaan, en als ze op het eerste gezicht nauwelijks te onderscheiden zijn, wanneer het uiterlijk gewend raakt aan een bonte variëteit en details begint te onderscheiden, je ziet ze steeds vaker. wonderbaarlijk, hun beweging op het doek is bijna fysiek voelbaar. De ogen van de vrouwelijke figuur, wat het enige lichtpuntje op de foto is, voeg een mystieke tint toe aan het canvas, hun enorme aantrekkingskracht is opvallend.
Een rivier verlicht door een volle maan, een dikke en mysterieuze sluier van planten die glinsteren in alle tinten groen, een exotische roze vogel, fel glanzende gele bloemen - het hele tafereel straalt een ongelooflijk paradijs en rust uit. The vertical lines of the figure and the plants surrounding it are softened by horizontal rays of light coming from the month. This fundamentally distinguishes the composition of “The Enchantress” of Rousseau from his “War”, where the horizontal construction of the entire canvas creates the effect of decay and symbolizes destruction and destruction.
Unpleasant Surprise is somewhat close to Snake Charmer. In this picture we see a woman scared by a bear. The figure of the woman again resembles the mythical goddess, or Old Testament Eve, lost in the Garden of Eden. Her round hips are slightly covered by hair falling down to her knees. As in The Caster, the woman is surrounded by the same bizarre trees with bright foliage, and in the background - on the shores of a magical lake, depicting dense forests of bizarre trees. And in the depths, the figure of a lurking hunter is hardly noticeable. When you see her, the soul becomes calm - he will certainly shoot and save the woman from the predator.
Contemporaries will write down a statement by an Italian critic dedicated to Rousseau:“He lives in a strange world, fantastic and real at the same time, close and far, sometimes funny, sometimes tragic. He loves a riot of colors, fruits and flowers, wild animals and fabulous birds. He lives, working unconscious, focused and patient, met with ridicule and unfriendly shouts every time he decides to break his loneliness in order to present his creation to the world. ”
Buddy portrait
The hero of the picture “Chaise of Father Juniet” (1908) is a real character - a seller of vegetables, a former friend of Rousseau (though his real name was Claude Junier). His shop on Montparnasse was located just a few meters from the painter’s workshop. Junier always helped an artist who often lacks money for products. Sometimes Junier, along with his friends, took Rousseau to ride on his chaise, which served him for the transport of goods. Juniera’s pet - a mare Rosa pulled a chaise. The seller of vegetables had a great weakness for horses and dogs, one of which is shown in the picture next to the chaise.
When creating the canvas, the artist used a photograph taken in Klamar in 1908. Rousseau transferred the composition of the photograph to the canvas, adding to it a dog on the road and several figures. While the painter was working on the painting, his workshop was visited by the American artist Max Weber (1881-1961). Considering the work, Weber drew the author’s attention to the imbalance in size between dogs and other objects and characters. Rousseau replied:"Everything must remain as it is."
Perhaps the artist is right, relying only on his own vision, because when you look at this work for a long time, it starts to seem that it is this absolutely disproportionate, and therefore some mysterious dog that gives the picture a touch of fabulousness. It is the altered proportions and disturbed perspective, abundantly supplemented by elements of phantasmagoria, that give Rousseau’s everyday scenes this element of attractiveness and mystery.
Five people and a dog are sitting in a chaise. All of them are depicted facing the viewer, as if lined up in a line, like a group from the canvas "Peasant Wedding", but at a clear angle with respect to the seats of the chaise and the direction of the road. The canvas has an impressive size, very characteristic of works of decorative art, and this, according to critics, makes it similar to the "tapestries of a thousand flowers" - magnificent carpets popular in the 15th century on which colorful ornaments were woven from fancy plants.
Voor de eerste keer, the artist uses an absolutely smooth canvas in the painting, thanks to which the strokes are almost invisible. The whole color of the picture is clearly divided into two scales:black, white and red in the foreground, and ocher, green and blue - on the "backdrop".
City landscapes
Less well-known but no less significant part of Rousseau’s creative heritage is urban landscapes. Numerous types of Paris and its suburbs were in high commercial demand, daarom, the artist, constantly constrained by the means, had to write them tirelessly. In those distant times, the outskirts of Paris were still little built up and literally buried in the pristine greenery of forests. The artist did sketches for future paintings immediately with oil paints, without using gouache or charcoal. He confidently writes from life, directly on canvas, only sketching from time to time.
Prescribing individual fragments in the open air with sweeping sharp movements of the brush, Rousseau completes the picture already in the workshop, carefully finalizing the details of each component. Two of the most famous examples of urban landscape in the work of Rousseau are the canvases “Furniture Factory in Alfortville” and “View from the Sevri Bridge”. On them, the painter depicted a free interpretation of the factory for the production of armchairs and chairs in Alfortville and one of the districts of Sevri on the southwestern outskirts of the French capital.
The Furniture Factory in Alfortwigle was written ten years earlier than The View from Sevri Bridge. When you look at the picture, the sky immediately catches your eye, with bizarre clouds on it. On the left is a river, and in the background is a bridge. But both elements are, liever, of secondary importance. All the compositional construction of the painting comes from the wavy sidewalk, which unexpectedly creates the impression of the right perspective, rare for Russo’s paintings. The factory building itself strongly resembles a cardboard house from theatrical scenery, and figures of people around look unnatural. All this makes the scene very conditional, almost surreal.
A striking element of the picture is the figure of a fisherman in the foreground. aanvankelijk, his image was only a compositional necessity. Echter, after the character was completed, the artist discovered that this fisherman, waiting for the bite, symbolizes a certain existence outside of time and space, thus embodying eternity in the picture. It is this distinctive approach to the depiction of time that sharply distinguishes Rousseau from the Impressionists, who were characterized by admiring a moment taken separately from life.
The compositional center of the second picture is the bridge over the Seine, which connects its wooded shores. The black and white boat, located in the foreground, is very expressive, its hull is strangely similar to the face of a man. Small figures of pedestrians merge with houses shaded by red foliage. Red and gray-green roofs perfectly match the gamut of the autumn landscape. A balloon, a hang glider and an airplane symbolize the three epochs of conquering the sky, which were often mentioned in the press of that time, and which Rousseau himself admired.
Dreams
In 1910, Henri Russo creates his greatest masterpiece - the canvas "Dream", exhibited by him in the same year at the 26th Salon of Independents. All his friends and colleagues unanimously claim that the work is worthy of the best reviews. The poet Guillaume Apollinaire writes about her in one of his articles:“I think that this year no one dares to laugh. You can ask the artists - everyone is unanimous, everyone admires them, even this sofa in the style of Louis - Philippe, lost in a virgin forest. And they are right. ”
Russo supplies the work with the following comments:“Jadwig has a magical dream. She quietly fell asleep to the flute of an unknown seducer. When a month casts light on flowers and green trees, dieren, and even predators, freeze, listening to the wonderful sounds of music. ” Andre Breton (1896 - 1966) will note, a few years later:“I am close to saying:this great canvas absorbed all the poetry and all the secrets of our time. It is characterized by the inexhaustible freshness of discoveries… "
The painting "Dream", which has become one of the last works of Russo, is considered the will of the artist. Intertwined, the plants create an illusion of space on the canvas, which is echoed by the whole color scheme of the picture. The feeling of depth is emphasized by iridescent shades of green. Monkeys frolic in bizarre branches, where bright exotic birds are seen everywhere, and below, under them, predators roam in the grass. Only a black musician stands in the thick grass and plays his flute, as if not noticing anything around. Both characters and plants are torn from real space, their characteristic form and their true condition, but they are all written out so carefully that they look incredibly plausible. As if anticipating his demise, Henri Russo leaves us a legacy of a true paradise.With his “Dream”, the artist illuminated the coming generation with the road to surreal art, ahead of his time.
In the same 1910, Rousseau painted another picture - “The attack of the jaguar on the horse”, bought later by the patron Ambroise Vollard. The artist himself was proud of the work. “Twenty-two shades of green!” - the painter proudly told the famous Italian critic Argendo Soffichchi, who came to him to look at a new work. Sofficchi was shocked by the picturesque manner of Rousseau. After drawing with a pencil all the contours of exotic plants, the artist applied various shades of green in separate strokes, prescribing each fragment several times, and carefully cleans the palette with each color change.
Among strangers
Despite the fact that Rousseau’s personal sympathies were always on the side of academic painting, he received recognition only among the most progressive contemporaries - avant-garde artists were his best friends all his life. The creative manner of the artist himself is attributed to primitivism, thanks to his original style and because of his love for Italian primitive artists, such as Fra Angelico (c. 1400 - 1455) and Giotto (1267 - 1337), who worked in the XIV and XV centuries, when the laws of a classical perspective had not yet been discovered, the absence of which would become a real hallmark of all of Rousseau’s work. “Only in 1885, after numerous disappointments, was I able to devote myself to art, studied myself, learned nature and took the advice of Jerome and Clement, ” says Henri Russo about himself.
In search of his own style, Russo worked a lot in the Louvre, creating copies of the masterpieces of the great masters of the past. The painter received permission to work in the famous museum thanks to his friend Felix Clement (1826 - 1888), WHO, like Rousseau himself, was a self-taught artist. But, unlike the Customs officer, Clement was recognized and kindly by the authorities. He, the lucky winner of the Roman Grand Prix of the French Republic, was paid for accommodation and training in Italy. The intelligent Clement, a devoted friend and delicate adviser, never allowed himself to be ridiculed or mocked at Rousseau and his paintings. On the contrary, he always insisted that the artist remained faithful to his style and did not turn off the chosen road. Clement introduces the Customs Officer to Leon Jerome (1824 - 1904), who worked at that time on the artistic embodiment of the lofty scenes of ancient mythology and ancient Eastern plots. Jerome - the star of official art - belonged to a group of artists - pompiers, named for their pompous luxury inherent in their canvases and pretentious splendor, and for the characteristic headdresses of their ancient heroes, reminiscent of helmets of firefighters (pompiers).
With rare exceptions, such as Clement and Jerome, Russo’s friends belonged mainly to the circle of Independent Artists. It was the representatives of neo-impressionism, in particular Georges Cera (1859 - 1891) and Paul Signac (1863 - 1935), who were the first to recognize a brilliant and original master in Rousseau in 1886. Signac highly appreciated his talent as a colorist, and Camille Pissarro (1831-1903) was loudly admired by the artist’s works, recognizing that it was precisely “feelings in the first place”. Robert Delaunay, the former, together with his wife Sonia (1885 - 1979), one of the founders of abstract art, expressed their admiration for the artist.
Delaunay and Russo become friends, despite the fact that the Customs officer does not always penetrate the essence of the creative research of his friend. “Why did Robert break the Eiffel Tower?” - Rousseau’s sincere question regarding the painting by Delaunay led to the appearance of the legend about the Customs officer as a naive genius who never really understood the figurative techniques of avant-garde art.
The author of this, like many other legends about the artist’s life, was the modernist poet Guillaume Apollinaire. He created myths about Rousseau, passing through his poetic imagination the story of his life, and the artist, beurtelings, immortalized his image on canvas. Apollinaire described the process of writing his own portrait:“First of all, he measured my nose, mouth, my ears, my forehead, my arms, my whole body and very accurately transferred all these measurements to his canvas, reducing it in accordance with the size of the frame. (…) I did not move, watching with admiration how anxious he was towards the work of his imagination, not allowing anyone and anyone to interfere in the creative process, so as not to disturb the harmony of the picture. And how mathematically accurately he depicted the figure of a man! If my portrait had nothing in common with my appearance, this would not have happened through the fault of Rousseau, but due to some annoying calculation error. Echter, even those who are not familiar with me recognized me in the picture. ” In the role of the poet’s muse, the canvas depicts the artist and Apollinaire’s close friend, Marie Lorensen (1883 - 1956).
An evening in the history of art
Here is an example of one of the stories related to the life of Russo and his friends. One January evening in 1908, Rousseau and Apollinaire appeared in Bago Lavoir, where Pablo Picasso (1881 - 1973), an artist from Catalonia, set up his workshop in a small wooden house. The customs officer, wearing a soft felt hat, takes pride of place at the table, leaving outer clothing and a cane at the door. On the wall hangs the work of the self-taught artist "Portrait of Mrs. M." (that same mysterious "Jadwiga"). The wall itself is decorated with flags, lanterns and a large poster with the inscription "In honor of Rousseau." The guests present are all in high spirits, some have already visited the nearby tavern.
Apollinaire solemnly recites the ode he wrote for this evening:“We have gathered to honor you with wine, which pours Picasso. There is reason to drink, and we will drink and rejoice:“Long live Rousseau!” Around the table gathered:artists Georges Braque (1882 - 1963), Marie Lorensen and Andre Derain (1880 - 1954), writer Andre Salomon, poet Max Jacob (1876 - 1944) and two American women - the famous writer Gertrude Stein (1874 - 1946) and Alicia Toklas. Wine flows like water, Rousseau takes the violin and plays the waltz that he once wrote for Clemence. Then he comes to Picasso and quietly says in his ear:"We are the two greatest artists of the era." Then Apollinaire gets up again and reads a poem telling about Rousseau’s trip to Mexico invented by him:“Do you remember, Rousseau, the Aztec landscape? Forests where pineapples and mangoes grew, Merry monkeys, watermelon pulp, Race warmed the emperor Maximilian? "Your paintings come from Mexico, Where the burning sun and the riot of nature." An artist who has never been to this country does not even try to object, because today is the long-awaited day of his triumph.
Later, a friend of Picasso, Fernanda Olivier will argue that the festive reception in Bateau Lavoir was a joke, a hoax. Echter, Andre Salomon writes in his memoirs:"In Bato Lavoir, we had only one task - we wanted to give Rousseau the holiday he deserved." This technique in Bato Lavoir was one of the key moments in the history of the development of modern painting:it was there that two generations of artists met, thanks to whom new art was born.
