Pieter Paulus Rubens (1577-1640)
De grote kunstenaar Peter Paul Rubens werd geboren op 28 juni, 1577, door de wil van het lot, weg van het thuisland van zijn voorouders - in het kleine Duitse stadje Siegen (Westfalen). Het zesde kind van advocaat Jan Rubens en de koopmansdochter Maria Papelinks was voorbestemd om de leider te worden van de opkomende nieuwe esthetiek en kunst van Vlaanderen - een staat die, tegen het jaar waarin de schilder werd geboren, stond niet eens op de politieke wereldkaart. Pas in 1609, de langverwachte wapenstilstand werd gesloten tussen Spanje, Nederland en Vlaanderen, die de basis legde voor de heropleving van een land dat verwoest was door vele jaren van oorlog.
In Vlaanderen, zoals in veel staten van middeleeuws Europa, de katholieke kerk speelde een belangrijke rol in het leven van de staat, in combinatie met de feodale adel die het ondersteunt en de hoogste burgerlaag. Het waren deze lagen van de high society die de belangrijkste klanten waren van kunstwerken. Omdat wat, majestueuze altaarbeelden gemaakt in opdracht van de katholieke kerk en schilderijen op groot formaat ontworpen om de kastelen en stadspaleizen van adellijk Antwerpen te versieren, werden veel gebruikt in de Vlaamse schilderkunst. De belangrijkste genres in de kunst waren mythologische taferelen, bijbelse onderwerpen, prachtige stillevens, ceremoniële portretten en jachttaferelen.
Jan Rubens was een vertegenwoordiger van een oude Antwerpse familie. Zijn vlucht naar Duitsland in 1586 werd veroorzaakt door een sympathieke houding ten opzichte van het protestantisme. aanvankelijk, het gezin vestigde zich in Keulen, waar een gerespecteerde advocaat de functie van advocaat Anna Saxon kreeg, de echtgenote van Willem I van Oranje, die de leider van het Nederlandse verzet was. Spoedig, tussen de advocaat en de prinses was er een liefdesaffaire, eindigend in de geboorte van hun dochter. Het schandaal dat uitbrak doodde bijna Jan Rubens - hij werd ter dood veroordeeld door Wilhelm, die volledig in overeenstemming is met de wetten van die tijd. Alleen door de ongelooflijke inzet van zijn vrouw Rubens, hij was in staat zichzelf uit de gevangenis te bevrijden om in ballingschap te gaan in het kleine stadje Siegen. De hele familie woonde er tot de dood van Jan Rubens, die stierf op zevenenvijftig jaar na een lange ziekte. Pas daarna, in 1578, Mary kon terugkeren naar Antwerpen met haar drie jongste kinderen - zonen Peter en Philip en dochter Blandina.
Keer terug naar Antwerpen
in Antwerpen, Peter en Philip werden gestuurd om te studeren aan de Latijnse school van Rombouts Verdonka, waarin ze bleven tot 1590. Al snel trouwde hun zus, en zijn moeder stuurde Philip naar de Universiteit van Leuven, zodat hij in de voetsporen van zijn vader kon treden en een gerespecteerde advocaat kon worden. En de jongere Peter, zoals gebruikelijk was in adellijke maar niet rijke families, in dienst trad van een page voor Margarita de Lin, weduwe van graaf Filips de Dalen. Daar, Rubens leerde hofetiquette en verfijnde manieren, en realiseerde zich ook dat schilderen zijn enige roeping was. Hoewel, voor de moeder om Peter het beroep van kunstenaar te laten krijgen, de jonge man nam veel tijd in beslag.
In de eerste leraren van haar zoon, Maria koos haar verre verwanten - de kunstenaars Tobias Verhacht (1561-1631) en Adam Van North (1561-1641). De tweede van hen was echt een geweldige schilder, zeer gerespecteerd door zijn tijdgenoten, maar hij stond bekend als een eigenzinnig persoon die zijn studenten nogal grof behandelde. Al snel kwam Rubens in het atelier van Otto van Weet (Venius) (1556-1629) - de beroemdste Antwerpse schilder. De leraar had een serieuze impact op Peters perceptie van artistieke esthetiek, hem de vaardigheden van grondige studie en compositie bijgebracht, en ontwikkelde een interesse in de intellectuele aspecten van de schilderkunst. Zelfs nadat hij een onafhankelijk kunstenaar was geworden, toetreden tot de Antwerpse Sint-Lucasgilde (in 1598), Rubens bleef zijn kunst verbeteren, gebaseerd op de principes van zijn laatste leraar.
Het leven in Italië
Rubens, zoals veel Vlaamse schilders, waaronder Otto van Weet, was er absoluut zeker van dat 'het ware licht van kunst alleen uit Italië komt'. Begin mei 1600, hij haastte zich naar zijn droom, geobsedeerd door het idee om in deze schatkamer van de schilderkunst te vallen, beeldhouwkunst en architectuur om de essentie van kunst te begrijpen. Aangekomen in Italië, de schilder werkte veel, bestudeerde de techniek van oude meesters, en kopieerden hun doeken. Hij werd veroverd door de werken van Leonardo da Vinci, Correggio, Michelangelo, maar de grootste invloed werd uitgeoefend door de werken van Titiaan, maar ook door hedendaagse kunstenaars, Michelangelo da Caravaggio en de gebroeders Carracci.
Rubens begreep dat om een “groot kunstenaar” te worden, het is niet genoeg om alleen kunst te studeren, je moet je onderdompelen in de cultuur, douane, leven van het Italiaanse volk. Daarom, eind 1600, de kunstenaar trad in dienst van de hofschilder van de hertog van Mantua Vincenzo I Gonzago, die bekend stond als een vriendelijke en zachtmoedige verzamelaar, patroon, hartstochtelijk bewonderaar van kunst en wetenschap. Namens hem, Rubens kopieerde veel werken van beroemde meesters. Naast het vervullen van zijn directe taken, de kunstenaar nam vaak deel aan de diplomatieke zaken van de hertog.
Bijvoorbeeld, het was Rubens die geschenken van Vincenzo I aan de koning van Spanje bracht, Filips III en zijn premier, Hertog van Lerma, in 1603-1604. De muren van het Gonzago-paleis waren versierd met een hele collectie portretten van 'de mooiste dames ter wereld:zowel prinsessen als vrouwen zonder titel'. Van deze beroemde reeks historische archieven zijn een aantal portretten gemaakt door Peter. Helaas, de "galerij van schoonheden" heeft het tot op de dag van vandaag niet overleefd, maar misschien was het juist de reden dat de kunstenaar naar het hof van de koning van Spanje werd gestuurd.
Overuren, Rubens' trots begon zwaar te lijden doordat Gonzago zijn talent uitsluitend gebruikte om kopieën te maken, zij het geweldig, maar buitenaardse schilderijen. De kunstenaar accepteerde ook niet de geaccepteerde techniek om aangepaste portretten te schrijven, wanneer het gezicht van het model eenvoudig in het vooraf voorbereide compositieschema uit de natuur past.
Met het vermogen om zijn onconventionele benadering van elk genre te vinden, hoe interessant hij ook was, Rubens blies nieuw leven in het strikt "canonieke" kader van het hofportret, hem bevrijden van de starheid van het schrijven, de onthechting van het model en de bevroren compositie. De kunstenaar bracht beweging en leven in het portretgenre, rijkdom aan kleur toegevoegd en de betekenis van de omringende landschapsachtergrond versterkt, waardoor het een waardige uitdrukking is van monumentale kunst. Na acht jaar in Italië te hebben doorgebracht, Rubens schilderde veel portretten van aristocraten, bijvoorbeeld, Markiezin Bridgid Spinola-Dorpa (1606, Nationale Galerij, Washington), “Zelfportret met vrienden uit Mantua” (circa 1606, Wallraf-Richartz-museum, Keulen), evenals een portret van zijn beschermheer - de hertog van Mantua.
Uitstekend ontwikkeld visueel geheugen, nauwgezette training en strikte discipline stelden de meester in staat om zo'n nauwkeurigheid en hardheid van zijn hand te bereiken bij het maken van schetsen en tekeningen die onder zijn tijdgenoten, hij was niet meer gelijk. Dankzij dit, het was Rubens, in tegenstelling tot de beweringen van alle beste Italiaanse artiesten, die een grote opdracht ontving om een altaarstuk te schrijven voor het altaar van Chiesa Nuova.
Achter de uitvoering van dit bevel zat zijn verontrustende nieuws over een ernstige ziekte van zijn moeder. Rubens spoedt zich naar Antwerpen aan het einde van de zomer van 1608, maar heeft geen tijd om Mary Papelins levend te vangen. De kunstenaar maakte zich grote zorgen over haar dood. Ter nagedachtenis aan de "beste moeders, Hij richtte een standbeeld op haar graf, die hij maakte als altaarstuk voor Chiesa Nuova in Rome. Maar, ondanks zo'n tragische gebeurtenis, de schilder keerde op een heel goed moment terug naar zijn vaderland. Eindelijk, de langverwachte twaalfjarige vrede met Spanje werd gesloten, een voorbode van vrede en welvaart in het land.
Vertrouweling van de Infanta Isabella
Toen hij hoorde van de terugkeer van de toch al zeer beroemde schilder naar zijn vaderland, Aartshertog Albert en Infanta Isabella, namens de Spaanse kroon, die toen over Vlaanderen heerste, nodigde Rubens uit om te dienen. En zodat de meester ermee instemde en niet terugkeerde naar Italië, waar hij een stabiele positie en een hoog loon had, het regerende echtpaar bood Peter belangrijke concessies en een aantal aantrekkelijke privileges.
Dus, Rubens kreeg een gouden ketting, gezien de erepositie van een hofkunstenaar, en er werd een hoge vaste vergoeding toegekend voor elk besteld werk, daarnaast, hem werd ook een aanzienlijke extra beloning beloofd. In tegenstelling tot de regels volgens welke een schilder naar Brussel zou moeten verhuizen om in het hof van mecenassen te wonen, Rubens mocht in Antwerpen blijven, hij was vrijgesteld van belastingen en de regels van het Sint-Lucasgilde.
Geen enkele artiest zou zulke voorwaarden kunnen weigeren, dus begon Rubens niet meer terug te keren naar Italië. Begiftigd met een subtiele geest, gevoel voor tact, charme, en het vermogen om een gesprekspartner te hebben, de kunstenaar maakte een schitterende carrière als diplomaat, wat ook werd vergemakkelijkt door het feit dat hij voortdurend communiceerde met de meest invloedrijke en rijke edelen van vele landen. De vooruitziende infante Isabella begreep perfect dat de kunst van de meester hem vrije toegang gaf tot vele adellijke koninklijke huizen van Europa. Ze besloot hiervan te profiteren en maakte Rubens haar onofficiële boodschapper. Tijdens portretsessies, de kunstenaar voerde geheime onderhandelingen namens de Spaanse kroon. Dankzij de bewaarde historische documenten, we kunnen concluderen dat de meeste van hen een gunstig resultaat hadden.
Dol zijn op
Al snel werd ook het persoonlijke leven van de meester aangepast. in 1609, Rubens had een ontmoeting met de secretaris van de stadsrechtbank in Antwerpen, Jan Brant. Zijn jonge mooie dochter Isabella won het hart van de kunstenaar met haar charme Rubens. De tweeëndertigjarige kunstenaar trouwde slechts een paar maanden later met haar, op 3 oktober, 1609. Het gelukkige huwelijk van de kunstenaar was gebaseerd op tedere en sterke liefde. Rubens weerspiegelde zijn geluk in de film "Zelfportret met Isabella Brant" (1609-1610, Oude Pinakotheek, München).
Het canvas onderscheidt zich door speciale pracht, virtuositeit en schittering. De schilder schilderde zorgvuldig alle sieraden en details van dure kostuums, pronken met een nauwkeurig en delicaat patroon. Op het gezicht van Isabella Brant, oprechte vreugde en geluk worden gelezen, benadrukt door een zachte, bijna onmerkbare glimlach. De kunstenaar portretteerde zichzelf kalm kijkend naar de toeschouwer. Een open blik en de juiste kenmerken benadrukken de adel en waardigheid van Rubens, zijn aristocratie. En hoewel het zelfportret dicht bij het klassieke ceremoniële portret ligt, de kunstenaar in zijn werk gaat verder dan het strikte traditionele kader van dit genre, de kijker de kans geven om zijn liefde en genegenheid voor zijn jonge vrouw te voelen, hun wederzijdse instemming en tederheid.
Nadat hij verschillende portretten van zijn geliefde vrouw had gemaakt, gedurende de lange jaren van hun leven samen, Rubens portretteerde Isabella altijd heel waarheidsgetrouw, nauwkeurig en met veel gevoel, de achtergrond van de foto donker en wazig latend om de kijker niet af te leiden van het gezicht van haar geliefde vrouw.
Universele erkenning en pedagogische talenten
Groot succes en erkenning brachten de schilder voorspoed, waarover zijn ouders, uitgeput door hun moeilijke lot, niet eens van kon dromen. in 1610, hij verwierf een ruim huis, waaraan hij een studio verbonden, en versierde de gevel met een sculptuur, waarmee hij zijn architecturale projecten realiseerde die in Italië werden gecreëerd. In dit gestileerde palazzohuis in Antwerpen, de kunstenaar vestigde zich met zijn gezin.
Het debuut van de kunstenaar in zijn geboortestad was een grote bestelling voor de hal van het Antwerpse stadhuis - het doek "Aanbidding der herders" (1608, Antwerpen). Het schilderij voelt een sterke invloed van de Italiaanse schilderkunst, met heldere zwart-witcontrasten, die het kenmerk waren van de artistieke stijl van Michelangelo da Caravaggio, die Rubens vaak gebruikte in zijn werken uit deze periode over religieuze en mythologische onderwerpen. Compositionele en coloristische constructie "Adoration of the Shepherds" herhaalt bijna precies het canvas Correggio "Night", met slechts enkele toevoegingen. In dit geval, de Franse kunstenaar Delacroix sprak zich ooit uit, opmerkend dat Rubens "een unieke gave had om al het andere te absorberen ... Hij was gevuld met de grootste voorbeelden, hermodelleren ze in overeenstemming met het begin dat hij in zich droeg."
De vroege werken van Rubens over religieuze onderwerpen lezen ook duidelijk de heroverweging van de Italiaanse ervaring. Werken aan bestellingen voor de kerk, de kunstenaar voelde zich nooit beperkt door het heldere kader van de canons. De uitvoering van twee triptieken voor de plaatselijke kerk:“Exaltation of the Cross” (circa 1610-1611, Kathedraal van Antwerpen) en “Kruisafneming” (1611-1614, Kathedraal van Antwerpen) bracht Rubens het succes en de glorie van de beste schilder, niet alleen van Antwerpen, maar van heel Vlaanderen. Het is bekend dat de meester de compositie "Exaltation of the Cross" in Italië bedacht, maar hij kon het alleen thuis realiseren. De tastbare materialiteit van alle objecten en de scherpe levenskenmerken van alle helden van dit doek duiden ook op de sterkste invloed van de Italiaanse school. Met de werken van de grote Caravaggio, het werk en de duidelijke innerlijke spanning en dynamiek van alle poses en gebaren van de helden vol dramatische expressie zijn gerelateerd.
De compositorische constructie van schilderijen met twee drama's die op Calvarie worden gespeeld, is sterk en veelbetekenend. Elk personage heeft zijn eigen individuele unieke karakter, het meest volledig onthuld door interactie met de omgeving en andere figuren. De handen van Jezus, gelegen in het centrale deel van het canvas van de kruisverheffing, liggen niet ver uit elkaar, maar zijn uitgestrekt boven het hoofd, Zijn gezicht is vervormd door een ondraaglijke aanval van pijn, zijn vingers zijn stevig samengedrukt, de spieren van zijn hele lichaam zijn gespannen. De scherpe verkortingen van alle cijfers, de tastbare inspanningen van de beulen die het kruis opheffen, de rusteloze schittering van licht en schaduw vormen één dynamische impuls, natuur en mens verenigen. De kunstenaar deed al het mogelijke zodat de gelovigen die naar dit werk keken, niet de minste twijfel zouden hebben over het grootste offer dat de zoon van God voor hen bracht.
De “Descent from the Cross” heeft een heel ander intern geluid. de kunststof, bevallig, bijna sierlijke lichaam van Jezus is gewichtloos. Rubens vergelijkt Zijn mooie bloem, door een meedogenloze hand gesneden. Met ongelooflijke inspanning, Zijn naasten streven ernaar het gewicht van het levenloze lichaam van Christus te behouden. Naast Jezus zien we zijn moeder en vrienden, evenals "de meest liefhebbende en zwakste van alle vrouwen, in de kwetsbaarheid, genade en bekering waarvan alle aardse zonden, vergeven, gevoeld en nu verlost, zijn belichaamd”, op de voorgrond van het canvas. In het algemeen, de compositie is beknopt, daarin zien we geen beelden van ondraaglijke kwellingen, schreeuwt, scherpe gebaren, tranen. Onze Lieve Vrouw houdt de snikken in. Alleen haar ogen werden rood van de tranen op haar betraande gezicht en het ingehouden gebaar van haar handen drukken haar onuitsprekelijke verdriet uit.
Op dit perceel, de schilder werd aangetrokken door menselijke passies en ervaringen, dat is waarschijnlijk de reden waarom hij, persoonlijk de tragedie meemaken van het verlies van een dierbare, was zo overtuigend en briljant in staat om dit werk te schrijven, vertellen over het verdriet van familieleden over de Doden. In tegenstelling tot de aanbidding van de herders, de gecreëerde triptieken onthulden de volle breedte van Rubens’ talent, weerspiegeld in de schaal van de beelden, de kracht van generalisatie, de diepe levensinhoud, gecombineerd met levendig entertainment - dit zijn de karakteristieke kenmerken van de individuele stijl van de meester, die in al zijn latere werken te zien is.
Zo kreeg Rubens van zijn tijdgenoten de titel 'god van alle schilders'. Het enorme succes van de kunstenaar, die het publiek trof met buitengewone monumentaliteit, expressie en drama van zijn werken, trok veel studenten naar zich toe. Spoedig, het atelier van de schilder gold als de beste beroepsschool van Vlaanderen.
De kunstenaar probeerde altijd bij elk van zijn leerlingen een individuele gave te ontwikkelen. Maar het aantal mensen dat zich wilde inschrijven voor de Grote Rubens-opleiding was zo groot dat velen moesten weigeren. Onder de "afgewezen" waren zelfs goede vrienden en familieleden van de meester, wat zijn leven ernstig bemoeilijkte. Dus, in een brief aan zijn vriend Jacob de Bi van 11 mei, 1611, Rubens schreef:“Ik kan de jongeman die je mij aanbeveelt echt niet accepteren. Ik word zo overspoeld door verzoeken van alle kanten dat sommige studenten al jaren wachten op andere meesters zodat ik ze kan accepteren. “Ik kan met volledige waarheid zeggen, en zonder de minste overdrijving, dat ik meer dan honderd kandidaten moest afwijzen, inclusief mijn familieleden of familieleden van mijn vrouw, en dit veroorzaakte een diep ongenoegen van enkele van mijn beste vrienden.” Ook, het aantal bestellingen van de schilder was waanzinnig groot.
Om veel van zijn opdrachten uit te voeren, Rubens moest zijn leerlingen aantrekken. De Duitse kunstenaar Joachim von Zandrart schreef hierover:“Yoon (Rubens) componeerde altijd zelf de compositie van het toekomstige schilderij op een schets van twee of drie overspanningen hoog, volgens deze schets schilderden zijn leerlingen een afbeelding op canvas, die hij vervolgens met een penseel passeerde of zelf de belangrijkste plaatsen uitvoerde. De kunstenaar schreef zijn beste werken in zijn eentje. Zandrart prees Rubens als leraar. In zijn verhandeling over de meester, hij merkte op dat hij al zijn afdelingen altijd 'zorgvuldig trainde' en 'ze gebruikte in overeenstemming met hun neigingen en capaciteiten'. graveurs, architecten en beeldhouwers kwamen uit het atelier van Rubens, geleid door de kunstenaar in de richting waartoe zij het meest in staat waren. Velen van hen die in het atelier van de schilder studeerden, vormden later de trots en glorie van de Vlaamse school. De bekendste van zijn leerlingen zijn Franz Slider (1579-1657) en Anthony Van Dyck (1599-1641).
Ongeëvenaard vakmanschap
In de periode tussen 1615-1620, de werken van Rubens worden nog expressiever, compositorische complexiteit verwerven, zijn gevuld met snelle bewegingen en uitgesproken kenmerken van de barokstijl. Zelfs de werken uit deze periode, geschreven in dramatische scènes, zijn gevuld met de volheid en dynamiek van het zijn, een levensbevestigend karakter dat de hele compositie doordringt. De helden van deze geweldige schilderijen werden geestelijk en lichamelijk buitengewoon mooi. De kunstenaar werd aangetrokken door thema's die vertelden over het uithoudingsvermogen van een onbuigzame menselijke geest, zijn vermogen om te exploiteren, het heroïsche begin, bijvoorbeeld, het werk "Het beschermheerschap van de Romeinse vrouw" en "Christus in de doornenkroon", beide rond 1612, het Staatsmuseum de Hermitage, St. Petersburg.
Voor de figuur van Jezus in de compositie "Christus in de doornenkroon" gebruikte de kunstenaar zijn vroege Italiaanse schets van het alom bekende oude beeldhouwwerk "Centaur". Deze techniek was geen uitzondering, schetsen van oude monumenten dienden hem jarenlang als een van de belangrijkste inspiratiebronnen. Maar op dit schilderij vooral de uitzonderlijke kracht van het creatieve potentieel van de meester kwam duidelijk tot uiting.
De figuur van Christus, vergeleken met een antiek beeld, behoudt een nogal intense geest, kenmerkend voor de meeste werken van Rubens. Het is de uitdrukking die de meester in het beeld heeft gegeven van de oneindig tragische figuur van Christus, gelegen in het midden van de compositie, geeft het beeld een buitengewone scherpte. Na buitengewone zeggingskracht in het werk te hebben gestopt, de schilder bereikte een perfect harmonieus contrast van het helder gewijde lichaam van Jezus en de donkere achtergrond van het doek, zo wordt de emotionele gloed gecombineerd met perfecte technische technieken.
Als briljante kenner van oude kunst, Rubens toonde grote belangstelling voor mythologische onderwerpen. De kunstenaar hield nooit op het leven en de schoonheid van het menselijk lichaam te bewonderen. Opgemerkt moet worden dat met dit alles, de schilder heeft nooit de afbeeldingen van oude meesters gekopieerd, maar de klassieke idealen heroverwogen, vertalen naar de "Vlaamse taal". Rubens bewonderde de nationale schoonheid van een gezond, bloeiend, sterk menselijk lichaam. Bovenal, de kunstenaar was geïnteresseerd in de belichaming van zijn fysieke kracht en beweging in het levende vlees van een persoon. En de beste plots voor zo'n schilderij konden worden afgeleid uit de rijke Griekse mythologie. De beroemdste doeken uit deze periode waren Bacchanalia (circa 1615, Pushkin State Museum of Fine Arts) en ontvoering van de dochters van Leucippus (circa 1618-1620, Oude Pinakotheek, München).
Alle bewegingen in deze schilderijen zijn ongewoon emotioneel, gebarengebaren worden benadrukt door de zich snel ontwikkelende kledingstoffen. Rubens bouwt liefdevol complexe en spectaculaire composities, bij voorkeur diagonalen gebruiken, ellipsen of spiralen voor hen.
Dus, in het werk "De ontvoering van de dochters van Leucippus" worden zowel mensen als paarden afgebeeld ten tijde van de grootste fysieke stress. De lichamen van jonge vrouwen die om hulp bidden vormen een complex patroon in termen van kleurritmes en lineaire structuur. De algemene, "nerveus" silhouet van een groep die bijna perfect in de cirkel past, wordt verstoord door expressieve gebaren. Het pathos van het werk wordt versterkt door de uitzonderlijk lage horizon, waardoor de figuren er nog spectaculairder uitzien, golvend in een opgewonden bewolkte hemel. De compositorische opbouw wordt gedomineerd door scherpe diagonalen die omhoog gaan.
De grote kracht van liefde die alle obstakels kan overwinnen, wordt door Rubens afgebeeld in het schilderij Perseus en Andromeda (1620-1621, Staatsmuseum de Hermitage, St. Petersburg). Hier, Perseus, de zoon van Danai en Zeus, verschijnt voor ons als de hoogste belichaming van een held die tot elke prestatie in staat is. De winnaar van het zeemonster, van wie hij de mooie Andromeda redde, wordt afgebeeld met het hoofd van Medusa Gorgon op het schild en tal van magische artefacten die hem helpen omgaan met obstakels. De intense interne dynamiek van elke lijn en vorm, benadrukt het heroïsche thema van het werk. Opgewonden poses van mooie personages op de foto worden gezien als de echo van een recente strijd. De figuren van de godin van de glorie en cupido's voegen compositie toe aan het pathos-geluid. De kleuring van het canvas draagt hier ook aan bij. Veelkleurige kleurrijke overlopen en luchtigheid worden bereikt door overgangen van verrassend transparante tinten naar verzadigde heldere kleuren, het creëren van een enkele symfonie van het werk. De kunstenaar vertaalde het bekende mythologische verhaal naar de levende taal van Vlaanderen, het toevoegen van veel realistische details die kenmerkend zijn voor de inwoners van zijn land, de inhoud van de mythe op een nieuwe manier onthullen en tegelijkertijd niets verliezen van het origineel.
Een belangrijke plaats in de kunst van de XVII eeuw wordt ingenomen door portretten van Rubens, met betrekking tot de rijpe periode van zijn werk. Ze onthullen alle charme van de schilderachtige taal van de kunstenaar. Het maken van werken van dit genre, Rubens treedt op als een ware opvolger van de tradities van de Hoge Renaissance, terwijl hij zich alleen beperkt tot het raamwerk van uiterlijke gelijkenis, gaat niet in op de psychologische kenmerken en emotionele ervaringen van modellen. Absoluut alle helden van de grote Vlamingen stromen over van het leven. Hij interpreteerde zowel mannelijke als vrouwelijke beelden zoals ze graag worden afgebeeld in portretten van een dame:eerst aangenomen canonieke schoonheid, en dan individuele gelijkenis. In zijn portretten de schilder bracht perfect alle noodzakelijke tekenen van zijn tijd en de positie van zijn modellen in de samenleving over.
"Portret van koningin Maria Medici" (circa 1622, Prado, Madrid) kan dienen als een levendig voorbeeld van hoe Rubens vrouwen schilderde - steevast mooie huidskleur, hoog aristocratisch voorhoofd, zeer nette kin en wijd open glanzende ogen. Een ander kenmerk van alle vrouwelijke afbeeldingen die door de schilder werden gemaakt, was elegante volheid, als een onveranderlijk kenmerk van vrouwelijkheid en aantrekkelijkheid.
"Portret van de kamerheer Infanta Isabella" (circa 1625, het Staatsmuseum de Hermitage, St. Petersburg) dient ook als een uitstekend voorbeeld van de portretkunst van de meester. Met behulp van licht gouden reflexen, koude highlights en transparante schaduwen, de kunstenaar brengt de heldere charme van een vrolijk jong meisje over. Rubens heeft de karakterisering van zijn modellen genereus verrijkt door hun maatschappelijke rol te bevestigen. Een belangrijke plaats in de compositorische structuur van het ceremoniële portret werd ingenomen door details, zoals het hoofd draaien, een spectaculaire blik, de positie van de figuur in de ruimte, een feestelijke sfeer. Hij schonk de aristocraten een gevoel van superioriteit en een zekere arrogante graad, die hen tegelijkertijd niet van hun vitale charme beroofde. En de kunstenaar onthulde alle onuitgesproken nuances met behulp van een pak.
Waar, er waren opvallende uitzonderingen, bijvoorbeeld, "Portret van Elena Furman met twee kinderen" (circa 1636, Louvre, Parijs) heeft bijna geen duidelijke tekenen van een barok paradeportret. Er zijn geen dure weelderige kleding en luxe accessoires. Maar de hele compositie van het werk is doordrenkt van helder sereen geluk. De beelden van moeder en kinderen zitten vol natuurlijk gemak en bijzondere expressieve charme. Dit portret is een echte hymne geworden voor het moederschap en de cruciale rol van de vrouw in het leven van elke man.
Jachttaferelen
Het thema van de jacht was verre van een ondergeschikte plaats in het hele werk van de schilder. Rubens wendde zich vaak tot verhalen over de strijd tussen mens en natuur. Niemand toonde de felle gevechten van mensen en dieren zo levendig en figuurlijk als hij.
Indien eerder, in de werken van zijn voorgangers, beeltenis van dieren, het belangrijkste doel was meestal om hun kennis van de anatomische structuur van dieren aan te tonen, en hun verschijning op de doeken, als een regel, was te wijten aan mythologische of bijbelse onderwerpen, toen begonnen ze een zelfstandige rol te spelen in Rubens. Hij creëerde een levende wereld waar mensen en dieren in een spontane strijd vochten. Alle doeken van deze serie zijn doordrenkt met een enorme spanning:passies worden tot het uiterste verhit, opgewonden mensen en dieren vallen elkaar gewelddadig en onbevreesd aan.
"De jacht op tijgers en leeuwen" (1617-1618, Museum van fijne kunsten, Rennes) werd geschreven net ten tijde van de grootste belangstelling van de kunstenaar voor jacht- en vechtscènes. Van 1615 tot 1621, de schilder, door dergelijke percelen, realiseerde het hoofddoel van zijn kunst - het zingen van de dynamiek van het leven en de belichaming van momenten van realiteit, die slechts een bepaald deel van de fictie toestond. De schilderijen van de kunstenaar maken geen sombere indruk, ze komen niet voort uit agressie, alleen met geweld en macht, oncontroleerbare passie en verlangen om te leven.
"Er is iets heerlijks in deze horror, ’ schreef zijn tijdgenoot. Het creëren van zijn beroemde jachttaferelen, de meester speelde in op de gevoelens van het publiek, waardoor hij zich kon inleven in wat er op het doek gebeurde, en maakte ook gebruik van de oprechte interesse van het publiek in exotische dieren.
In de zeventiende eeuw, Europa ontdekte pas de onbekende wereld van andere continenten. Iedereen heeft al van hun bestaan gehoord, maar slechts weinigen zijn persoonlijk getuige geweest van de Moren, Arabieren, Bengaalse tijgers, nijlpaarden, Afrikaanse giraffen en Indische olifanten. Rubens zag vaak een soortgelijk exotisme in menagerieën van rijke edelen, voor wie hij werk heeft verricht of met wie hij tijdens zijn diplomatieke missies heeft gezien.
De historische cyclus voor de Franse vorsten
De politieke situatie in Vlaanderen in de jaren 1620 was uiterst gespannen, maar het leven van de kunstenaar straalde met al zijn kleuren. Hij hield toezicht op het werk van schilders en graveurs in zijn atelier, ontwierp boeken voor diverse uitgevers voor uitgevers, gemaakt karton voor latwerk, en maakte schetsen voor sculpturale projecten en allerlei producten van kunstambachten. Zijn roem en succes floreerden in heel Vlaanderen, en ging al snel ver buiten zijn grenzen.
Dit werd bevorderd door de belangrijkste orde in het leven van Rubens, die hij in 1621 ontving. In januari 1622, de schilder ging naar Parijs om het contract met de moeder van Lodewijk XIII na te komen, Maria Medici. De essentie van het contract was om voor twee galerijen van het nieuwe paleis in Luxemburg tegelijk te schilderen.
Het eerste deel van de schilderijen moest scènes uit het leven van de koningin zelf voorstellen, en de tweede - scènes die vertellen over het bewind van haar overleden echtgenoot Henry IV. Helaas, het tweede deel van de bestelling is nooit uitgevoerd. Maar de eerste bracht Rubens ongekend succes.
De reeks werken “Het leven van Maria Medici” (1622-1625, het Louvre, Parijs) werd een uitzonderlijk historisch werk van de kunstenaar. Het beeldenprogramma is duidelijk persoonlijk door de koningin samengesteld, maar bij de interpretatie van de plots, hun volgorde en de volgorde van de figuren in de compositie, de schilder kreeg veel vrijheid. De nauwkeurigheid en betrouwbaarheid in het beeld van de helden hebben behouden, hun kostuums en de omgeving, Rubens verrijkte de compositie met tal van allegorische details en mythologische personages. Bijvoorbeeld, in de scène waarin Hendrik IV een zeer verfraaid portret van zijn bruid Maria ontvangt, er zijn twee gevleugelde cupido's, als de personificatie van liefde en huwelijk, en Juno en Jupiter kijken positief naar het hele tafereel, zegen de koning met de juiste keuze.
De serie bevat vierentwintig grote panelen die ons vertellen over de politieke gebeurtenissen die aan het begin van de 17e eeuw in Frankrijk plaatsvonden. Elke foto maken die in de cyclus ging, Rubens presenteerde het als een zelfstandig werk, die, tegelijkertijd, maakte ook deel uit van het totaalplan. Alle werken van de serie worden gekenmerkt door theatraliteit, luxueuze pracht en sierlijkheid die kenmerkend zijn voor barokke kunst. Ondanks het feit dat de kunstenaar zijn studenten moest aantrekken om de bestelling te voltooien, de monumentale structuur van composities, spectaculaire landschap en architecturale achtergronden, en de verhoogde kleur geven deze werken onvergelijkbare decoratieve kwaliteiten.
Sinds 1621, Rubens, erin slagen om te werken aan de cyclus van Maria Medici, was voortdurend op reis in verband met de diplomatieke missies van de Infanta Isabella. Tijdens een van zijn reizen, in het midden van 1626, zijn vrouw stierf waarschijnlijk tijdens een pestepidemie. De illustere kunstenaar en diplomaat was erg van streek door de dood van Isabella, die zestien jaar lang zijn trouwe vriendin en betrouwbare achterhoede was.
Maar de tijd heelt alles, en vier jaar later, teruggekeerd naar zijn geboorteland in Antwerpen, Rubens gaat trouwen met de dochter van een van zijn vriendinnen Elena Furman. De zestienjarige schoonheid boeide de kunstenaar met haar schoonheid. Hij wijdde veel portretten aan haar, en haar afbeelding werd vaak gebruikt om afbeeldingen van mythologische onderwerpen te schilderen.
Harmonie en vrede
In de late periode van zijn werk, de kunstenaar voelde zich het meest aangetrokken tot het landschapsgenre. Dit werd mogelijk gemaakt door de verwerving van het landgoed van het Château de Steen, dertig kilometer ten zuiden van Antwerpen gelegen. De meeste landschappen zijn door de meester "voor zichzelf" gemaakt, zonder tussenkomst van studenten, therefore they are all distinguished by special perfection. The power and heroic power of the images of early works is replaced by calm and harmony of the unity of man and nature. Rubens often writes scenes of peaceful labor of peasants and cheerful rural holidays. In landscape works, the painter develops the traditions of Dutch art, introducing a new ideological value into them.
The earlier painting “The Carrier of the Stones” (circa 1620, the State Hermitage Museum, St. Petersburg) is somewhat dramatic. Rocks in the foreground seem to soar from the bowels of the earth, creating a severe obstacle to people and horses. In the later works of Rubens, intonations change, nature appears before us as a single way of being, where a person lives happily and calmly.
The central theme of the artist’s paintings is rural nature, full of beauty and epic grandeur. His paintings seem to come to life endless expanses, the pristine forces of nature, harmoniously combined with the powerful figures of peasants engaged in their daily work. In the works of “Kermes” (circa 1635, the Louvre, Paris) and “Peasant Dance” (circa 1635-1638, Prado, Madrid) we do not see everyday authenticity, only a generalized type of a strong and beautiful Flemish people, written with love by the master.
Working for his own pleasure, Rubens explored a new technique, trying to show the true nature, not embellished with theatrical effects. John Constable, a distinguished English landscape painter, wrote:“Rubens hasn’t shown his grandeur in any other genre as in landscape.”
All the last years of the master’s life, he was tormented by the severe form of gout. Maar, even when the left and then the right hands first refused, the artist did not leave the fortitude, optimism and cheerfulness. On May 27, 1640, Rubens made his will, and on May 30 a sharp attack of gout stopped his heart. Received a grandiose recognition during his lifetime, the great "god of painters" died.
Peter Paul Rubens was buried in a most solemn manner. Contemporaries in deep sorrow led him on his last journey. The coffin with the body of the painter was accompanied by the choir of the Church of Our Lady and a solemn procession of sixty torchbearers, and in front of him they carried a golden crown on a pillow of black velvet.
