Florine Stettheimer's 'Cathedrals of Art' viert en bekritiseert de seculiere heiligdommen van New York. Hier zijn 3 dingen die u er misschien niet over weet

Toen Florine Stettheimer stierf in 1944, op 72-jarige leeftijd, de New Yorkse kunstenaar, dichter, en salonnière, was nog de laatste hand aan het leggen De kunstkathedralen, de laatste in een serie van vier monumentale schilderijen gewijd aan de culturele, sociaal, en economische tempels.Identiek qua schaal, elk schilderij meet vijf voet lang en iets meer dan vier voet breed.

De series, inclusief De kathedralen van Broadway (1929), Tot De kathedralen van Fifth Avenue (1931) , En De kathedralen van Wall Street (1939), was een knipogend bewust eerbetoon aan gebedshuizen in de stad die ze haar hele volwassen leven haar thuis had genoemd. Tot De kathedralen van de kunst is misschien wel het meest persoonlijke van de werken.

Hoewel ze tijdens haar leven niet kritisch werd aanbeden, Stettheimer was volledig verstrikt in het culturele milieu van de stad en telde Marcel Duchamp, Alfred Stieglitz, en Georgia O'Keeffe onder haar dierbaarste vrienden en frequente huisgasten (Duchamp organiseerde een postuum 1946 retrospectief van Stettheimer's werk in het MoMA, het museum is voor het eerst gewijd aan een vrouw.)

Typisch geschilderd in Stettheimer's, en opzettelijk, vrouwelijk palet van blanken, roze, en rood, De kathedralen van de kunst is een fantastisch portret van drie van de belangrijkste musea van de stad:het Museum of Modern Art, het Metropolitan Museum of Art, en het Whitney Museum of American Art - en staat vol met afbeeldingen van echte kunstcritici, handelaars, en zelfs de kunstenaar zelf, linksonder, lijkt de kijkers welkom te heten in het spectaculaire tafereel.Een van de beroemdste doeken van Stettheimer, De kathedralen van de kunst grillig, zelfs fey, atmosfeer is een fineer voor het scherpe sociale commentaar van de kunstenaar en geïnformeerde hedendaagse perspectieven.

Hier zijn drie feiten over De kathedralen van de kunst Dat kan ervoor zorgen dat je het schilderij op een geheel nieuwe manier ziet.

Het schilderij is een Who's Who van de New Yorkse kunstwereld

Tijdens haar leven, Stettheimers werk werd grotendeels opgevat als sierlijk, insulaire in onderwerp, en, in de beste gevallen, het cultiveren van een Amerikaanse symbolistische traditie. echter, historici hebben de satirische, zelfs sociaal geïnspireerd, berichten gecodeerd in haar nep-naïeve stijl (Stettheimer was een soort laat-artistieke bloeier en werkte in een academische traditie voordat ze haar kenmerkende schilderstijl ontdekte toen ze in de veertig was).

De schilderijen van de "kathedralen" zijn uniek voor Stettheimer omdat het onderwerp niet al te persoonlijk is. haar onderwerp was gericht op de intieme wereld van haar vrienden en familie, met inbegrip van haar zussen Ettie en Carrie. “Het sociale karakter van deze werken is van een zeer persoonlijke aard, "Schreef kunsthistorica Linda Nochlin. "De sitters zijn de bevoorrechte bewoners van een meest exclusieve wereld, de wereld van het amusement van de Stettheimers, soirees, en picknicks."

De kathedralen van de kunst Een unieke kans voor Stettheimer om de figuren uit de kunstwereld die ze in het echt kende te plaatsen in het fantastische conglomeraat van de Met (midden), MoMA (links, met verwijzingen naar schilderijen van Picasso en Henri Rousseau), en de Whitney (rechts), gepresenteerd in een schijnbaar continue toneelachtige setting.

Beroemde figuren in overvloed in het werk. Kunstcriticus Henry McBride wordt afgebeeld naar de voorkant van het schilderij met "stop" en "go" vlaggen in de hand - een verwijzing naar zijn kritische krachten. Alfred Stieglitz staat in een onstuimige richting het midden van het doek zwarte cape die zijn rol als estheet aangeeft. De fotograaf George Platt Lynes fotografeert een baby, waar Stettheimer naar verwees als "Baby Art". voorwerpen uit de museumcollectie, alsof je op reis bent.

Vrouwen, meestal centraal in de geschilderde werelden van Stettheimer, bestaan ​​voornamelijk in de periferie van dit tafereel. Stettheimer beeldt zichzelf af, heel jeugdig gezien ze toen in de 70 was, op het canvas gelabeld als a commere , Of meter, maar ze verschijnt als een externe waarnemer, woonachtig in een overdekte ruimte. Whitney-directeur Juliana Force lijkt geïsoleerd, enigszins vastberaden kijkend naast een gouden standbeeld van Gertrude Vanderbilt Whitney, rechtsachter op het schilderij.

Zoals typisch is voor het werk van Stettheimer, een puzzelachtige opstelling van aanwijzingen en codes kan worden geïnterpreteerd voor mogelijke betekenissen, terwijl ze de naam van Picasso op de museummuur siert, ze voegt ook de hare toe, maar het is omgekeerd geschreven, een hint naar haar eigen onbekendheid, en het soort detail dat de schijnbare frivoliteit van het werk logenstraft.

Het schilderij was bedoeld als een seculier altaarstuk

De serie "Cathedrals" van Stettheimer was bedoeld om de zogenaamde "plaatsen van aanbidding" van New York City af te beelden - kunst, financiën, en de samenleving. Bij het maken van deze werken, Stettheimer keek naar religieuze kunst voor compositorische inspiratie, bijzonder drieluik altaarstukken.

"De serie is ontworpen om te lijken op een meerdelig altaarstuk, niet alleen in termen van schaal en afmeting (elk werk is meer dan 50 inch breed en 60 inch hoog), maar ook in zijn ideale display, "Schreef kunsthistoricus H. Alexander Rich in het essay "Rediscovering Florine Stettheimer (Again)." In deze lezing, te, we kunnen ons Stettheimers afbeeldingen van zichzelf en haar vriend Robert Locher voorstellen als: compère en commère (peetvader en meter), terwijl de heiligen ons verwelkomen op het toneel, maar zelf daarbuiten bestaan.

"De twee figuren [werken] als patroonheiligen of bemiddelaars tussen de wereld van de kunst en haar publiek. Kunstkathedralen , dan, is niet alleen een eerbetoon aan de kunst, maar ook aan de kunstinstellingen van New York en aan de mensen die ze runnen, "Schreef Nochlin.

Met deze religieuze verwijzingen in gedachten, het gewelfde frame van de museumstructuur kan worden geïnterpreteerd als een soort mandorla, rondom het heilige reilen en zeilen van het museum, terwijl "Baby Art" in het midden een stand-in is voor het Christuskind in een kerststal, met de flits van camera's, een eigentijdse vergelding van goddelijk licht.

Het theater heeft haar benadering van schilderen grondig geïnformeerd

Kritische discussies over het werk van Stettheimer wijzen vaak terecht op de invloed van theatrale vormgeving, vooral in haar sterke gevoel voor enscenering en framing.Ze had een groot deel van haar jeugd in Europa doorgebracht met haar zussen en moeder, en een bezoek aan Sergei Diaghilevs baanbrekende Ballet Russes had een blijvende invloed op haar schilderij (Stettheimer ontwierp ook het decor voor de opera van Gertrude Stein uit 1933 Vier heiligen in drie bedrijven. )

Stettheimer was ook een toegewijd dichter, en er wordt vaak gezegd dat haar schrijven is beïnvloed door de filosofieën van de Franse filosoof Henri Bergson. Bergson pleitte tegen vaste noties van tijd en geheugen ten gunste van ideeën van gelijktijdigheid, beweging, en verandering - invloeden die niet alleen zichtbaar zijn in de poëzie van Stettheimer, maar ook in haar schilderkunst.

"Bij het dupliceren van figuren binnen de scène en het combineren van meerdere dagen in één, Stettheimer putte uit haar begrip van de Bergsoniaanse tijd, "Schreef de kunsthistoricus David Tatham. "Bergsons argumenten maakten een onderscheid tussen duur en zijn heterogene, overlappende gebeurtenissen en lineaire, meetbare tijd In de menselijke ervaring, duur omvatte zowel het herinnerde verleden als het bewuste heden, en als begrip het was vreemd aan het bevroren moment in de beeldende kunst."

In Kunstkathedralen we kunnen dit gebruik van gelijktijdigheid zien door haar grillige samensmelting van ruimtes en gebeurtenissen, maar ook in haar afbeelding van “Baby Art, ”Die zowel op de voorgrond van het schilderij als op de achtergrond verschijnt, onder leiding van Met-regisseur Francis Henry Taylor.