Pierre Auguste Renoir (1841-1919)
25 februari 1841 in de stad Limoges in Zuid-Frankrijk, het vierde kind werd geboren in het gezin van de kleermaker - een jongen genaamd Pierre Auguste. Een paar jaar later, de hele familie Renoir verhuisde naar Parijs. Van jongs af aan, Auguste onderscheidde zich door uitstekende tekenvaardigheden, evenals een prachtige stem.
Schilderijen van Pierre Auguste Renoir
Het hoofd van het kerkkoor, waar de jonge Renoir zong, adviseerde zelfs zijn ouders om na te denken over de muzikale carrière van hun zoon (trouwens, het was Charles Gounod, die later de beroemde opera Faust schreef). Maar de familie van de toekomstige kunstenaar was niet rijk, en zijn vader zag een andere toekomst voor zijn zoon - het prestigieuze en goedbetaalde werk van de kunstenaar in China.
Dus, in 1854, op de leeftijd van dertien, Auguste ging de porseleinfabriek binnen. De jonge man hield van dit beroep, hij leerde snel en begon kopjes en schotels te schilderen, en dan hele diensten. Tegelijkertijd, de jonge man ging vaak naar het Louvre, waar hij schilderde, geïnspireerd op antieke beeldhouwkunst en schilderkunst van de Rococo-kunstenaar Francois Boucher, die lichte genrescènes schreef. Overuren, Renoir begon ze te kopiëren op porseleinen schilderijen.
De jongeman verdiende goed voor zijn leeftijd. Om vooruit te komen in zijn carrière, hij ging een porseleinfabriek binnen, waar hij begon te schilderen onder leiding van een beeldhouwer en een collega in een porseleinfabriek, die hem een mooie toekomst voorspelde op het gebied van kunst.
Jeugd van de kunstenaar
Helaas voor de jonge Renoir, maar gelukkig voor alle anderen, de technologische vooruitgang van de 19e eeuw werd gekenmerkt door een bijna volledige afwijzing van handmatige productie. Het porseleinschilderij werd verdrongen door gedrukte tekeningen. Kopers en werkplaatseigenaren werden aangetrokken door het feit dat printapparatuur ervoor zorgde dat precies dezelfde producten werden geproduceerd. Overuren, met de hand schilderen wordt niet meer gewaardeerd.
De jonge man, eerst wanhopig, probeerde producten met grote snelheid te schilderen, wat hem geen succes bracht. Als resultaat, hij moest op zoek naar andere inkomsten. Het is tijd voor tijdelijk werk met de constante ontwikkeling van verschillende technieken. Renoir schilderde voor het eerst fans en muren van Parijse cafés, kreeg toen per ongeluk een baan als gordijnmeester. Trouwens, hij beheerste deze techniek tot in de perfectie en begon opnieuw goed geld te verdienen, maar de kunstenaar wilde niet op zijn lauweren rusten, aangezien dit beroep zeker niet de grens van zijn dromen was. Renoir zette al het geld dat hij verdiende opzij voor een nieuwe droom:schilderen op een speciale school aan de Academie voor Beeldende Kunsten.
Eind 1862, Auguste Renoir vervulde zijn gekoesterde wens en ging naar de Parijse School voor Schone Kunsten. Daar belandde hij in het atelier van de kunstenaar Charles Gleyre, vasthouden aan de academische stijl. De jonge man had al veel ervaring, maar volgde gewetensvol alle lessen en studeerde academisch tekenen. Echter, Glair hield er meteen niet van hoe Renoir met kleur werkte:zelfs toen gebruikte de kunstenaar sappige felle kleuren, die niet werd verwelkomd in de academische omgeving. Een keer, de leraar uitte zelfs zijn vrees dat zijn vrij-liefhebbende leerling niet de tweede Delacroix zou worden - de belangrijkste vertegenwoordiger van de Franse romantiek, die prachtig in kleur werkte en een echt idool is van Renoir, maar wie, in de ogen van academische kunstenaars, is een voormalige "afvallige". Auguste was niet de enige jonge kunstenaar in het atelier van Gleur, die probeerde te rebelleren tegen de academische manier en zijn eigen nieuwe weg te vinden. Hij raakte al snel bevriend met Claude Pug, Alfred Sisley en Frederick Bazil, die het schilderij van zeer dichtbij bekeken en heftig de mogelijkheden van zijn heropleving besprak, waarmee ze bevrijding uit de boeien van het academisme begrepen. Een beetje later, Camille Pissarro voegde zich bij hen.
De opleiding duurde niet lang, slechts een jaar later werd Renoir gedwongen de schilderschool te verlaten, omdat hij het niet meer kon betalen. Hij verving de lessen in de werkplaats door werk in de open lucht, samen met zijn nieuwe vrienden, die al snel ook onverwachts hun kunstopleiding afrondden vanwege het feit dat de werkplaats gesloten was. Alle kameraden van Renoir waren vergelijkbaar, niet alleen in hun verlangen om de wereld van de kunst te veranderen, maar ook doordat ze nauwelijks middelen voor voedsel en materialen voor werk konden vinden.
in 1866, Renoir schreef een van zijn vroege stillevens, “Stilleven met een grote bloemenvaas” (Vogt Museum of Art, Cambridge), geschreven in de stijl van Hollandse stillevens en een vrolijke indruk met zijn heldere maar delicate en tegelijkertijd rijke kleuren. In hetzelfde jaar maakt hij het schilderij "Inn of Anthony's Inn" (1866, Nationaal Museum, Stockholm). In tegenstelling tot bloeiende stillevens, de kleurstelling van dit werk is nogal donker, met een dominante zwarte kleur. De visuele zeggingskracht is gebaseerd op contrast:de zwarte kostuums van de herbergbezoekers benadrukken de sneeuwwitte tafelkleden op de tafel, en ook scherp contrasteren met de lichtpuntjes van de bedienden, het schort van de dienstdoende vrouw, de lichte breedgerande hoed van een van de helden en de witte hond die onder zijn voeten ligt.
Het werk demonstreert op levendige wijze Renoirs vaardigheid en principes bij het construeren van een compositie met behulp van kleur:een sneeuwwit tafelkleed is omsloten door een ring bestaande uit zwarte figuren, die worden verhinderd om op te gaan in de algemene massa door witte accessoires af te wisselen. De toepassing van witte vlekken letterlijk "in een dambordpatroon" geeft een bijzondere harmonie aan de verdeling van kleuren. De afbeelding kenmerkt de kunstenaar als een prachtige portretschilder en een magnifieke meester van het stilleven:het hele tafeldecor is met grote vaardigheid gemaakt, de overblijfselen van voedsel en gebruiksvoorwerpen zijn ongewoon realistisch.
Een jaar later, de kunstenaar schildert een portret van zijn geliefde vriendin Lisa Treo, die Renoir meer dan zeven jaar ontmoette, maar nooit getrouwd. Uiteindelijk, Lisa verbrak hun relatie en, slechts een paar maanden later, trouwde met een jonge architect.
Hoe dan ook, het schilderij "Lisa" (1867, het Museum van Folkwang, Essen) werd aanvaard voor deelname aan de Salon van 1868, waar het door het publiek positief werd gewaardeerd, wat een groot succes was voor de nog onbekende kunstenaar. Op de foto, het meisje is in volle groei afgebeeld, ze draagt een witte jurk, overschaduwd door een brede zwarte band en een zwarte paraplu tegen de zon. De lichte jurk van het meisje lijkt te worden overspoeld met felle zonneschijn, en schittering van licht speelt op de schouders en het gezicht van de heldin, bedekt met een paraplu. Dit delicate zwart-witspel gaat verder op de stam van een berk, die achter Lisa's rug is en op het gras aan haar voeten, waar donkere schaduwen scherp de zonovergoten gebieden begrenzen.
in 1867, Renoir maakte nog een schilderij, waarvoor Lisa Treo poseerde voor “Diana the Huntress” (National Gallery of Art, Washington). Vanwege de morele principes van die tijd, de kunstenaar kon een moderne vrouw niet naakt afbeelden, dus legde hij een jachtboog in haar handen en noemde de afbeelding een mythologische naam, die zijn werk het recht op officieel bestaan gaf, terwijl het schandaal werd vermeden dat werd veroorzaakt door het schilderij "Breakfast on the Grass" uit 1863, Eduard Manet.
De artiest, die zeer geïnteresseerd was in het portretgenre, schreef vaak zijn impressionistische vrienden, ze in een vertrouwde sfeer afbeelden tijdens dagelijkse activiteiten, zo portret en genreschilderkunst combinerend en documentaire bronnen creërend die ons vertellen over het leven van deze mensen.
Het schilderij "Portret van Frederic Bazil" (1867, Museum d'Orsay, Paris) toont ons een jonge Bazil bezig, natuurlijk, schilderen. De artiest, wendde zich tot de kijker in profiel, is gefocust op zijn werk. stilistisch, het werk van verrassend naadloos grijnzen, mede door de bijna monochrome kleurstelling. Het lijkt op een uitgebreide zwart-witfoto waarin volumes zijn gemodelleerd met behulp van clair-obscur. Een jaar later, Renoir maakt een paar "Portret van Alfred Sisley met zijn vrouw" (1868, Wallraf-Richartz-museum, Keulen). Op het doek zien we hoe benadrukt Sisley is voor zijn jonge vrouw. Zijn hele houding drukt zijn bereidheid om te dienen uit, een vrouw steunen en helpen, evenals zijn liefde en tederheid voor haar. Het jonge getrouwde stel afgebeeld op het doek, alsof het het licht van geluk en liefde uitstraalt.
Renoirs werk “Algerijnse vrouw” (1870, Nationale kunstgalerij, Washington) was een eerbetoon aan Eugene Delacroix. In het, de kunstenaar portretteerde zijn Lisa in het beeld van een odalisque, een helder, luxueuze oosterse vrouw, loom liggend op kussens, gekleed in prachtige jurken en wenkte naar zichzelf. Op dit doek, Renoir lijkt te genieten van kleur. De figuur van een liggende heldin neemt bijna de hele ruimte van het doek in beslag, het lijkt alsof de foto lucht mist.
Toewijding aan het impressionisme
Auguste Renoir werkte vaak samen met een andere prominente vertegenwoordiger van de jonge impressionisten, Claude Monet. Kunstenaars schilderden naar dezelfde natuur, waargenomen licht en schaduw in de natuur, en bestudeerde de mogelijkheden van het palet om deze effecten over te brengen. Een voorbeeld van hun verbintenis zijn de beroemde schilderijen "Frogs" - schilderijen die niet alleen vanuit één natuur zijn geschilderd, maar ook hetzelfde genoemd. De plot van de schilderijen is eenvoudig:een drijvend café met een leuk publiek op de achtergrond van houten boten die wachten op hun passagiers.
Renoir, van nature een optimist, door al zijn werk droeg de liefde van het weergeven van de vakantie van het leven, dansende of rustende dames en heren. De kunstenaar probeerde geen aandacht te schenken aan de donkere kant van het leven, hij geloofde oprecht dat kunst mensen prachtige momenten van plezier zou moeten bezorgen, en niet de rol van opbouw of saai onderwijs vervullen.
De Renoir "De Kikker" (1869, het Nationaal Museum, Stockholm) lijkt op het eerste gezicht een schets, maar helemaal geen voltooid werk, het bijsnijden van de scène is als willekeurig. Tot op zekere hoogte, het was zo, het tafereel is precies weergegeven zoals de kunstenaar het zag, zonder een uitgekiende doordachte compositie, het balanceren van plannen en het bouwen van perspectieven.
De kunstenaar streefde een heel ander doel na:het vastleggen en overbrengen van de sfeer van plezier en zorgeloos op een warme zomerdag, om de schittering van het licht op het water te vangen, zonnereflexen op damesjurken (hoewel deze dames een stuk kunnen worden genoemd:de meeste heldinnen op de foto zijn jonkvrouwen met gemakkelijke commando's, een bewoner van een café met een dubieuze reputatie). Werken met levende natuur vereiste in zeer korte tijd schilderen, daarom, Renoir en Monet werkten in een bijzondere schrijftechniek – met brede, snelle slagen, alleen de figuren van mensen aangeven en de omgeving schetsen, maar geen tijd verspillen aan het schrijven van details. Deze nieuwe stijl, bij wijze van spreken, onuitgesproken schilderij viel niet in de smaak bij het publiek, en de schijnbaar achteloze artistieke manier van doen van de jonge impressionisten werd bekritiseerd.
Maar juist in de overdracht van vluchtige sensaties uit de natuurtoestand lag de essentie van de nieuwe beweging in de schilderkunst. Het impressionisme is ontstaan in de open lucht. De constante veranderingen in verlichting waren erg belangrijk voor degenen die, in de toekomst, zullen in eerste instantie ironisch en beledigend impressionisten worden genoemd. Dit ongewone verlangen om indrukken over te brengen van een ongrijpbaar, veranderende realiteit maakte een duidelijk onderscheid tussen hun werk en "dode" academische schilderkunst.
Klassieke academische schilderkunst bestond alleen in de context van een smal spectrum van mythologische, religieuze en historische onderwerpen, zonder de beelden van de moderne tijd te herkennen. Het was de kunst van het idealiseren, het introduceren van een kunstmatige interne orde en een duidelijke structuur in alles. Objecten en dingen in stillevens, landschappen en portretten werden geïdealiseerd, en niet zoals ze daadwerkelijk door het menselijk oog worden gezien. De droom van de impressionisten was om de schilderkunst terug te brengen in het echte leven. jonge Renoir, nadat Monet in de open lucht begon te schrijven, aangezien alleen een dergelijke methode de transmissie van natuurlijk zonlicht mogelijk maakte, het beeld die spontaniteit geven die onomkeerbaar verloren gaat bij het werken in de werkplaats vanuit het geheugen. Het was licht dat de belangrijkste 'hoofdpersoon' van hun schilderijen werd. Echter, in tegenstelling tot Monet, Auguste Renoir was meer geïnteresseerd in de menselijke figuur in deze magische licht-luchtomgeving dan in de natuur zelf.
In een ander werk, De nieuwe brug (1872, Nationale kunstgalerie, Washington), Renoir komt ons voor als een virtuoze meester van de Vedut (stedelijk landschap), klaar om architectonische details zorgvuldig uit te schrijven en nauwgezet een perspectief te bouwen. Er is al een vlottere schrijfstijl, en de constructie van volumes wordt gecreëerd met lijnen, een hulptekening. Hoe dan ook, het stadsbeeld met zijn brede brug en wandelend publiek is als door een waas zichtbaar, alle contouren van de architecturale elementen en figuren van de personages zijn verstoken van duidelijke contouren, alle lijnen zijn erg zacht. De kunstenaar legde een stad vast die baadde in zonneschijn en lucht doordrongen van licht.
Het portret van zijn vriend en collega Monet Reads (1872, Marmotin-museum, Paris) is gemaakt door Renoir in donkere kleuren, waardoor het bijna monochroom is. Hoe dan ook, het beeld van de vriend van de kunstenaar bleek erg levendig, hij toonde Monet precies zoals hij hem zelf elke dag zag:met een hoed, met een verse krant en een rokende pijp in zijn mond.
Renoir bestudeert de effecten van verlichting, speelt de gemarkeerde en gearceerde delen van Monets gezicht en de kranten in zijn handen. Meesterlijk de algehele donkere kleur van het canvas verdunnen met warme tinten op de handen, het lyceum in de rugleuning van de stoel, evenals de witte kleur van de krant. Dus de kunstenaar bereikt een harmonieuze compositie, in kleur gebouwd. De stof van het kostuum is bijna gemengd met een donkere achtergrond, alsof geabsorbeerd door de omringende schemering. Met dit effect probeerde de schilder de sfeer van laat lezen over te brengen, bij weinig licht.
De foto uit 1872 “Portret van de vrouw van Claude Monet op de bank” (particuliere collectie, Lissabon) werd ongewoon levendig en indrukwekkend. Jonge Camilla Monet (nee Donsier) zit op de bank in een mooie blauwe jurk, ze poseert naakt voor de kunstenaar, alsof ze zichzelf toestond om gunstig te tekenen. Hier, Renoir probeert de omgeving niet zorgvuldig te beschrijven, hij straalt alleen een gevoel van rust en vrijheid uit van de jonge huisvrouw, die 's middags tijd voor rust vond.
Als een echte kenner van vrouwelijke schoonheid, de kunstenaar bewondert openlijk de jeugd en frisheid van de heldin van het doek. Als in een schets, Renoir schetst alleen armleuningen van banken, waarvan er één op Camille rust, en een theetafel met een kopje op de rand. Het is te wijten aan het ontbreken van een geometrisch patroon op de bank en duidelijke lijnen die het ontwerp afbakenen, de bank lijkt ongewoon zacht. De contouren van objecten zijn wazig, die de sfeer van de kamer een effect van buitengewone lichtheid en luchtigheid geeft, alsof Renoir een soort ongrijpbare omgeving van zonlicht toont die alle objecten in de kamer verenigt. En alleen Camilla's zwarte haar, wenkbrauwen en ogen steken af tegen de algemene lichte achtergrond, de aandacht van de kijker trekken.
In het begin van de jaren 70, Renoir bracht veel tijd door in de buurt van Parijs, in Argenteuil, waar Monet in deze periode woonde, vrienden werkten vaak samen, een van hun favoriete onderwerpen waren zeilboten op de Seine. Dit werk is opgedragen aan het werk “Regatta bij Argenteuil” (1874, Nationale kunstgalerie, Washington). Op het schilderij, de kunstenaar gebruikte opnieuw de schetsstijl van schrijven met behulp van snelle, brede slagen. Alleen met zo'n stijl konden we het landschap vastleggen, om de momentane toestand van variabele aard vast te leggen.
De lucht op de foto is ongewoon dynamisch geschilderd, met gescheurde roze wolken, alsof het al het zonlicht absorbeert. Het lijkt alsof het kapseist in de Seine, het patroon van wolken en de witte zeilen van boten weerspiegelend, die op hun beurt de reflexen van hemelse verlichting absorberen en roze worden. Renoir schildert een beeld niet met lijnen, maar met kleurvlekken.
De compositie van het schilderij "Pad in het hoge gras" (1874, Musea d'Orsay, Parijs) lijkt sterk op het landschap "Klaprozenveld in Argenteuil" (1873, Museum d'Orsay, Parijs) door Claude Monet. Auguste Renoir beeldt mensen af die langs een pad lopen en verdrinken in het hoge gras. Net als Monet, om een gevoel van beweging te creëren, de kunstenaar herhaalt de figuren van mensen op de top van de heuvel en aan de basis.
Theater en naakt
Zoals veel artiesten, Renoir voelde zich aangetrokken tot het theater. Hier vindt u een verscheidenheid aan scènes voor schilderijen, kijk naar duizenden mensen met hun karakters en lot, merk merkwaardige dingen en ongewone scènes op. De schilder is geïnteresseerd in zowel het publiek, gevestigd in de zaal, en de acteurs, wiens bruisende leven aan de andere kant van de helling voorbijgaat.
Een van Renoirs werken over de theaterscène - The Lodge (1874, Galerij van het Curto Instituut, Londen) werd door de kunstenaar gepresenteerd op de eerste impressionistische tentoonstelling, sensationeel en mislukt, die in hetzelfde 84e jaar werd georganiseerd in de studio van de fotograaf Nadar. De foto was een dubbelportret van een dame en een heer die in een doos zaten, wachten op het begin van de voorstelling. Een vrouw kijkt de kijker direct en kalm aan, haar metgezel, Integendeel, zit achterover te leunen en zoekt iemand door de verrekijker tussen de menigte. De dame is een beetje verdrietig, en de heer, het lijkt, haar aanwezigheid volledig vergeten. De figuur van de heldin wordt dichter bij de voorgrond van de foto getoond, haar gezicht is helder verlicht en alsof ze de dialoog zoekt met de kijker, de held wordt verwijderd van zowel de kijker als zijn metgezel in de schemering van de doos. Met het spel van licht en schaduw wist de kunstenaar verrassend eenvoudig semantische accenten in de compositie te leggen.
De expositie van dezelfde impressionistische tentoonstelling werd bijgewoond door nog twee werken van de kunstenaar:"Dancer" (1874, Nationale kunstgalerie, Washington) en “Parijs” (1874, Nationaal Wells Museum, Cardiff).
Het schilderij "Danser" toont ons een jonge ballerina in een luchtblauwe jurk. Ze staat op de vrije 4e positie, doet ons een beetje denken aan het werk van Edgar Degas, die veel schilderijen maakte rond het favoriete thema van het theater. Echter, alle Degas-heldinnen worden gevangen in een dans of boog, ze hebben nooit voor hem geposeerd. Degas schilderde ze – zoals de paparazzi nu aan het fotograferen zijn – vastgelegd op een onverwacht moment in een schijnbaar willekeurig perspectief, zonder te focussen op psychologie.
Auguste Renoir werkte anders. Op zijn doek, de danser is niet in dans en niet in een toneelbeeld afgebeeld, maar als in de rol van zichzelf. Een belangrijke rol in het portret wordt gespeeld door een beetje droevige ogen en de aantrekkelijkheid van een jong meisje, haar schroom en tederheid. Het beeld onderscheidt zich door pasteltinten en zachte contouren – in tegenstelling tot de scherp gedefinieerde werken van Degas, die altijd de lijn als het belangrijkste expressieve hulpmiddel gebruikte.
Als het gaat om het volgende schilderij van de meester - "Parijs", veel kunsthistorici noemen de lijnen van Alexander Blok, die hij meer dan dertig jaar na de totstandkoming van het doek schreef:
“En elke avond op het afgesproken uur,
(Of ben ik gewoon aan het dromen?)
Een meisjeskamp, gevangen door zijde,
In een mistig raam beweegt.
En langzaam, passeren tussen de dronken,
Altijd zonder satellieten, alleen,
Parfums en nevels inademen
Ze zit bij het raam..."
Het bovenlichaam van de jonge vrouw is vrij duidelijk omlijnd, terwijl de lichte rok van haar jurk van luchtige stof lijkt te zijn genaaid. Dus de kunstenaar bereikt het favoriete effect van het bestaan van de figuur in een speciale licht-luchtomgeving, waardoor de heldin uit de waas lijkt te komen. De verrukkelijke aantrekkingskracht van het beeld wordt bereikt door het feit dat deze ongrijpbare mistige Mademoiselle volledig open staat voor dialoog met de kijker.
Volgend jaar, Renoir maakt zijn beroemde schilderij "Naked in the Sunlight" (1875, Musée d'Orsay, Parijs). Het innovatieve idee van de kunstenaar was om naaktheid in de natuur te schrijven, laat zien hoe de schittering van de zon en de reflexen van de bladeren van een boom op haar tere huid spelen. Het idee was niet slecht en, Bovendien, echt impressionistisch. Echter, het resultaat veroorzaakte een scherpe afwijzing door zowel critici als het publiek. Volgens de canons van de traditionele schilderkunst, een naakt vrouwelijk lichaam moest ideaal worden geschreven, nadat ze een spectaculaire "geënsceneerde" pose van het model hadden bedacht, en haar huid moet perfect glad zijn en uitsluitend in warme tinten. Renoir, in plaats van een gladde huid, toonde schittering en reflexen, die recensenten kadavervlekken op het rottende lichaam noemden.
in 1876, de schilder maakt een ander canvas over dit onderwerp. Op het schilderij "Naakt" (het Pushkin State Museum of Fine Arts, Moskou), Renoir toonde zich een echte kenner van vrouwelijke schoonheid. Hij bewondert letterlijk zijn model, alsof ze haar lichaam streelde met een borstel. Deze keer, hij schildert haar jonge dunne huid perfect glad en exclusief met roze tinten. compositie, het werk lijkt op het schilderij “The Bather” van Jean Auguste Dominique Ingres (1807). De kunstenaar keert later terug naar Ingres (die, overigens, was een voorbeeld voor Edgar Degas) tijdens het heroverwegen van zijn eigen creatieve pad.
De meester nam regelmatig deel aan volgende tentoonstellingen van de impressionisten. Bij de derde daarvan, in 1877, onder andere werken, hij presenteerde The Ball op de Moulin de la Galette en Swing.
Het schommelmotief was ongebruikelijk voor de 18e-eeuwse Franse schilderkunst; in feite, het was afwezig. Het is niet bekend wat Renoir precies tot dit complot heeft gedreven, maar er zijn aanwijzingen dat hij bekend was met het gelijknamige schilderij van Fragonard, die het schreef als een "dappere scène", die een verborgen betekenis heeft, ingesloten in aantrekkelijke vooruitzichten die openen naar de cavalier die op de grond zit onder de rokken die in de wind zwaaien, zwaaiend in de wind jonge dames. "Schommels" (Museum d'Orsay, Parijs) van Renoir, geschreven in 1876, zijn in wezen dezelfde "dappere scène", ontleend aan het Rococo-tijdperk, maar geschreven op een modern plot en zonder een frivole connotatie.
Op het doek zien we een jonge man met de rug naar de toeschouwer staan (wat op zich onacceptabel is in de traditionele kunst), hij schudt een peinzend meisje dat op een houten schommel staat lichtjes door elkaar. In de buurt zijn een man en een klein meisje, liefdevol en vol vertrouwen kijken naar een dame. Trouwens, kinderafbeeldingen beslaan een aparte pagina in het hele werk van de kunstenaar, maar daarover later meer.
Het algemene schilderij "Bal bij de Moulin le la Galette" (1876, Museum l'Orsay, Parijs) werd geschilderd op de heuvel Montmartre in Parijs, waarop in die tijd nog drie bewaarde houten molens stonden. In een daarvan bevond zich het restaurant "Moulin de la Galette", beroemd om heerlijke schnitzels (moulin – molen, galette - kotelet). Het restaurant hield regelmatig dansen, die het meest uiteenlopende Parijse publiek bijeenbracht, waaronder jonge kunstenaars.
Zulke plaatsen waren ideaal voor Renoir, die graag sappig schrijft, heldere schittering van licht, dansen op damesjurken en pakken van hun heren. De kunstenaar hield ervan om over te gaan naar de canvasscènes van dergelijke festivals van het leven en zorgeloze jeugd, gekenmerkt door een ongewoon vrolijke en heldere sfeer. Zijn doeken waarop het plaatselijke publiek is afgebeeld, zijn een soort document van die tijd:ze hebben voor altijd deze hoek van Parijs veroverd, waar de middenklasse van die tijd werd vermaakt. De kunstenaar wijdde een groot doek aan zo'n alledaags plot dat voor die tijd buitengewoon ongebruikelijk was.
Voor een lange tijd, de schilderijen van de kunstenaar waren niet te koop, het publiek weigerde het impressionisme als kunst te erkennen. Hoe dan ook, de tentoonstellingen maakten het mogelijk om nuttige contacten te leggen. Door hen, Renoir ontving verschillende goede bestellingen voor portretten die de schilder op de een of andere manier hielpen de eindjes aan elkaar te knopen. Aangenaam en winstgevend voor de kunstenaar was een ontmoeting met de echtgenoten van Charpentier. Feit is dat Madame Charpentier haar eigen salon had in Parijs, waarin een interessant publiek samenkwam:schrijvers, artiesten, dichters en kunstenaars. Hier ontmoette Renoir de actrice Jeanne Samari, aan wie hij drie portretten opdroeg.
Portrettist talent
Geweldig geschreven, levendig en lyrisch “Portret van Jeanne Samari” (1877, het Pushkin Museum voor Schone Kunsten, Moskou) demonstreert de onconventionele benadering van de kunstenaar bij het bouwen van de compositie. De jonge actrice leunt met haar hand op haar kin, als in een vertrouwelijk gesprek, haar open, directe blik veranderde direct in de ogen van de waarnemer, evenals de maximale benadering van de figuur aan de rand, creëert het effect van nauw contact tussen de heldin en de kijker. Dankzij deze pose het portret heeft een onuitsprekelijke charme en roept veel positieve emoties op.
Een jaar later, de kunstenaar maakt nog een canvas met dezelfde naam (1878, het Staatsmuseum de Hermitage, St. Petersburg). In het, Renoir schrijft opnieuw aan Jeanne van Samaria, maar nu in volle groei. De vrouw is gekleed in een prachtige sneeuwwitte jurk met een sleep, zeer passend bij haar slanke figuur. Maar ook hier, in een ceremonieel portret, de heldin gaat in dialoog met de kijker – haar pose is weer naar voren gericht, ze staat licht gebogen, een trotse houding en rechte schouders opofferen, voor dit contact. Haar directe open blik laat de toeschouwer niet los, maar haar enigszins opengesperde lippen trekken hem aan.
In hetzelfde jaar, Renoir schreef "Portret van Madame Charpentier met kinderen" (Metropolitan Museum of Art, New York). De foto is gemaakt op de standaard "salon" manier, duidelijk om de gastvrouw zelf te plezieren. Twee schattige kinderfiguren, afgebeeld in directe poses, breng perfect het unieke kinderplastic over, aangevuld met engelachtige attributen - zwelling van de armen en benen, delicate krullen van haar, geven het canvas een bijzondere charme. De algemene compositie van het werk is weer opgebouwd met kleur:het decor is afgebeeld in roodbruine tinten, en de figuur van Madame Charpentier steekt af tegen haar achtergrond. De gastvrouw is gekleed in een zwarte jurk met een witte contrasterende inzet op haar borst, een witte petticoat gluurt onder de zoom uit, en aan haar voeten staat een enorme Sint-Bernard in zwart-wit. En in deze zwart-witte lijst staan kinderen in lichtblauwe korte jurkjes afgebeeld.
Renoir werd tijdens zijn leven beschouwd als een uitstekende meester van de portretkunst. Hij slaagde erin de vluchtige stemming van de helden van het doek te vangen en over te brengen. Een opmerkelijk voorbeeld van zijn werk in dit genre is “The Girl with a Fan” (1881, Staatsmuseum de Hermitage, St. Petersburg). Het tedere peinzende gezicht van een jong meisje met donkere haarlokken die op haar voorhoofd vallen, is zorgvuldig en soepel uitgeschreven, en de details van het toilet, fans, handen en achtergrond zijn zachter, met vage contouren. De achtergrond van de foto, achtergelaten zonder uitwerking, dient alleen om het mooie uiterlijk van het meisje te omlijsten, zonder de aandacht van de kijker af te leiden van glanzende donkere ogen, tere huid en gescheiden lippen. Het canvas heeft een favoriet effect van contrasten, afwisselend zwarte en witte vlekken, die de meester zo vaak gebruikte:witte delen van de waaier – donkere stof van de jurk, witte kraag - donker haar van het model. Deze schaakorder vestigt de aandacht van de kijker perfect op de delicate teint van het model.
In tegenstelling tot de mening van zijn impressionistische vrienden, Renoir besloot deel te nemen aan de jaarlijkse Salon. Het was voor hem de enige manier om bekendheid en nuttige contacten te verwerven. Dankzij de inspanningen van Madame Charpentier, de Salon van 1879 accepteerde twee schilderijen van de kunstenaar - "Portret van Samari" en "Portret van Madame Charpentier met kinderen". Dus Renoir verklaarde zichzelf uiteindelijk. Het publiek ontmoette de schilder gunstig, en hij begon regelmatig nieuwe bestellingen te ontvangen. Van toen tot 1882, de kunstenaar nam niet deel aan de tentoonstellingen van de impressionisten. De financiële situatie van Renoir verbeterde zo sterk dat hij zich in 1881 een lange reis naar Algerije kon veroorloven, Venetië, Rome en Pompei.
In dezelfde vruchtbare periode Renoir ontmoet Alina Sherigo, die een levende belichaming was van het ideaal van de vrouwelijke schoonheid van de schilder. Alina begon op veel schilderijen van de schilder te verschijnen, beginnend met “Ontbijt van de roeiers” (1881, Philips-collectie, Nationale Galerij, Washington). Enige tijd later, ze werd zelfs zijn vrouw.
Lichtcompositie van het canvas "Rowing Breakfast" is door Renoir in natuurlijk licht geschilderd. De plot van de foto is een andere vakantie van het leven die zo geliefd is bij de kunstenaar, met verkering van heren, zorgeloze jeugd, glimlachen van dames en de fijne kneepjes van relaties. Het werk nam deel aan de zevende tentoonstelling van de impressionisten in 1882, samen met verschillende Venetiaanse landschappen gemaakt door de kunstenaar tijdens zijn reis naar Italië. En net een jaar later, in 1883, de eerste persoonlijke tentoonstelling van Renoir vond plaats.
Eigen stijlherkenning en frustratie
De faam van de kunstenaar in de jaren 1880 reikte al verder dan Frankrijk. De gerespecteerde en respectabele Auguste Renoir begon vaak te reizen. in 1885, hun eerste kind, de zoon van Pierre, werd geboren uit de meester en Alina. Al snel verhuisde het gezin naar het thuisland van Alina in de Champagne. In 1886, Renoir maakt een portret van zijn vrouw en zijn jonge zoon.
Het doek "Moederschap" (Museum voor Schone Kunsten, St. Petersburg, Florida) viert al andere geneugten. Het zorgeloze amusement van het Parijse publiek verdween naar de achtergrond, en alle aandacht van de kunstenaar ging naar de geneugten van het gezinsleven en het geluk van het moederschap. Het beeld is sentimenteel:een dikke jonge Alina die een mollige baby borstvoeding geeft tegen een landelijke idylle. De verhoudingen van de vrouw die op de stoel zit, zien er een beetje verkort uit omdat de kunstenaar haar staand heeft geschilderd, en zijn standpunt was hoger dan het model.
Overuren, August Renoir, een voormalig erkend meester van het impressionisme, raakte gedesillusioneerd door de manier van schrijven die hij ontwikkelde. Zijn ontevredenheid met het werk bracht de meester zelfs tot de vernietiging van enkele gemaakte doeken. Als de schilder vanaf het allereerste begin van zijn creatieve carrière inspiratie en antwoorden zocht op de vragen die hem kwelden in de schilderijen van Eugene Delacroix, Jean Honoré Fragonard en François Boucher, die bijdroeg aan de vorming van zijn creatieve persoonlijkheid, nu wendde hij zich tot het werk van Jean Auguste Dominique Ingres - een briljante academicus en neoclassicist, hoofdlijn, het schrijven van verleidelijke naaktschoonheden en ongewoon zachte vrouwenportretten. Ook, Renoir begon de ervaring van meesters uit de Renaissance te gebruiken, wiens werken hem in Italië veroverden.
Ondanks de verandering van stijl, de kunstenaar bleef trouw aan de wereld van de vreugde, schoonheid en helder geluk. Hij heeft nooit verdrietig gemaakt, filosofisch, of opbouwende werken. Gepaarde werken “Dans in het dorp (1882, Museum d'Orsay, Parijs), “Dans in Bougival” (1883, Kunstmuseum, Boston), evenals "Dans in de stad" (1883, Museum d'Orsay, Paris) werd een logische voortzetting van de onderwerpen die de schilder in de werken van voorgaande jaren naar voren bracht. Alle drie de schilderijen tonen ons dansende koppels die genieten van beweging, muziek en als een voortzetting van het thema van wolkenloos geluk en jeugd van het doek "Bal at the Moulin de la Galette".
Het schilderij "Dans in het dorp" roept herinneringen op aan het vroege schilderij "Portret van Alfred Sisley met zijn vrouw". In het nieuwe werk zien we dezelfde tederheid, zorg en benadrukte hoffelijkheid van de heer die zijn dame omhelsde. The pose of the dancing couple captivates with direct plasticity and clearly demonstrates the nature of their relationship:the man is tenderly in love with his partner, he is ready to do her best in every possible way, she bathes in his love and care, like in music, absorbed in dance and subordinating his movements to the leading force of the partner.
"Dance in Bougival" demonstrates the departure from the impressionistic style of writing. She is still visible in the foliage of the trees and the background of the picture, but the girl’s dress and her gentleman’s costume are painted rather tightly and smoothly. The atmosphere of the work is close to the previous one, the same immediacy reigns in it, but with a touch of hidden feelings – the girl slightly bashfully looks away from her partner, who is trying to win her attention by all means.
The partners of the film “Dance in the City” are much more restrained in their movements and expression of feelings. Exquisite costumes speak of their high social status. The girl keeps herself very straight, not leaning on the shoulder of her partner with a popular gullibility. Her posture is strict and meets all standards of etiquette. The heroine’s face is calm, it does not express the happiness and joy with which the heroine of “Dance in the Village” shines. The face of a young man is completely hidden from us.
The painting "Umbrellas" (1881 -, National Gallery, London) became one of Renoir’s most famous works. It was started during the heyday of his passion for impressionism, and ended five years later, after the artist became acquainted with the work of Renaissance masters and rethought his own path in art. Female figures on the left side of the canvas are written more gently, while on the right side – a clear contour line appears. The picture densely filled with characters seems to lack compositional construction, but this is only at first glance. Among the randomly flooded figures of passers-by, the diagonal construction of the canvas can be distinguished:the first diagonal starts from the girl’s head in the right corner of the canvas, then is emphasized by the cane of the tilted umbrella and finally ends with the heads of the girl and the man standing behind her on the left.The line of the cane of the umbrella in the hands of the woman accompanying the girls indicates the second diagonal.
"Umbrellas" became the last big picture of the artist, dedicated to the life of his modern city. The Renaissance art influenced the further selection of themes, which left its mark on the pictorial manner of Renoir. The master until the end of his life remained a singer and connoisseur of female beauty, mouth-watering forms, delicate skin and sparkling eyes. The canvas "The Big Bathers" (1887, Art Museum, Philadelphia) is a clear evidence of the influence of the great masters of the past. The presence of a contour drawing, classic draperies, delicately painted naked bodies of girls with delicate skin and the layout of their figures in space represent a clear pyramidal composition in the shape of a triangle.
True, in the painting “After Bathing” (1888, a private collection), the smoothly painted naked body of a seated girl still has a hint of the artist’s former style. The shadows in the canvas remain impressionistic, colored, and its background is made with wide strokes. And the very picture of the body of the heroine is more soft than in the previous work.
Last years
The artist still traveled a lot. In 1894, a second child appeared in the Renoir family – the son of Jean. And in 1897 a small incident happened. It did not portend in itself any problems. The artist unsuccessfully fell off his bicycle and broke his right arm. During recovery, the master learned to write with his left hand. But even after a complete healing of the fracture, Renoir did not leave constant severe pain. So began severe arthritis, which did not leave the artist for the next twenty years of his life, gradually fettering movements and facial expressions, twisting his fingers, and then completely causing paralysis. Alina did everything possible to save her beloved spouse, echter, after each short-term improvement in his condition, relapses invariably occurred. Friends often came to visit the painter, Renoir himself did not stop working until the last day of his life. In 1901, his third son Claude was born, who became the most beloved model of an aging artist.
Renoir paintings were exhibited at many exhibitions in Paris, New York and London. They brought him well-deserved fame. And in 1900, the artist became a holder of the Legion of Honor, and ten years later – an officer of the order.
In 1909, the painter creates two more paired works:“Dancer with Castanets” and “Dancer with Tambourine” (both – National Gallery, London), in which a clear influence of Renaissance art is revealed. Plastic bodies, calmly contemplative expression, drapery and abstract background bring them closer in style to the frescoes of the great masters of the past. The works are very decorative, the figures of the dancers as if descended from an old frieze.
The work "Gabriel with the Rose" (1911, Musee d’Orsay, Paris) is very different from the "classical" portraits of the master. The canvas palette darkened, the model does not dazzle with a sparkle of eyes and a radiant smile. But clearly more plastic study of volumes is evident. But it’s all early, it is obvious that the aging artist admires the smoothness and tenderness of the skin of his heroine (Gabrielle was a relative of his wife and helped her with raising children).
With the outbreak of World War I, the elder sons of the Renoirs went to the front, both of them returned, but wounded. Alina tried her best to help her children, maar, not having endured the emotions, she died. Renoir continued to write in a wheelchair, overcoming severe pain in his entire body, until his death on December 2, 1919.
