prentkunst in Europa, C. 1400−1800
Het drukken van boeken was een gezamenlijke inspanning, zoals we hier zien met verschillende mensen die een boek voorbereiden voor de drukpers. Jan Collaert I naar Joannes Stradanus, “De uitvinding van de boekdrukkunst, " in Nieuwe uitvindingen van de moderne tijd (Nova Reperta), plaat 4, C. 1600, gravure op papier, 27 x 20 cm (het Metropolitan Museum of Art)
De drukpers was misschien wel een van de meest revolutionaire uitvindingen in de geschiedenis van de vroegmoderne wereld. Terwijl de vijftiende-eeuwse Duitse goudsmid en uitgever, Johannes Gutenberg, wordt geprezen om zijn creatie van een mechanische drukpers die de massaproductie van afbeeldingen en teksten mogelijk maakte, de technologie van het verplaatsbare type werd voor het eerst veel eerder ontwikkeld in Oost-Azië. In het vroege elfde-eeuwse China, de ambachtsman Bi Sheng ontdekte dat hij individuele Chinese karakters kon maken van gebakken klei om een systeem van beweegbare letters te creëren. Later, in het dertiende-eeuwse Korea, het eerste bekende metalen beweegbare type werd geproduceerd.
Pagina's uit 's werelds oudste nog bestaande boek bedrukt met beweegbare metalen letters, Bloemlezing van de zenleringen van grote boeddhistische priesters , 1377, 24,5 x 17 cm (Bibliothèque nationale de France)
Meer contact en uitwisseling tussen culturen in Oost-Azië en Europa via de Zijderoute, vanaf de dertiende eeuw, leidde tot de verspreiding van dergelijke drukinnovaties. Inderdaad, tegen het midden van de 14e eeuw, Gutenberg bevond zich in een uitstekende positie om zijn mechanische proces te ontwerpen voor het afdrukken van veelvouden van dezelfde tekstuele bronnen en visuele representaties, die, dankzij de draagbare en meer betaalbare papiersteun, betekende dat ze op grote schaal konden worden verspreid, dienen als een vroege vorm van massacommunicatie in het pre-digitale tijdperk. De publicatie van prenten in combinatie met de introductie van losse letters bood ongekende mogelijkheden voor de interculturele uitwisseling van kennis en ideeën, evenals artistieke stijlen en ontwerpen.
Deze illustratie komt uit een boek uitgegeven door Erhard Ratdolt, een vroege Duitse drukker uit Augsburg, en is geïllustreerd met drieënzeventig houtsneden. Hier zien we "Sol" of "Zon, in Albumasar, Flores astrologiae (Augsburg:Erhard Ratdolt, 18 november 1488), afbeelding 22 (collectie Rosenwald, Afdeling Zeldzame Boeken en Bijzondere Collecties, Bibliotheek van het Congres)
De democratisering van de kunst
Vóór de vijftiende eeuw, kunstwerken zoals altaarstukken, portretten, en andere luxeartikelen werden voornamelijk gevonden in de woningen van rijke beschermheren en in kerken, omdat het de sociale elite en religieuze leiders in de gemeenschap waren die de financiële middelen hadden om deze prachtige objecten in gebruik te nemen. Het reproduceerbare printformaat en de toenemende beschikbaarheid van papier zorgden ervoor dat de groeiende middenklasse, die misschien niet de middelen hadden om schilderijen of standbeelden te kopen, de mogelijkheid om artistieke voorstellingen te verzamelen. Terwijl grootschalige projecten nog steeds werden gefinancierd door welvarende mecenassen, de meeste prenten werden gekocht op speculatie. Als resultaat, we zien een scala aan onderwerpen afgebeeld in druk die verschillende verzamelaars zouden hebben aangesproken. Bijvoorbeeld, het verlangen om het verleden te bestuderen, literatuur, en wetenschap in steden in het vroegmoderne Europa moedigden prentmakers aan om de kunstmarkt te voorzien van representaties van de oude geschiedenis, klassieke mythologie, en de natuurlijke wereld.
Diamant Sutra , 868, met houtsnede gedrukte rol, gevonden in de Mogao (of "Weergaveloze") Grotten of de "Grotten van Duizend Boeddha's, ” wat een belangrijk boeddhistisch centrum was van de 4e tot 14e eeuw langs de Zijderoute (British Library)
houtsnede
De oudste vorm van prentkunst is de houtsnede. Al in de Tang-dynastie (beginnend in de zevende eeuw) in China, houtblokken werden gebruikt om tekst op stukken textiel te drukken, en later papier. Tegen de achtste eeuw, houtsnededruk had voet aan de grond gekregen in Korea en Japan. Hoewel het drukken van geschreven bronnen deel uitmaakt van een veel oudere traditie in Oost-Azië, de productie van gedrukte afbeeldingen met houtblokken was een gebruikelijker fenomeen in Europa, beginnend in Duitsland aan het einde van de veertiende eeuw en zich vervolgens uitbreidend naar Nederland en ten zuiden van de Zwitserse Alpen naar gebieden in Noord-Italië.
Vroege houtsneden tonen vaak religieuze onderwerpen. Hier zien we de Maagd Maria haar dode zoon wiegen, Jezus. Zuid-Duitsland, Zwaben, Pietà , C. 1460, houtsnede, handgekleurd met waterverf, 38,7 x 28,8 cm (Cleveland Museum of Art, Cleveland)
Petrus Christus, Portret van een vrouwelijke donor geknield voor een boek met achter haar een prent aan de muur (detail), C. 1455, olie op paneel, 41,8 x 21,6 cm (Nationale Kunstgalerie)
In de tweede helft van de vijftiende eeuw, nadat Gutenberg zijn drukpers had uitgevonden, houtsneden werden de meest effectieve methode voor het illustreren van teksten gemaakt met losse letters. Als resultaat, steden in Europa, namelijk Mainz, Duitsland en Venetië, Italië, waar de prentkunst aanvankelijk voet aan de grond kreeg, ontwikkelde zich tot belangrijke centra voor de boekproductie. De Europese methode om gedrukte afbeeldingen op papier te maken met behulp van een mechanische pers vond in de zestiende eeuw zijn weg naar Oost-Azië, maar het werd pas een paar eeuwen later algemeen gebruikt voor artistieke doeleinden tijdens de Edo-periode in Japan, toen gekleurde houtsneden (ukiyo-e-afdrukken) in grote aantallen werden geproduceerd.
De vroegste Europese losbladige houtsneden tonen overwegend christelijke onderwerpen, dienen als relatief goedkope devotionele beelden. Terwijl musea tegenwoordig prenten bewaren in geklimatiseerde dozen om ervoor te zorgen dat toekomstige generaties ervan kunnen genieten, in de vijftiende en zestiende eeuw, ze werden opgevouwen en gedragen door pelgrims op hun reizen, geknipt en geplakt in de binnenomslagen van boeken, of geplakt op muren van een huis. Bijgevolg, weinig vroege houtsneden zijn bewaard gebleven omdat ze vaak werden vernietigd door voortdurend gebruik. Nog, belangrijke bestaande houtsneden onthullen het stilistische karakter van dit vroege type prent.
Deze houtsnede heeft een brand overleefd. Het toont Maria die het kindje Jezus vasthoudt, omringd door heiligen en scènes uit het leven van Maria. Onbekende prentmaker uit de 15e eeuw, Madonna van het Vuur , vóór 1428, houtsnede, met de hand ingekleurd met verf, afmetingen onbekend (kathedraal van Santa Croce, Forl, Italië)
Bijvoorbeeld, twee houtsneden (de Pietà gemaakt in Zuid-Duitsland en de vroege vijftiende-eeuwse Italiaanse Madonna van het Vuur die naar verluidt een brand heeft overleefd die het gebouw waarin het was gehuisvest verwoestte), vertonen zowel figuren als andere landschappelijke elementen die zijn weergegeven met dikke contouren. Deze afbeeldingen hebben minimale schaduwen en patronen, lijken op stencilontwerpen waarop een verzamelaar vaak met de hand verf aanbracht om de emotionele aantrekkingskracht van de compositie te versterken. Dit is te zien aan de opname van rode verfstrepen die bloed voorstellen dat druipt van de wonden van Christus in de Pietà afdrukken.
Links:Albrecht Dürer, houtblok voor Simson en de leeuw , C. 1497-1498, perenhout, 39,1 x 27,9 x 2,5 cm (het Metropolitan Museum of Art); rechts:Albrecht Dürer, Simson en de leeuw , C. 1497-1498, houtsnede, 40,6 x 30,2 cm (het Metropolitan Museum of Art)
Een hedendaagse kunstenaar gebruikt een handguts om een houtsnedeontwerp in Japans triplex te snijden. Het ontwerp is met krijt geschetst op een geschilderde zijde van het triplex (foto:Zephyris, CC BY-SA 3.0)
Een soort hulpverleningsproces, een houtsnede wordt gemaakt door het verheven oppervlak van de matrix te inkten, wat resulteert in een spiegelafdruk van de compositie wanneer het blok met handmatige of mechanische (drukpers)druk op een vel papier wordt gedrukt. De rubberstempel is een modern voorbeeld van reliëfdruk. Om het ontwerp op het blok hout te maken, een kunstenaar gebruikt een mes of guts om delen van het hout weg te snijden tussen de lijnen en vormen die moeten worden afgedrukt. Bij het uitzagen van de stukken hout, men moet oppassen dat de opstaande lijnen niet te dun worden, anders kunnen ze breken wanneer er druk op wordt uitgeoefend om een afdruk te maken, daarom hebben vroege houtsneden ontwerpen met gedurfde contouren.
Het reliëfproces is een van de belangrijkste vormen van prentkunst. Om een houtsnede te maken, een kunstenaar inkt het verhoogde oppervlak van de matrix, die een spiegelafdruk van de compositie creëert wanneer het blok met handmatige of mechanische (een drukpers) druk op een vel papier wordt gedrukt (video uit The Museum of Modern Art).
Tegen het einde van de vijftiende eeuw, de Duitse kunstenaar Albrecht Dürer vond een manier om indrukwekkende textuur- en tonale subtiliteiten in zijn prenten weer te geven. Door een reeks dunne lijnen dicht bij elkaar te kerven in zijn Simson en de leeuw , hij vertegenwoordigde overtuigend schaduwen op de heuvel.
De witte vlakken in deze print zijn ongeinkt, optreden als hoogtepunten in de scène. Lucas Cranach de Oude, Sint Christoffel , C. 1509, clair-obscur houtsnede (Cleveland Museum of Art, Cleveland)
Clair-obscur houtsnede
Zoals blijkt uit de productie van handgekleurde houtsneden zoals de Pietà en Madonna van het Vuur , sommige verzamelaars gaven de voorkeur aan de esthetische en emotionele intriges van gekleurde prenten. In de zestiende eeuw, prentkunstenaars in Noord-Europa en Italië speelden in op die interesse door gekleurde houtsneden te maken die bekend staan als clair-obscur-houtsneden omdat ze het uiterlijk van clair-obscur imiteren. Bij dit type tekening het gekleurde papier dient als de middentoon waaraan een kunstenaar wit pigment toevoegt om licht te produceren ( chiaro ) tonen en donkerder maken ( suro ) waarden door arceringstekens op te nemen met een pen of donkere delen met een borstel. Hetzelfde concept is van toepassing op clair-obscur houtsneden. Lucas Cranach's Sint Christoffel , bijvoorbeeld, werd gemaakt met twee verschillende houtblokken. Een houtblok, het toonblok genoemd, creëerde de oranje middentoon. Het tweede houtblok, het lijnblok genoemd, produceerde de zwarte lijnen, dat is het basisontwerp en het uitkomen. De onbedrukte delen van het papier fungeren als highlights.
Een voorbeeld van niello plaquettes, met ingesneden lijnmotieven op een metalen oppervlak die waren ingelegd met een donkere pasta-achtige substantie. Devotionele Diptiek met de kerststal en Aanbidding , C. 1500, Parijs, Frankrijk, zilver, niëllo, vergulde koperlegering, 13,9 x 20,8 x 0,7 cm (The Cloisters-collectie, Het Metropolitan Museum of Art)
Gravure
Niet lang nadat de eerste houtsneden werden gemaakt, het diepdrukproces van graveren ontstond in Duitsland in de jaren 1430 en werd in de tweede helft van de vijftiende eeuw in andere delen van Noord- en Zuid-Europa gebruikt (diepdruk is een categorie van prentkunst die gravure omvat, droge naald en ets). Graveren bleef een gebruikelijke methode voor het maken van prenten tot het einde van de achttiende eeuw tot de uitvinding van planografische technieken zoals lithografie. Graveren heeft zijn wortels in de traditie van goud- en zilversmidateliers waar: niello plaquettes - kleine platen van goud of zilver - werden gemaakt door een lineair ontwerp in het metalen oppervlak in te snijden en die gebeeldhouwde groeven in te leggen met een donkere pasta-achtige substantie om een duidelijke weergave te geven.
Kunstenaars hebben metalen platen gekrast en geëtst om fijne oppervlaktedetails te creëren (video van The Museum of Modern Art).
Burijnen gebruikt bij het graveren (foto:Manfred Brückels, CC BY-SA 3.0)
In tegenstelling tot het reliëfproces van houtsnede, een gravure wordt geproduceerd door in een koperen plaat te beeldhouwen met behulp van een gereedschap met een ruitvormige punt, een burijn, die een V-vormige groef achterlaat. Nadat het ontwerp volledig is ingesneden, het gehele oppervlak van de plaat is geïnkt. Volgende, de plaat wordt schoongeveegd, zodat alleen de inkt die in de ingesneden lijnen is afgezet, overblijft. Nu is de matrix klaar om met een vochtig vel papier door de drukpers te worden gehaald. De druk van de pers duwt het papier in die groeven en pakt de inkt op, resulterend in een spiegelafdruk van de afbeelding die op de koperplaat is gegraveerd.
Ook al is dit een van Schongauers vroegste gravures, het was enorm invloedrijk. Michelangelo heeft het zelfs gekopieerd. Martin Schongauer, Heilige Antonius gekweld door demonen , C. 1475, gravure, 30,0 x 21,8 cm (het Metropolitan Museum of Art)
In vergelijking met de moeilijkheid om een reliëfontwerp in een houtblok te snijden, de techniek van het graveren stelde bekwame kunstenaars in staat om prachtig gedetailleerde en stilistisch gevarieerde composities te creëren zonder bang te hoeven zijn om te smalle lijnen te produceren die zouden breken onder de druk van een mechanische pers. Een van de grootste graveurs in het Europa van de Renaissance was Martin Schongauer. Zijn St. Anthony gekweld door demonen pronkt met zijn veelzijdige graveertechniek.
Martin Schongauer, details van Heilige Antonius gekweld door demonen , C. 1475, gravure, 30,0 x 21,8 cm (het Metropolitan Museum of Art)
Om verschillende texturen te produceren, Schongauer gebruikte verschillende merken, zoals lang, krullende lijnen om de zachte vacht van de demon weer te geven, zwaaiend met een knots, korte U-vormige lijnen om de schubben te creëren van het wezen dat Anthony's linkerarm grijpt. Door passages van dichte arcering over het lichaam van Anthony op te nemen, Schongauer also gave his figure a three-dimensional presence on the flat paper surface.
Etching likely developed in the workshop of Daniel Hopfer, who created ornamental designs in the surface of metal armor. Attributed to Kolman Helmschmid, etching attributed to Daniel Hopfer, Cuirass and Tassets (Torso and Hip Defense), with detail of Virgin and Child on the center of the breastplate, C. 1510–20, staal, leer, 105.4 cm high (The Metropolitan Museum of Art)
Etching
Another intaglio process that developed in Germany around 1500 and remained popular throughout the early modern period was etching. While engraving originated from the craft of gold- and silversmithing, etching was closely related to the armorer’s trade. Etching likely developed in the workshop of Daniel Hopfer in Augsburg, a city in southern Germany. Hopfer discovered that through etching he was able to create ornamental designs in the surface of metal armor.
To etch an iron or copper printing plate, an acid-resistant substance (usually a varnish or wax) called a ground is applied to its surface. With a stylus or needle an artist draws a design into the ground, removing some of the coating each time a mark is made. After the design is complete, the plate is submerged into an acid bath and a chemical reaction takes place. The acid bites into the exposed metal, creating linear grooves. Once the plate is taken out of the bath and the ground is removed, the incised matrix is ready to be inked and printed in the same way as an engraving. Whereas engraving takes considerable manual labor because the printmaker has to carve into the metal plate, in the etching process, the acid does all of that work, and so it was considered an easier alternative to engraving. Artists who were adept at drawing, but not necessarily trained to engrave plates, found etching to be a suitable medium to make prints, since realizing a design in the ground with a needle was akin to drawing with a pen on paper.
Parmigianino, Entombment , 1529−1530, etsen, 27.1 x 20.4 cm (Cleveland Museum of Art, Cleveland)
Just like engraving, which had originated in Germany but quickly became popular among artists in other parts of Europe like Italy, etching also spread throughout the continent soon after its development. Parmigianino was one early sixteenth-century Italian painter and draftsman who tried his hand at etching. Zijn Entombment shows off his expressive line work. It appears “sketch-like, ” resembling a pen-and-ink drawing rather than an engraving, which is usually characterized by regularized lines and marks of equidistant spacing and length.
First state, Rembrandt van Rijn, Christ Presented to the People , 1655, drypoint i/viii, 38.3 x 45.1 cm (British Museum, London)
Drypoint
Drypoint is perhaps the simplest method for creating an intaglio print. It developed at the same time as engraving in early fifteenth-century Germany, and like other related processes, drypoint attracted printmakers working across Europe. The technique involves using a stylus or needle to scratch into the surface of the copper matrix to throw up a burr. Just as the sides of a furrow or trench dug into the ground will hold drifts of snow, the raised edges of a drypoint line will retain ink. When making an engraving, the printmaker scrapes away the burr in order to achieve clean lines when the plate is printed. In a drypoint, echter, the burr is left so that when the plate is printed, it produces a rich, velvety line. Unlike engraving, which can yield hundreds of decent impressions, the delicate drypoint burr wears quickly each time a plate is run through the press. Om deze reden, drypoint was most often used to add finishing touches to compositions after the primary design had been engraved or etched. Nog, some printmakers like the seventeenth-century Dutch master, Rembrandt, preferred to work entirely in this technique.
Detail, first state, Rembrandt van Rijn, Christ Presented to the People, 1655, drypoint i/viii, 38.3 x 45.1 cm (British Museum, London)
In Christ Presented to the People , the contours of Pontius Pilate, Christ, and the surrounding soldiers reveal the dense, blurred character of the drypoint burr. Because drypoint created few quality impressions, Rembrandt often reworked his plates, making different states of the same image in order to produce more legible representations. The first state was printed early on in the plate’s lifetime before the burr began to wear. In the fourth state, the once-strong velvety lines have all but disappeared and changes to the architecture are visible. Het meest opvallend, the balustrade depicted near the upper right does not appear in the first state.
Fourth state, Rembrandt van Rijn, Christ Presented to the People , 1655, drypoint iv/viii, 35.8 x 45.4 cm (British Museum, London)
Mezzotint
Mezzotint rockers (photo:Toni Pecoraro)
The term mezzotint is a compound of the Italian words mezzo (“half”) and tinta (“tone”), and describes a type of intaglio print made through gradations of light and shade rather than line. To produce a mezzotint, an artist roughens the entire surface of a copper plate with a tool called a “rocker, ” a chisel-like implement with a semi-circular serrated edge. This tool is rocked back and forth across the plate until it has been completely worked, creating a surface full of burr that will hold ink. If you were to print an impression at this stage, it would appear as a field of rich black. To create a legible image, the printmaker must work from darkness to light with the aid of a scraper—a triangular-shaped blade fixed in a knife handle—and a burnisher—a blunt instrument with a hard, rounded end. By removing or smoothing out the burr, the artist weakens the plate’s capability to hold ink when the plate is wiped, and those areas will print a lighter tone.
Left:Richard Earlom after Joseph Wright of Derby, The Blacksmith Shop , 1771, mezzotint ii/ii (Cleveland Museum of Art, Cleveland); right:Joseph Wright of Derby, The Blacksmith Shop , 1771, oil on canvas, 128.3 x 104.1 cm (Yale Center for British Art, New Haven)
Although mezzotint originated in Amsterdam during the second quarter of the seventeenth century, it found particular appeal in eighteenth-century London, so much so that the medium was even nicknamed “the English manner.” When the Dutch-born sovereign William III became King of England in the late 1600s, numerous printmakers from the northern provinces of the Netherlands relocated to London in hopes of achieving royal patronage. During successive decades, native English artists learned from their Dutch contemporaries about how to make mezzotints and several technical manuals on the subject were also published locally. By the beginning of the eighteenth century, England had earned the reputation as a prolific center for mezzotint production. Richard Earlom was one English printmaker who had a successful career making mezzotint reproductions of oil paintings. The Blacksmith Shop from 1771 is based on Joseph Wright of Derby’s painting of the same subject. Wright’s pictures, which exhibit dramatic lighting effects, were ideally suited to be translated into mezzotint because the medium could capture the subtle tonal variations and lustrous appearance of his oil paintings.
Aquatint
Aquatint is a variant of the etching process that produces broad areas of tone that resemble the visual effects of watercolor. It involves the use of a powdered resin that is adhered to the plate through controlled heating. As the resin bonds to the plate, it creates a network of linear channels of exposed metal (think of how a cake of mud that is dried in the sun has a web of cracks). Once the plate is bitten by acid, the areas of exposed metal form deep grooves that are capable of holding ink.
Francisco de Goya is famous for his artworks using aquatint. Goya, Los Caprichos:The Sleep of Reason Produces Monsters , 1799, etching and aquatint, 21.2 x 15.0 cm (British Museum, London)
Aquatint was first introduced in the mid-seventeenth century in Amsterdam. Nog, unlike other printmaking techniques that found immediate attraction, it would take some time before aquatint became more widely used. By the late eighteenth century, several English etchers had become drawn to the more painterly qualities of aquatint, but the medium arguably achieved its greatest acclaim under the Spanish artist, Francisco de Goya. To make The Sleep of Reason Produces Monsters , Goya first etched his sleeping artist, the bats, and haunting cat with quick lines. Vanaf daar, he switched to aquatint to render the ominous shadow that envelops the entire composition and the white letters on the front of the artist’s desk.
An example of a multi-sheet composition. Albrecht Dürer, Large Triumphal Carriage , C. 1518−1522, woodcut (Metropolitan Museum of Art, New York)
The business of printmaking
Printmaking in early modern Europe was a complex enterprise that involved a number of different agents. It was not always the case that the individual responsible for carving the woodblock or incising the metal plate was the designer of the composition. When Dürer was commissioned by Holy Roman Emperor Maximilian I to design a complex, multi-sheet composition of the Large Triumphal Carriage , he teamed up with a talented workshop of block carvers to help him execute that grand-scale project. In some workshops, the figure who undertook the physical process of printing the blocks and plates may have only done that job. Aanvullend, there may have been a separate position dedicated to print publishing, that is selling and distributing the prints. Depending on the size of a workshop and the equipment available, some printmakers or publishers had to contract out some of those tasks. Bijvoorbeeld, if a publishing shop did not own a press, it had to collaborate with another local shop to produce its prints. Early printmaking revolved around a sophisticated network of artists and businessmen, and this legacy is still seen today. Many contemporary printmakers partner with a printing shop to create their work and/or a commercial gallery to exhibit and sell their art.
Martin Luther was an Augustinian monk and professor of theology in Wittenberg. He posted his 95 Theses on the door of the castle church in Wittenberg—at least, this is how the tradition tells the story—that took issue with the way in which the Catholic Church thought about salvation, and it specifically took issue with the selling of indulgences. Lucas Cranach the Elder, Martin Luther as an Augustinian Monk , 1520, engraving, 15.8 x 10.7 cm (Metropolitan Museum of Art)
The advent of print not only transformed how images were made, but it created new possibilities for art collecting and mass communication. Scholars have long recognized how the mass distribution of printed pamphlets criticizing the Roman Church’s sale of indulgences and the pope’s supremacy along with printed portraits of Martin Luther, such as Cranach’s Martin Luther as an Augustinian Monk , spurred on a religious revolution in northern Europe by promoting the agenda of Protestant Reformers.
Books made in early colonial Mexico often stressed the importance of images in the process of converting Indigenous peoples. Juan Bautista, Confessionario en lengua mexicana y castellana [Preparation of the penitents in Nahuatl and Spanish] (Santiago Tlatelolco:Melchor Ocharte, 1599), 1v–2r (John Carter Brown Library)
The portability, reproduceerbaarheid, and affordability of printed compositions contributed to the exchange of information and ideas between cultures of distant geographies. European missionaries who journeyed to the Americas beginning in the sixteenth century brought with them prints of biblical figures that were subsequently disseminated among Indigenous populations in an effort to convert those local communities to Christianity. This kind of imagery also introduced Indigenous artists to new iconographies, visual traditions, and technologies that greatly impacted the artistic production in the Americas. In feite, during the mid-sixteenth century, the first printing shop was established in modern-day Mexico City and a few decades later Peru transformed into another important center for printmaking in the southern hemisphere. What we consider to be “mass media” today, certainly has its origins in the early modern world of printmaking.
