Impressionisme als optisch realisme:Monet
Claude Monet, Camille Monet en een kind in de kunstenaarstuin van Argenteuil , 1875, olieverf op canvas, 55,3 x 64,7 cm (Museum voor Schone Kunsten, Boston)
Realistischer?
Het onderwerp van Monets schilderij uit 1875 van zijn vrouw Camille Monet en een kind in de kunstenaarstuin van Argenteuil is direct herkenbaar. Beide figuren zijn gekleed in blauw gestreepte kleding en gaan op in een activiteit:Camille naait, het kind staart naar een boek. Op de voorgrond staat een speelgoedpaard, en een virtuele muur van groen gebladerte en bloeiende rode en roze bloemen verrijst achter hen.
De kijker krijgt voldoende visuele informatie om de belangrijkste componenten van de scène te herkennen, maar in plaats van fijne details te geven die meer details zouden opleveren, Monet benadrukt zijn felgekleurde penseelstreken. Als we willen weten van wat voor stof de afgebeelde kledingstukken zijn gemaakt, wat voor soort bloemen bloeien, of zelfs de textuur van de huid van de figuren, we kunnen er niet achter komen door goed te kijken. Nauwkeurige bestudering van het schilderij zal ons alleen maar meer leren over de penseelvoering van Monet, niet meer over de afgebeelde scène.
Als resultaat, als we de waarheid van het schilderij aan de natuur beoordelen in termen van de zorgvuldige weergave van details, het is niet erg realistisch. Echter, Impressionistische schilderijen zoals deze werden door sympathieke critici vaak omschreven als realistische voorstellingen, en soms zelfs als meer realistischer dan traditionele academische schilderijen met minutieus gedetailleerde figuren en scènes. Hoezo?
Waarheid naar realiteit
Het impressionisme roept complexe en interessante vragen op over realistische representatie. Hoewel we de neiging hebben om krachtige reflexieve oordelen te hebben over wat realistisch is in kunst en wat niet, de basis voor dergelijke oordelen is vaak onduidelijk. Aanhangers van de impressionistische schilderkunst verlegden subtiel maar wezenlijk de criteria voor het beoordelen van de waarheid naar de werkelijkheid in de schilderkunst. In het traditionele Renaissance en Academisch naturalisme, waarheid naar werkelijkheid betekende niet alleen de opname van wat we zien , maar ook prominent zichtbaar bewijs van eigenschappen van aanraken en ruimte :de massa van objecten, hun texturen, en het driedimensionale terrein waarin ze zich bevinden. Omdat schilderijen de ruimte niet letterlijk kunnen reproduceren, massa, en textuur, ze moeten een illusie van die kwaliteiten geven - en ze overdrijven vaak het visuele bewijs dat bijdraagt aan die illusie.
Jacques-Louis David, Eed van de Horatii , 1784, olieverf op canvas, 3,3 x 4,25 meter, geschilderd in Rome, tentoongesteld in de salon van 1785 (Musée du Louvre)
Hoe meer orthogonale lijnen in een schilderij zijn opgenomen, hoe overtuigender de grond in een schilderij lijkt terug te trekken als een vloer, in plaats van rechtop te staan als een muur - vandaar dat de Franse academische schilder Jacques-Louis David een tegelvloer en gemetselde muren met veel orthogonale lijnen in De eed van de Horatii . Effecten van clair-obscur in het traditionele naturalisme worden ook vaak overdreven ten opzichte van wat we werkelijk zien om het tastbare volume te bevestigen van wat eigenlijk slechts tweedimensionale weergaven zijn. Het dramatische contrast gecreëerd door de sterk verlichte figuren tegen de zeer donkere schaduwen en achtergrond in Davids schilderij verhoogt de illusie van driedimensionale vormen in de ruimte.
Alleen wat we zien, niet wat we weten
De relatie van figuren tot de ruimte in Monet's Camille Monet en een kind in de kunstenaarstuin is duidelijk anders. Er wordt geen gebruik gemaakt van clair-obscur om de vormen van de figuren te definiëren of lineair perspectief om de ruimte te definiëren waarin ze zich bevinden. De figuren zitten recht voor het gebladerte, het creëren van een zeer ondiepe ruimte, die verder wordt afgevlakt door de prominente getextureerde penseelstreken door het hele schilderij. De lichtbron is diffuus, en er is heel weinig modellering van de figuren, slechts een paar donkere plekken in de kleding die de armen van de romp onderscheiden.
Claude Monet, Camille Monet en een kind in de kunstenaarstuin van Argenteuil (detail), 1875, olieverf op canvas, 55,3 x 64,7 cm (Museum voor Schone Kunsten, Boston)
De impressionistische stijl zoals hier door Monet wordt geïllustreerd, bestaat uit weergave alleen optisch gegevens, alleen reproduceren wat we zien, niet wat we weten over de ruimte, massa, en de andere fysieke details van de wereld. In 1883, de criticus Jules Laforgue suggereerde, “De impressionist ziet en geeft de natuur weer zoals ze is, dat wil zeggen:geheel in termen van kleurtrillingen. Geen tekening, geen licht, geen modellenwerk, geen perspectief, geen clair-obscur, geen van die kinderachtige classificaties:al deze worden kleurtrillingen en moeten door middel van kleurtrillingen op het doek worden weergegeven.” Er zit wat handigheid in dit beroep op de grotere waarheid van het impressionisme, natuurlijk. Laforgue stelt dat de impressionist “de natuur weergeeft” zoals het is [vertelle qu'elle est], ” maar hij zou misschien nauwkeuriger moeten zeggen dat de impressionist zich concentreert op het weergeven van de natuur zoals die is verschijnt voor de ogen . In deze betekenis, de impressionisten beperkten allebei het schilderproject tot een enger doel dan het traditionele naturalisme, en verhoogde de nauwkeurigheid met betrekking tot dat doel.
Lilla Cabot Perry, Een stroom onder populieren , C. 1890-1900, olieverf op canvas, 65,4 x 81,3 cm (Hunter Museum of American Art)
Verschuivende kleurpatronen
De volledige betekenis van dit begrip voor de impressionistische benadering van schilderen blijkt duidelijk uit de herinnering aan Monets advies aan haar door de Amerikaanse kunstenaar Lilla Cabot Perry:
“Als je gaat schilderen, probeer te vergeten welke objecten je voor je hebt - een boom, een huis, een veld, of wat dan ook. denk alleen maar, Hier is een klein vierkantje blauw, hier een langwerpige roze, hier een gele streep, en schilder het zoals het er voor jou uitziet, de exacte kleur en vorm, totdat het je eigen naïeve indruk geeft van het tafereel dat voor je ligt...' [Monet] zei dat hij wenste dat hij blind was geboren en toen plotseling zijn gezichtsvermogen had gekregen, zodat hij op deze manier had kunnen schilderen zonder te weten wat de objecten waren die hij voor zich zag. Lilla Cabot Perry, “Herinneringen aan Claude Monet uit 1889 -1909, Het Amerikaanse tijdschrift voor kunst, vol. 18, Nee. 3 (1927), P. 120.
Monet drukt hier een verlangen uit naar een onmogelijke scheiding van de onmiddellijke sensatie van zijn visie van de daaropvolgende verwerking van visuele gegevens door zijn geest. Stel je de eerste visuele ervaring van een baby voor. Ze weet niet dat de kleurpatronen die ze ervaart corresponderen met substantiële objecten in een tastbare wereld; ook weet ze niet waar het ene object eindigt en het andere begint; noch het onderscheid tussen dichtbij of veraf. Een baby of een blinde die plotseling weer kan zien, ziet slechts een verschuivend kleurpatroon . Overeenkomstig, Monet adviseert Perry niet na te denken over de objecten die ze schildert, maar om alleen een kleurpatroon te zien:een "blauw vierkant, ’ een ‘langwerpig roze, ' een 'gele streep'.
Claude Monet, Hooibergen, middag , 1890, olieverf op canvas, 65,6 x 100,6 cm (National Gallery of Australia, Canberra)
Licht schilderen
Monets advies aan Perry begint ook de radicale penseelvoering van de impressionisten te verklaren, die veel critici verontrustte. Impressionistische kunstenaars bouwden hun schilderijen in kleurvlakken zoals Monet beschreef, alsof ze de optische wereld schilderen zoals ze die ervaren op het oppervlak van hun netvlies, in plaats van te proberen een illusie van de ruimte te creëren, massa, en texturen van de tactiele wereld. Critici merkten ook op dat de fragmentarische penseelvoering van de impressionistische stijl flikkerende patronen van licht en kleur simuleerde. De schijnbare snelheid van de penseelvoering duidde op de snel veranderende lichtomstandigheden, die veranderde voordat de kunstenaar de tijd had om het oppervlak van het werk glad te strijken met een traditionele academische afwerking.
Claude Monet, Populieren , 1891, olieverf op canvas, 93 x 74,1 cm (Philadelphia Museum of Art)
De serie schilderijen van Monet uit de jaren 1880 en 1890 vertegenwoordigen het hoogtepunt van dit optisch-wetenschappelijke aspect van het impressionisme. In deze serie legde Monet het veranderende uiterlijk vast van een enkel onderwerp:hooibergen in Giverny, kathedraal van Rouaan, een populierenbank - op verschillende tijdstippen van de dag, bij ander weer, en in verschillende seizoenen. Omdat de kwaliteit van het licht snel veranderde, Monet kon voor een beperkte tijd aan een bepaald canvas werken, het alleen weer opnemen als de lichtomstandigheden vergelijkbaar waren. Perry meldde dat een bepaald lichteffect in de Populieren serie duurde slechts zeven minuten, totdat het zonlicht een bepaald blad raakt.
Links:Claude Monet, Kathedraal van Rouen (De Portal en de Tour d'Albane in het volle zonlicht) ook wel genoemd Harmonie in blauw en goud , 1893 (gedateerd 1894), olieverf op canvas, 107 x 73 cm (Musée d'Orsay); Rechts:Claude Monet, Kathedraal van Rouaan, Portaal, Ochtendzon , 1893, olieverf op canvas, 92,2 x 63,0 (Musée d'Orsay)
Hoewel het onderwerp identiek is, de radicaal verschillende kleuren die werden gebruikt in de ongeveer dertig uitzichten die Monet in 1893-94 van de kathedraal van Rouen schilderde, tonen de veranderingen in het uiterlijk van het tafereel in de loop van de tijd. Binnen de nominaal grijs-bruine lokale kleur van het metselwerk, Monet vindt een verrassende verscheidenheid aan kleuren. Het eerste werk registreert een schildertijd rond het middaguur op een zonnige dag, en de dominante kleur is heldergeel, met blauwe flikkeringen voor de schaduwen rond de gebeeldhouwde façade. De tweede registreert een observatie in de vroege ochtend, met de hele gevel in schaduw gegoten en weergegeven in blauw, viooltjes, en roze. In beide werken weerkaatst het gereflecteerde licht van de grond voor de kathedraal op de onderkant van de diep uitgesneden bogen van de portalen, die zijn weergegeven in feloranje - inderdaad heel ver van de lokale kleur van de steen. (Voor een uitleg van de termen “lokale kleur” en “gepercipieerde kleur, ” zie impressionistische kleur . )
Zijn naam eer aan doen
Voor aanhangers van de beweging, de naam impressionisme is bijzonder toepasselijk, hoewel het oorspronkelijk werd gebruikt als een term van spot. "Indruk" kan worden gebruikt als een wetenschappelijke term voor het stimuleren van de sensorische zenuwen, zoals bijvoorbeeld het effect op de retinale zenuwen van licht dat door voorwerpen wordt gereflecteerd. Strikt gesproken, de term isoleert deze puur fysieke stimulus van elke volgende mentale of emotionele reactie erop. De netvliesafdruk bestaat alleen uit een patroon van kleuren, voordat de geest interpreteert wat hij ziet en informatie over massa afleidt, ruimte, en textuur, en voordat de kijker emotioneel reageert. Voor sommige van zijn critici en beoefenaars, Het impressionisme had de uitstraling van een objectief wetenschappelijk project, geïnformeerd door en bijdragend aan een schat aan hedendaagse ontdekkingen in de wetenschap van licht en kleur.
